1000 aquarelles de génie

Nach den definierten Kanons der Kunsttechnik sollte ein Porträt vor allem eine getreue Darstellung seines Modells sein. Diese Galerie mit 1000 Porträts zeigt jedoch, wie sich das Genre im Laufe der Geschichte verändert hat und sich als viel komplexer erwiesen hat als eine bloße Nachahmung der Realität. Über die Darstellung der Kunstfertigkeit des Künstlers hinaus muss das Porträt die Aufgabe der Nachahmung, so gerecht und präzise es auch sein mag, übertreffen, sowohl die Absicht des Künstlers als auch die seines Gnners zu übersetzen, ohne seine Wünsche zu verraten. Deshalb enthüllen diese stillen Zeugen, die auf diesen Seiten sorgfältig ausgewählt wurden, mehr als die Gesichter historischer Persnlichkeiten oder anonymer Personen: Sie enthüllen eine psychologische Tiefe, die mehr als eine Identität ist, sie veranschaulichen eine Allegorie, dienen der politischen und religisen Propaganda und verkrpern die Bräuche ihrer Epochen. Mit einer beeindruckenden Anzahl von Meisterwerken, Biografien und Kommentaren zu den Werken präsentiert und analysiert dieses Buch verschiedene Porträts und stellt so dem Leser und jedem Kunstliebhaber ein Spiegelbild der Evolution der Gesellschaft und vor allem die Umwälzungen eines Genres dar, das über 30 Jahrhunderte der Malerei die Kunstgeschichte geprägt hat.

1000 Porträts

Im Gegensatz zum mittelalterlichen Obskurantismus hat sich in Europa vom 14. bis zum 16. Jahrhundert die RenaissancealsWiedergeburt des antikenGeistes und als wesentliche Geistes-bewegung der Zeit durchgesetzt. Die Akteure der Renaissance stellen den Menschen inseiner krperlichen Beschaffenheit in den Mittelpunktund machen ihn zum Maßstab für ein neues Ordnungssystem.Die Renaissance ist damit der Beginn der anthropozentrischen Welt-anschauung. Religise Gestalten wurden vermenschlicht. Es ist eine Epoche der ästhetischen Forschung der Anatomie, der Perspektive und der Naturwissenschaft. Die genialsten Künstler der Kunstgeschichte, wie Botticelli, Raphael, Michelangelo oder Leonardo da Vinci verbinden ihren Namen mit der Epoche und deren opulenter Produktivität. Ihre Werke werden in den Museen der ganzen Welt bewundert.

Die Malerei der Renaissance

Architecte et designer barcelonais, Antoni Gaudí (1852-1926) occupe une large place dans l'histoire de l'art espagnol. L'usage de la couleur, l'emploi de différents matériaux et l'introduction du mouvement dans ses constructions furent une innovation dans le domaine de l'architecture. 

Il laissa dans ses carnets de nombreuses réflexions à propos de son art telles que : « La couleur dans l'architecture doit être intense, logique et fertile. » Appuyée par de nombreuses photographies et de nombreux détails architecturaux, l'étude que mène l'auteur, Jeremy Roe, permet une approche du contexte de l'art barcelonais et introduit une minutieuse étude critique des constructions, objets et écrits du plus célèbre architecte barcelonais.

Gaudí

Art Deco style was established on the ashes of a disappeared world, the one from before the First World War, and on the foundation stone of a world yet to become, opened to the most undisclosed promises. Forgetting herself in the whirl of Jazz Age and the euphoria of the "Années Folles", the Garçonne with her linear shape reflects the architectural style of Art Deco: to the rounded curves succeed the simple and plain androgynous straight line.

Architecture, painting, furniture and sculpture, dissected by the author, proclaim the druthers for sharp lines and broken angles. Although ephemeral, this movement keeps on influencing contemporary design.

Art Deco

A symbol of massive crowds and solitary desires, the city holds promise for all those that pass through it. Its meandering streets, unexplored neighbourhoods and incessant noise create a landscape that captivates the observer. The lights of the city can conceal or reveal it, transforming its appearance hour by hour, offering countless facets to the passerby. While the light of morning pulls the city from its torpor and renews it for the dawning day, the nocturnal illumination plunges the pedestrian into the strangeness of its mysteries, creating a striking and ephemeral beauty. Between the shadow and the light, these original photographs reveal the fragile glow of the city, and help us rediscover the eternal pulse of these great capitals, simultaneously surprising and sublime.

