Jeff Koons - 2000 Words

Cet ouvrage abondamment illustré retrace le parcours de l'artiste, son approche de l'art, ses techniques ou ses influences majeures, à travers une compilation d'entretiens récents.

Jeff Koons - Entretiens avec Norman Rosenthal

Popeye sculpture

Cyclope

Jeffrey Koons, né le 21 janvier 1955 à York en Pennsylvanie, est un plasticien et sculpteur de style kitsch néo-pop américain. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent l'Inflatable Rabbit, les Balloon Dogs, les Tulips ou encore Michael Jackson and Bubbles. En France, il organise Koons Versailles dans le Château et les Jardins de Versailles en 2008-2009 et sa Rétrospective au Centre Pompidou en 2014-2015.

Souvent, mon travail est regardé très en surface. Il est très facile de simplement vouloir mettre quelque chose dans une boîte - de dire : "Oh, puisque ce travail traite parfois de désirs superficiels, il s'agit de consommation." Et bien sûr, la base du travail n'est... pas du tout économique.

Si je faisais physiquement chaque travail moi-même, je ne ferais qu'une ou deux peintures faites par an, si cela.

J'ai réalisé que les gens réagissent aux choses banales. Ils n'acceptent pas leur propre histoire, ne participant pas à l'acceptation au sein de leur propre être.

C'est merveilleux de gagner beaucoup d'argent, de pouvoir prendre soin de ma famille, d'avoir les installations que j'ai et de soutenir vraiment les personnes avec lesquelles le studio est impliqué. Mais à la fin de la journée, je suis assez simple en tant qu'artiste, c'est vraiment la puissance de l'art.

Je pense que les artistes enquêtent toujours sur la façon d'avoir une plate-forme politique économique. À un moment donné, les artistes étaient soutenus par l'église. Ensuite, ils ont également été soutenus par l'État.

Les sentiments sont à base de toutes les idées. Vous avez d'abord des sentiments, puis, à travers ces sensations, il se transforme en idées.

L'art est désormais obsolète. Les nouvelles technologies prennent le dessus.

Lorsque les gens portent des jugements, ils ferment toute la possibilité autour d'eux.

Le Whitney est un musée qui a un grand rapport avec les jeunes artistes et la communauté.

La première chose que tout bon artiste doit développer est un sentiment d'indépendance de l'art. Ce qui détruit vraiment un jeune artiste, c'est l'insécurité, la peur que tout puisse être enlevé à tout moment.

J'adore la galerie, l'arène de la représentation. C'est un monde commercial, et la morale est généralement basée sur l'économie, et cela se déroule dans la galerie d'art.

Lorsque vous avez une idée pour un travail et que lorsque vous avez terminé votre modèle, pour l'artiste, c'est presque complet, d'une certaine manière. Mais ensuite, l'amener à l'arrivée est vraiment quelque chose que vous faites pour le public. C'est toujours excitant.

Si vous avez une idée, vous devez y aller pour faire un geste. Le dessin est un moyen immédiat d'articuler cette idée - de faire un geste à la fois physique et intellectuel.

J'essaie de créer un travail qui ne fait pas sentir les téléspectateurs qu'ils se sont prononcés, ils se sentent donc ouverts.

L'art était quelque chose que je pouvais faire mieux. Cela m'a donné un sentiment de moi.

Je pensais que je m'appellerais un cochon avant que le spectateur ne le puisse, afin qu'ils ne puissent que penser plus à moi.

Tout ce que vous pouvez faire pour protéger le public et lui donner l'assurance que nos contrôles financiers sont bons est très, très positif.

Je préférerais un sein de taille normale, ou un petit sein ou autre, et que ce soit naturel, que de comprendre que c'était juste de la gelée là-dedans.

Les médias, les galeries, les collectionneurs - tout est très chaotique en fait. L'art du monde n'a pas cette structure d'entreprise définie que les gens imaginent.

Je pense à mon travail à chaque minute de la journée.

Je ne suis vraiment pas une personne qui consomme beaucoup. Je n'ai pas de voiture de sport.

Je me souviens avoir été un étudiant en art et aller à la Whitney en 1974 pour voir l'exposition de Jim Nutt, l'imagiste de Chicago. C'est alors que j'ai été transféré à l'école à Chicago, tout à cause de ce spectacle.

Si j'essaie d'articuler chaque petit détail d'un dessin, ce serait comme manquer la forêt pour les arbres, il s'agit donc simplement d'obtenir le contour de la forêt.

Je travaille toujours. Si je ne suis pas dans mon studio, je deviens très nerveux.

J'ai toujours aimé ressentir un lien avec l'avant-garde, comme Dada et le surréalisme et le pop art. La seule chose que l'artiste peut faire est d'être honnête avec elles-mêmes et de faire l'art qu'ils veulent faire. C'est ce que j'ai toujours fait.

L'art a cette capacité de vous permettre de vous reconnecter à travers l'histoire de la même manière que la biologie. Je suis toujours à la recherche de matériel source.

J'essaie d'éduquer les gens sur le matérialisme à travers mon travail. J'essaie de leur montrer un vrai luxe visuel.

J'utilise des imprimantes pour faire des impressions des images que je crée. Et j'essaie d'avoir ce genre de surface reproduit dans la peinture.

L'une des raisons pour lesquelles je travaille avec la technologie comme je le fais est que je peux vraiment être assuré que la vision que j'ai dès le départ est ce qui sera à la fin. Et que cette vision n'est pas modifiée par le processus.

Je sais comment l'art est entré et a vraiment changé ma vie, donc pour donner à ces enfants cette opportunité juste en contact avec l'art - c'est merveilleux.

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