«Arrivé à l'âge de trente ans, je me rendais compte que je ne possédais rien, que ma fiancée s'éloignait de moi, que j'allais devoir échanger mes ambitions contre un emploi de salarié, et que la fin du monde approchait.» Beth quitte David alors qu'il vient d'intégrer un poste de «conseiller technique sans attribution définitive» dans l'Entreprise, société chargée d'élaborer une Arche moderne en vue du déluge imminent. David s'acharne à espérer que son couple n'est pas mort, tout en cherchant ce qu'il faut sauvegarder dans l'Arche : calendriers des postes, performants incinérateurs d'appartement, êtres humains ou cadavre congelé de Walt Disney... Et les signes de déliquescence s'accumulent. L'homme du palier, SDF philosophe qui investit l'immeuble au grand dam des soeurs K., jumelles obsédées par l'hygiène et la diététique, se transforme en agent liquidateur ; le tueur en série Jacchetti oublie sa carte d'identité auprès du cadavre de ses victimes ; les amis de David s'aventurent dans des projets troublants : l'un lance le chantier du Plus grand trou du monde et l'autre se fait murer dans son appartement. Une dissection percutante de cette ère où «la vie s'écoule dans les tubulures», d'un monde dominé par les stratégies de masse et les technologies de pointe : le nôtre.

L'Ère tertiaire

Relational Aesthetics

L'oeuvre de Philippe Parreno s'est imposée dans les années 1990 quand une génération d'artistes, dont il est l'un des principaux représentants, s'écartant du goût pour le "néo" de la décennie précédente, a renoué avec les objectifs analytiques des avant-gardes : redéfinition de l'espace d'exposition, déconstruction des médias, intérêt pour la façon dont les objets s'inscrivent dans un contexte, une histoire, plus que pour leur production proprement dite. A rebours de la tradition qui voulait rendre compte du réel à travers la fiction, Philippe Parreno veut faire entrer la fiction dans le réel pour mieux réinventer celui-ci. Des institutions majeures ont consacré des expositions à cette oeuvre singulière : le musée d'art moderne de la Ville de Paris, le Centre Pompidou, le Mamco de Genève, le Palais de Tokyo...

Philippe Parreno

A partir d'une des plus importantes collections européennes d'art contemporain, la collection Cranford, 00s est la première exposition consacrée aux années 2000. Pourtant marquée par de profonds bouleversements, cette décennie semble ne pas avoir eu de fin, comme si elle se prolongeait jusqu'à nous. Comment dessiner l'identité de cette période fantôme ? A travers une centaine d'oeuvres d'artistes de générations différentes, mais qui ont contribué à façonner le début du millénaire, de singuliers dialogues avec l'époque se dessinent.

00s - Collection Cranford : les années 2000

À l'instar des peintres, Bruno Serralongue va à la rencontre de son sujet. Comme ceux qui ont établi la perspective, il prend position dans l'image. Comme les modernes, son œuvre trouve son objectivité dans son mode de production.

Bruno Serralongue

Retour sur Mulholland Drive prend comme matière première et réservoir de motifs le film culte du réalisateur américain David Lynch, pour révéler une tendance émergente de l'art contemporain : le "minimalisme fantastique". Il existe en effet une "inquiétante étrangeté" qui émane de l'ensemble des oeuvres réunies, une atmosphère angoissante ou féériquesurgit de formes minimalistes qui explorent le potentiel énigmatique de ce qui peut apparaître à première vue comme lisse et dérisoire. Le catalogue de l'exposition propose de parcourir cet univers et de le compléter par des textes inédits, ou réédités ici pour proposer des lectures variées, des clés multiples pour ouvrir plus largement les possibles de la boîte bleue.

La Panacée #1 - Retour sur Mulholland Drive - Le minimalisme fantastique

Nicolas Bourriaud invite des artistes du monde entier à s'interroger sur la contemporanéité du concept romantique du sublime, à l'ère de l'anthropocène.

La prise de conscience du réchauffement climatique, en modifiant notre relation collective à la terre, a également eu un impact sur le regard humain. Dans ce contexte, le concept romantique du sublime a pris une nouvelle tournure : basé sur les rapports entre l'humain et la nature, défini comme un sentiment de « plaisir mêlé de terreur » et par le contraste entre l'immensité et l'individu, le sublime est la notion esthétique qui correspond à l'anthropocène. 
Dans Planète B. Le sublime et la crise climatique, Nicolas Bourriaud invite des artistes venant du monde entier à s'interroger sur la contemporanéité de ce concept dans une exposition en trois actes : 1. Toute exposition est une forêt. 2. Charles Darwin et les récifs coralliens. 3. La mort tragique de l'île de Nauru.