City Lights

Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) (Florence, 1445 - 1510)
Botticelli était le fils d'un citoyen jouissant d'une situation confortable, et avait été «instruit dans toutes les choses que les enfants doivent habituellement savoir avant de choisir une vocation ». Mais il refusa de consacrer son attention à la lecture, l'écriture et le calcul, poursuit Vasari, de sorte que son père, désespérant de le voir un jour à l'école, le plaça en apprentissage auprès de l'orfèvre Botticello, d'où le nom qui est passé à la postérité. Mais Sandro, jeune garçon à l'air entêté, doté de grands yeux calmes et scrutateurs et d'une tignasse blonde - il s'est représenté lui-même sur le côté gauche de L'Adoration des Mages - voulait bien devenir peintre, et il fut donc placé auprès du moine carmélite Fra Filippo Lippi.
Comme de nombreux artistes de son temps, satisfait de la joie que lui procurait la peinture, il se tourna vers l'étude de la beauté et du caractère de l'homme, plutôt que vers les thèmes religieux. Ainsi, Sandro fit des progrès rapides, aimant son professeur et, plus tard, le fils de celui-ci, Filippino Lippi, auquel il apprit à peindre. Mais le réalisme du maître le toucha à peine, car Sandro était un rêveur et un poète.
Botticelli n'est pas un peintre de faits, mais d'idées ; ses tableaux ne sont pas tant des représentations d'objets que des agencements de motifs et de formes. Ses couleurs ne sont pas riches et proches de la vie, mais subordonnées à la forme, et elles sont souvent des nuances plus que de vraies couleurs. En réalité, il s'intéresse aux possibilités abstraites de son art, et ses personnages n'occupent pas de place bien définie dans l'espace : ils n'attirent pas notre oeil par leur volume, mais suggèrent plutôt un motif ornemental plat. De même, les lignes qui entourent les personnages sont choisies pour leur fonction première, décorative.
On a dit que Botticelli, «bien qu'étant un piètre anatomiste, était l'un des plus grands dessinateurs de la Renaissance ». Comme exemple d'anatomie erronée, nous pouvons citer la manière improbable dont la tête de la Madone est reliée à son cou, ou encore toutes les articulations approximatives et les membres difformes que l'on trouve dans les tableaux de Botticelli. Pourtant, son talent de dessinateur fut reconnu, car il donna à la «ligne » non seulement une beauté intrinsèque, mais également un sens. Autrement dit, en langage mathématique, il réduisit le mouvement de la figure à la somme de ses facteurs élémentaires, à ses plus simples formes d'expression. Il combina ensuite ces diverses formes
en une figure qui, à travers ses lignes rythmiques et harmoniques, projette sur notre imagination les sentiments poétiques qui animaient l'artiste lui-même. Ce pouvoir de faire compter chaque ligne, à la fois par son sens et par sa beauté, distingue les grands maîtres du dessin de la grande majorité des artistes, utilisant la ligne avant tout comme un outil nécessaire à la représentation des objets concrets.

Sandro Botticelli

Deriving from the French word rocaille, in reference to the curved forms of shellfish, and the Italian barocco, the French created the term 'Rococo'. Appearing at the beginning of the 18th century, it rapidly spread to the whole of Europe. Extravagant and light, Rococo responded perfectly to the spontaneity of the aristocracy of the time. In many aspects, this art was linked to its predecessor, Baroque, and it is thus also referred to as late Baroque style. While artists such as Tiepolo, Boucher and Reynolds carried the style to its apogee, the movement was often condemned for its superficiality. In the second half of the 18th century, Rococo began its decline. At the end of the century, facing the advent of Neoclassicism, it was plunged into obscurity. It had to wait nearly a century before art historians could restore it to the radiance of its golden age, which is rediscovered in this work by Klaus H. Carl and Victoria Charles.

Rococo

Born in 1860 in a small Czech town, Alphonse Mucha (1860-1939) was an artist on the forefront of Art Nouveau, the modernist movement that swept Paris in the 1910s, marking a return to the simplicity of natural forms, and changing the world of art and design forever. In fact, Art Nouveau was known to insiders as the "Mucha style" for the legions of imitators who adapted the master's celebrated tableaux. Today, his distinctive depictions of lithe young women in classical dress have become a pop cultural touchstone, inspiring album covers, comic books, and everything in between. Patrick Bade and Victoria Charles offer readers an inspiring survey of Mucha's career, illustrated with over one hundred lustrous images, from early Parisian advertisements and posters for Sandra Bernhardt, to the famous historical murals painted just before his death, at the age of 78, in 1939.

1000 aquarelles de génie

Plus de livres de Victoria Charles

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques