Depuis le début du XXIe siècle, on observe l'apparition régulière de films minimalistes manifestant une réticence marquée envers le scénario, le récit, la parole, la musique et la psychologie. Qu'ils relèvent de la fiction, du documentaire, ou des deux à la fois, les films de quinze cinéastes du monde entier (Lisandro Alonso, Wang Bing, Alain Cavalier, Pedro Costa, Darejan Omirbaev, Béla Tarr, entre autres) sont ici analysés d'un point de vue esthétique et dramaturgique pour mieux mettre en évidence un geste soustractif. 

Moins d'histoire, moins de dialogues, moins de décors, ces caractéristiques manifestent une belle foi en l'art du cinéma et en sa capacité de suggestion.

Pour un cinéma contemporain soustractif

Premier ouvrage francophone consacré à un réalisateur pourtant majeur, Les Variations Hong Sang-soo se penche sur les films du Sud-coréen Hong Sang-soo, ­régulièrement programmés dans les grands festivals internationaux (Cannes, ­Berlin, Venise, Locarno). Hong Sang-soo manifeste un goût pour le tourment amoureux et l'infime quotidien. Dans le premier volume critique, les thèmes présents dans ses films, ses techniques de mise en scène étaient ­analysés avec acuité par plusieurs spécialistes et critiques, définissant la démarche de Hong Sang-soo, l'un des plus grands réalisateurs actuels. Ce second volume présente des entretiens réalisés avec l'équipe gravitant autour du réalisateur : ses acteurs fétiches, le compositeur, le monteur, le directeur de la photographie et d'autre interlocuteurs permanents du cinéaste se sont prêtés au jeu de l'interview. Le livre permet de faire découvrir le processus de réalisation unique qui anime les films de Hong Sang-soo, dans la perspective du cinéma d'auteur : petit budget, équipe réduite, scénario élaboré au cours du tournage.

Les variations Hong Sang-soo - Volume 2

Otar Iosseliani, cinéaste géorgien, né en 1934 à Tbilissi, est l'auteur d'une couvre originale et attachante qui ne compte que peu de films (neuf longs-métrages de fiction entre 1966 et aujourd'hui). Mais elle constitue assurément une des plus importantes du cinéma contemporain et elle est de celles dont l'existence même est rassurante pour ceux qui partagent une certaine vision du cinéma. C'est en tout cas ce que tente de démontrer cet ouvrage.
D'abord, à travers l'analyse d'un processus de création tout à la fois philosophique, primitif et téléologique, c'est-à-dire comparable à celui du démiurge, replacé dans la lignée du cinéma muet et basé sur une méthode refusant catégoriquement le hasard. Ensuite, en disséquant la fonction du regard du cinéaste sur le réel. Que ce soit dans ses documentaires (il en a réalisés cinq), dans ses trois premiers films tournés en Géorgie, ou en apprivoisant des cultures étrangères (principalement la France mais aussi l'Afrique), le regard qu'il porte sur le monde fait de lui un cinéaste éminemment universel. Enfin, en tentant de restituer le plus fidèlement possible une des caractéristiques esthétiques de son cinéma : le rythme, tant sonore que plastique et structural.
Tout au long du présent ouvrage, il s'agit également de définir l'éthique de Iosseliani, véritable moteur d'une couvre à l'abri de toutes les modes, variée mais d'une rare cohérence.
(Et) Le cinéma d'Otar Iosseliani (fut) est le premier ouvrage consacré au cinéaste en langue française.

Et Le Cinema D'Otar Iosseliani Fut

Littéraire, fictionnel, documentaire, poétique, politique, court, long, en couleurs, en noir et blanc, le cinéma d'Agnès Varda est de ceux qui incitent aux adjectifs, aux qualificatifs, par amour du mot ou du jeu mais surtout en raison de sa multiplicité et de sa complexité. Depuis 1954, avec près de quarante films, la cinéaste manifeste une liberté créatrice témoignant d'une démarche toujours innovante, d'une volonté d'explorer le cinéma dans toute sa richesse et de lui donner un prolongement par ses récentes installations. Ainsi, dès le début, si La Pointe Courte fut une tentative pré-Nouvelle Vague d'aller à la rencontre de la vie telle qu'elle est, cette intrusion dans le monde réel n'a jamais constitué une fin en soi pour Varda. L'originalité et l'imagination de la cinéaste l'inciteront toujours à dépasser les apparences pour leur préférer sa vérité. Ses films et installations font alors la part belle aux sentiments des protagonistes à travers lesquels elle nous convie à appréhender des univers divers et variés, quels qu'en soient les difficultés ou les drames : celui de Cléo comme en suspens durant une heure et demie d'une attente douloureuse dans Cléo de 5 à 7, celui, utopique et finalement tragique, de François dans Le Bonheur, celui de Mona si réfractaire aux autres dans Sans toit ni loi, celui, forcément cloisonnant, de Quelques Veuves de Noirmoutier, celui, ludique et autobiographique, de L'Île et Elle ou bien celui de la France occupée dans son Hommage aux Justes de France. Ce volume est issu d'un colloque international organisé à l'université Rennes 2 en novembre 2007. Il réunit une vingtaine de textes qui mettent en évidence la richesse et la cohérence du cinéma d'Agnès Varda ainsi que ses prolongements et saluent ce parcours unique, d'une liberté jamais démentie.