Planète B. Le sublime et la crise climatique est le dernier chapitre d'une suite d'expositions entamée par La Grande Accélération. L'art dans l'ère de l'Anthropocène (Biennale de Taipei, 2014), suivie de Crash Test. La Révolution Moléculaire à la Panacée (Montpellier, 2018), et Le 7ème continent (Biennale d'Istanbul, 2019).
Ce catalogue est publié à l'occasion de l'exposition éponyme présentée au Palazzo Bollani, Venise, du 20 avril au 27 novembre 2022, avec Nils Alix-Tabeling, Dana-Fiona Armour, Charles Avery, Gianfranco Baruchello, Hicham Berrada, Bianca Bondi, Peter Buggenhout, Roberto Cabot, Alex Cerveny, Anna Conway, Sterling Crispin, Kendell Geers, Anna Bella Geiger, Loris Gréaud, Max Hooper Schneider, Agata Ingarden, Per Kirkeby, Agnieszka Kurant, Romana Londi, Turiya Magadlela, Lucia Pizzani, Thiago Rocha Pitta, Ylva Snöfrid, Nicolás Uriburu, Ambera Wellmann, Haegue Yang, Phillip Zach.

Planète B - Le sublime et la crise climatique

Nicolas Bourriaud invites artists from all around the world to question the contemporaneity of the romantic concept of the sublime, at the age of the anthropocene.

The awareness of climate change modified our collective relation to the earth in many ways, but it also impacted the human gaze. Within this context, the romantic notion of the sublime has been given a new turn: based on the relation between humans and nature, defined as a feeling of "delight associated with terror" and by the contrast between immensity and the individual, the sublime is the aesthetic notion that corresponds to the anthropocene. 
In Planet B. Climate Change and the New Sublime, French writer and curator Nicolas Bourriaud invites artists from all around the world to question the contemporaneity of this concept through 3 chapters unfolding in 3 acts of the exhibition: 1. Intercessions (Every exhibition is a forest). 2. Charles Darwin and the coral reefs. 3. The tragic death of Nauru Island.

Planet B. Climate Change and the New Sublime is the last chapter of exhibitions initiated with The Great Acceleration. Art in the Anthropocene (Taipei Biennial, 2014), followed by Crash Test. The Molecular Turn (La Panacée, 2018) and The 7th continent (Istanbul Biennial, 2019). 
This catalogue is published on the occasion of an eponymous exhibition taking place at Palazzo Bollani, Venice, from April 20th to November 27th, 2022, with Nils Alix-Tabeling, Dana-Fiona Armour, Charles Avery, Gianfranco Baruchello, Hicham Berrada, Bianca Bondi, Peter Buggenhout, Roberto Cabot, Alex Cerveny, Anna Conway, Sterling Crispin, Kendell Geers, Anna Bella Geiger, Loris Gréaud, Max Hooper Schneider, Agata Ingarden, Per Kirkeby, Agnieszka Kurant, Romana Londi, Turiya Magadlela, Lucia Pizzani, Thiago Rocha Pitta, Ylva Snöfrid, Nicolás Uriburu, Ambera Wellmann, Haegue Yang, Phillip Zach.

Planet B - Climate Change and the New Sublime

Huit ans après la parution de son dernier livre, Nicolas Bourriaud brise son silence avec L'Exforme, une méditation étonnante sur notre condition à l'âge de la multiplication des déchets - déchets du capitalisme, de la consommation, de l'industrialisation, des rêves nucléaires. Comment apprendre à vivre dans un monde de déchets ? Pour Nicolas Bourriaud, la réponse est claire : un tel apprentissage ne peut se penser sans le secours des ouvres de l'art d'aujourd'hui - ouvres qui ont fait du déchet leur préoccupation, leur constitution ou leur forme même. Ce dont nous avons besoin, c'est d'inventer des formes de vie qui soient des « exformes », qui acceptent de se confronter au fait qu'elles sont elles-mêmes en train de se transformer en déchets. Inspiré par les écrits de Karl Marx, Walter Benjamin et surtout Louis Althusser, Nicolas Bourriaud propose donc une ronde à l'intérieur d'une nouvelle « fantasmagorie du capital » : la ronde de ce qui est rejeté, et qui, d'être rejeté, ne cesse de faire retour et de réclamer sa place. À la fois panorama remarquable de l'art contemporain, méditation puissante sur la condition politique d'aujourd'hui, et essai de définir les coordonnées existentielles du présent, L'Exforme est un livre majeur.

L'exforme - Art, idéologie et rejet

Lucy Orta's work examines the social bo,ds wothin communities and the relationships between individuals and their environments. In the early 1990s Orta began a series of works that combined architecture, fashion and social activism. These works took the form of prototype clothing and portable shelters for emergency situations. Orta's work has since grown to incorporate interdisciplinary workshops, contemporary dance and other actions that explore notions of identity, shared space and networking. These projects include collaborations with such marginalized groups as the unemployed, the homeless and immigrants. Orta has staged solo exhibitions and performances at the Cartier Foundation for Contemporary Art, Paris (1996), the Museum of Contemporary Art, Sydney (1998), and the Wiener Secession, Vienna (1999). She has exhibited in numerous group exhibitions, including the Venice Biennale (1995), the Johannesburg Biennale (1997) and the Museum of Contemporary Art in Tokyo (1998). In addition Orta frequently works outside the usual art world of gallery and Museum exhibitions. Orta is currently the first Rootstein Hopkins Chair of Fashion at the London College of Fashion, part of The London Institute, and heads the new master programme'Man and Humanity' at the Design Academy in Eindhoven.

Lucy Orta - Edition en anglais

La Panacée présente la première exposition personnelle en France de Tala Madani, née en 1981 en Iran et vivant actuellement à Los Angeles. Les tableaux de Tala Madani semblent presque tous issus d'une même scène, d'un "carré" où se produiraient les acteurs d'un film muet, fragments d'un monde unique. Ils fonctionnent comme autant de courtes séquences, comme extraites d'une animation pop-up. Boucles infinies de Vine, clichés cosmétiques d'Instagram, images-gadgets de Snapchat : Tala Madani fonde sa pratique picturale sur le régime de l'image en ligne sur les réseaux sociaux, et elle utilise les codes visuels de la séduction publicitaire afin de mieux en révéler le négatif.

La Panacée #1 - Tala Madani

Que peut nous apprendre l'art sur la globalisation économique ? En retour, comment comprendre les nouvelles formes de l'art contemporain à la lumière de cette mutation sociale et intellectuelle? Appuyant son analyse sur l'expérience vécue aussi bien que sur les écrits de Victor Segalen ou les aventures artistiques les plus novatrices aujourd'hui, Nicolas Bourriaud dresse la cartographie d'un monde en mouvement. Entre menace d'uniformisation et tentation du retour aux racines, entre multiculturalisme et traditionalisme qui assignent tous deux les individus à leur prétendue « identité », la culture mondialisée est en quête d'une troisième voie qui sorte du postmodernisme pour aller vers l'« altermodernité » dont ce livre esquisse les figures. Un organisme qui fait pousser ses racines au fur et à mesure qu'il avance : tel est le sens du mot radicant, par lequel Nicolas Bourriaud définit cette modernité émergente, s'opposant à la radicalité qui hanta le siècle précédent.

Radicant - Pour une esthétique de la globalisation

d'oú vient cette obsession de l'interactif qui traverse notre époque ? après la société de consommation, après l'ère de la communication, l'art contribue-t-il aujourd'hui à l'émergence d'une société rationnelle ? nicolas bourriaud tente de renouveler notre approche de l'art contemporain en se tenant au plus près du travail des artistes, et en exposant les principes qui structurent leur pensée : une esthétique de l'interhumain, de la rencontre, de la proximité, de la résistance au formatage social.
 son essai se donne pour but de produire des outils nous permettant de comprendre l'évolution de l'art actuel : on y croisera felix gonzalez-torres et louis althusser, rirkrit tiravanija ou félix guattari, et la plupart des artistes novateurs en activité.

L'esthetique relationnelle

À l'heure de l'Anthropocène, quel pourrait être le rôle de l'art ? Dans une culture qui a accéléré jusqu'au délire le passage de la marchandise à l'ordure, de la valeur au déchet, il n'est désormais rien qui ne puisse prétendre s'extraire de la logique de crise affectant la totalité des habitants de la planète Terre. À la crise climatique et à la crise économique répond en effet une crise de la culture, mêlant gaspillages, exclusions, pollutions, appropriations brutales - faisant de l'art le collaborateur de la destruction planétaire. Comment réagir à cet état des choses ? Dans ce nouvel essai, urgent et passionné, Nicolas Bourriaud se fait l'avocat d'une conception nouvelle de l'art, qui prenne la mesure d'une écologie et d'une économie instituant la décroissance, la décolonisation et l'inclusion en maîtres-mots. Convoquant les plus grands créateurs de notre temps ainsi que les derniers apports de l'anthropologie, de la philosophie ou de l'esthétique, Inclusions est un vibrant plaidoyer pour une forme enfin soutenable de vie, dont l'art pourrait constituer le modèle.

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