Agnès Varda : le cinéma et au-delà

Né en 1970, Jia Zhang-ke réalise son premier long-métrage, Xiao Wu, artisan pickpocket, en 1997. Il est aussitôt remarqué dans plusieurs festivals internationaux avant d'être hautement plébiscité par la critique au moment de sa sortie sur les écrans français en janvier 1999. On a d'emblée fait de Jia Zhang-ke le chef de file des cinéastes chinois de la sixième génération, d'un cinéma indépendant, non reconnu par l'État et non distribué dans son propre pays. Si sa situation évoluera de ce point de vue-là (il est officiellement autorisé à tourner à compter de 2002 et ses films sont dès lors modestement distribués sur le sol chinois), la cohérence de son oeuvre n'est aucunement remise en cause. Tous ses films traitent en effet du même sujet, s'emploient à décrire les profondes mutations de la Chine dans le passage du XXe au XXIe siècle, du communisme au capitalisme, avec une attention quasi exclusive pour les laissés-pour-compte de la croissance extraordinaire du pays. À travers fictions - Xiao Wu, Platform (2000), Plaisirs inconnus (2002), The World (2004), Still Lite (2006) - ou documentaires - In Publie (2001), Dong (2006), Useless (2007) - ou bien en tentant la fusion entre les deux registres - 24 City (2008) -, Jia Zhang-ke n'a de cesse de convertir ses propres constats en questions de cinéma. Aussi le présent ouvrage, dans une approche ouvertement esthétique et dramaturgique, s'emploie à restituer cette quête d'adéquation constante entre fond et forme, et à ainsi célébrer l'émergence d'un cinéaste majeur qui marquera assurément l'histoire du cinéma.

Le cinéma de Jia Zhang-ke. No future (made) in China

Né en 1917 à Canton, dans le Sud de la Chine, Hou Hsiao-hsien et sa famille, dans une période particulièrement trouble, se réfugient dés 1918 sur l'île de Taiwan. C'est là où il grandit, devient vite orphelin et cède à la délinquance avant de découvrir le cinéma. Dans les année 1980 il devient l'un des principaux cinéastes de la Nouvelle Vague taiwanaise. Ces années d'apprentissage, comptant déjà quelques grandes réussites (notamment Un temps pour vivre, un temps pour mourir) précédent la reconnaissance internationale. Le Lion d'or obtenu en 1989 pour La Cité des douleurs consacre en effet un cinéaste qui comptera parmi les plus importants des années 1990 et 2000. Entre films consacrés à l'histoire de Taiwan, films autobiographiques, films montrant la jeunesse contemporaine et expériences à l'étranger, les oeuvres marquant profondément cette période et unanimement saluées par la critique sont nombreuses : Le Maître de marionnettes, Goodbye South, Goodbye, Millennium Mambo ou encore Café Lumière. En s'interrogeant plus particulièrement sur le traitement de l'espace, du temps et du son à l'oeuvre dans l'ensemble de la filmographie du cinéaste taiwanais, les 14 textes constituant cet ouvrage collectif tentent de mettre en évidence les qualités formelles de l'un des plus grands cinéastes de notre temps.

Le cinéma de Hou Hsiao-hsien - Espaces, temps, sons

Né en 1947 à Canton, dans le Sud de la Chine, Hou Hsiao-hsien et sa famille, dans une période particulièrement trouble, se réfugient dès 1948 sur l'île de Taiwan. C'est là où il grandit, devient vite orphelin et cède à la délinquance avant de découvrir le cinéma. Dans les années 1980 il devient l'un des principaux cinéastes de la Nouvelle Vague taiwanaise. Ces années d'apprentissage, comptant déjà quelques grandes réussites (notamment Un temps pour vivre, un temps pour mourir) précédent la reconnaissance internationale. Le Lion d'or obtenu en 1989 pour La Cité des douleurs consacre en effet un cinéaste qui comptera parmi les plus importants des années 1990 et 2000. Entre films consacrés à l'histoire de Taiwan, films autobiographiques, films montrant la jeunesse contemporaine et expériences à l'étranger, les ouvres marquant profondément cette période et unanimement saluées par la critique sont nombreuses : Le Maître de marionnettes, Goodbye South, Goodbye, Millennium Mambo ou encore Café Lumière. En s'interrogeant plus particulièrement sur le traitement de l'espace, du temps et du son à l'ouvre dans l'ensemble de la filmographie du cinéaste taiwanais, les 14 textes constituant cet ouvrage collectif tentent de mettre en évidence les qualités formelles de l'un des plus grands cinéastes de notre temps.

Divers tant dans leurs modes de production que dans leurs propositions esthétiques, les documentaires politiques analysés dans l'ouvrage proposent de nouvelles formes d'engagement qui les inscrivent de facto dans la longue tradition du cinéma à vocation politique. Douze textes et trois rencontres avec des cinéastes (Maria Kourkouta, Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval, Mila Turajlic) répartis en trois parties respectivement axées sur la parole politique, le déracinement de populations et des processus d'appropriation d'images et de sons, s'emploient ainsi à démontrer la grande vitalité de l'art documentaire qui, à défaut de changer le monde, l'inscrit et le réfléchit.

Pour un cinéma contemporain soustractif

Résumé

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