Ce livre est fait d'histoires, celles de l'extrême-gauche allemande et de sa radicalisation dans les luttes de la Fraction armée rouge (RAF) et celle de la musique de Helmut Lachenmann entre le début des années 1960 et la fin des années 1990. Compositeur majeur de l'après-guerre en Allemagne, il fut l'ami d'enfance de Gudrun Ensslin, une des membres fondatrices de la RAF. De lave et de fer est un essai autour de son oeuvre et de la conscience sociale, politique et historique qui l'anime. C'est un livre sur les exigences de l'artiste face à l'histoire.

De lave et de fer - Une jeunesse allemande : Helmut Lachenmann

Compositeur, auteur, metteur en scène, mais aussi genre, œuvre, situation, sinon personnage... Croisant les approches, revendiquant une pleine interdisciplinarité, musique et dramaturgie se risque à une esthétique de la représentation moderne et contemporaine : opéra, théâtre musical, musique de scène, happening ou action, Hörspiel ou radio play... La soixantaine d'études et de témoignages d'artistes réunie dans ce livre chemine librement à travers quelques propositions majeures du siècle dernier, oscillant entre les exigences du matériau au sein de l'œuvre musicale, et une autre logique, propre à la scène, concrète, filmique, expérimentale, théorique, idéologique, ou à celle, imaginaire, de la radiophonie. Aussi l'opéra n'est-il ici que l'une des formes du dialogue entre la nécessaire acuité de l'écoute et l'illusion certaine du spectacle. Car, devenu son propre objet de représentation, l'opéra et son récent devenir tiendraient dans cette alternative : ou bien le néo-classicisme, adoptant l'héritage d'archétypes et de structures canoniques et séculaires, ou bien l'ironie, la distanciation, sinon le renversement des conventions et des figures rhétoriques. La métamorphose de personnages et d'intrigues désormais rejetés à la surface, ni fondement, ni substance, ni même sujet, signe alors l'avènement d'une scène sans histoire, basée sur le son, et non sur le drame, au sens d'action théâtrale. Ainsi, l'opéra se meurt. Suivant cette prophétie, maintes fois délivrée au cours du XXe siècle, le genre donnerait à voir et à écouter son seul trépas, et désignerait une aporie, l'écueil d'une écoute soumise à l'insistance du regard.

Musique et dramaturgie - Esthétique de la représentation au XXème siècle

" Depuis longtemps, nous avons été contraints de laisser, bon gré mal gré, la terre ferme des certitudes, des règles universelles et des valeurs constituées : depuis longtemps, nous naviguons sur un océan indécis, qui peut se révéler incertain, nous apercevons des terres nouvelles, nous nous en servons pour les défricher au mieux, comme nous sommes en mesure de le faire, et de nouveau, nous les abandonnons pour aller droit vers l'inconnu, où nous découvrirons de nouvelles terres que d'autres défricheront. Cette navigation n'est pas facile et les surprises que cet inconnu nous réserve ne sont pas toujours heureuses. Je soutiens toutefois que cette situation est la meilleure qui soit pour un artiste d'aujourd'hui, que jamais n'ont été aussi riches les tendances à se renouveler et à se mettre en crise, les stimulations de recherche et d'invention ; et à quoi d'autre, sinon à ce risque continu de l'imagination, à cet incessant défi à l'imagination, dans l'immensité du possible et du  ''sondable'', devrait aspirer le compositeur de notre temps ? "
Giacomo Manzoni

Giacomo Manzoni, Ecrits

Né à Palerme en 1947, Salvatore Sciarrino évoque dans son art les fascinants croisements de la civilisation sicilienne, lointains souvenirs, sur la terre d'Empédocle, des cultures grecque, romaine, byzantine, arabe, normande, espagnole... Sa musique, subtile et éminemment dramatique, traduit avec une acuité rare les lieux et milieux dans lesquels nous vivons, l'intensité de nos sensations et de nos sentiments, les tensions du corps à l'écoute, mais aussi les nocturnes et les mythes, anciens ou modernes, d'Andromède, de Carlo Gesualdo ou de Jules Laforgue. L'art de Salvatore Sciarrino, en quête d'illusions et de sons chimériques, redonne à la nature ses droits et les modèle à sa guise. Musique à l'écoute vive, exacerbée. Musique de pierre et de vent, mais aussi de bestiaires précieux, imitant tantôt le bruit d'un galet concassé, tantôt le grillon ou le chant de l'oiseau, tantôt les éléments fondamentaux, la marée ou le vent. Musique scrutant aussi l'horizon à la recherche de l'inouï.

Silences de l'oracle ; autour de l'oeuvre de Salvatore Sciarrino

Luigi Nono (1924-1990) est l'un des compositeurs les plus importants de l'après-guerre. Aux côtés de Boulez et de Stockhausen, il participe à une véritable reconstruction de la musique en s'appuyant sur l'héritage sériel de l'école de Vienne. Sa singularité au sein de l'avant-garde musicale de l'époque tient à ses engagements éthiques et politiques, qui le conduisent à adhérer au Parti Communiste Italien, dont il devient une figure dominante. Ses oeuvres se veulent "engagées" , au sens sartrien du terme : elles témoignent d'événements historiques tragiques comme le nazisme (Il canto sospeso), la Shoah (Ricorda cosa ti hanno fatto in Auschwitz), l'arme atomique (Sul ponte di Hiroshima), la guerre du Vietnam (A floresta é jovem e chesa de vida), et bien d'autres encore. Cet engagement l'éloigne des scènes musicales institutionnelles et le conduisent à se tourner vers les moyens électro-acoustiques. La musique de Luigi Nono est chargée d'une expressivité intense et cherche en même temps des voies nouvelles, aussi bien musicales que dans l'alliance avec d'autres arts (notamment dans ses deux opéras), et dans sa présentation : il organise de nombreux concerts dans les usines ou sur les places publiques, qui se terminent par de longs échanges avec les auditeurs. Au milieu des années 1970, il se remet profondément en question, ce qui l'amène vers d'autres sources d'inspiration et vers l'exploration des moyens nouveaux fournis par la live-electronics, tout en maintenant ses exigences musicales, éthiques et politiques. Le quatuor à cordes Fragmente-Stille, an Diotima est l'oeuvre qui inaugure cette nouvelle période créatrice. Présentée le 2 juin 1980 à Bonn par le Quatuor LaSalle, qui l'avait commandée, l'oeuvre modifie radicalement l'idée que l'on se faisait du compositeur ; elle a un fort impact sur les jeunes compositeurs et est souvent jouée par de nombreux quatuors. L'oeuvre est une immense méditation traversée de gestes éruptifs, une suite de moments (Fragmente) dans lesquels le silence (Stille) joue un rôle essentiel. La Diotima du titre renvoie à une figure du roman par lettres Hypérion de Friedrich Hölderlin et au nom qu'il donna à la femme aimée en secret. La partition comporte, sous les portées, des fragments de poèmes de Hölderlin que les musiciens doivent lire de façon muette tout en jouant. Au plus profond de l'intime, Nono interroge la nature du son et du silence, sa relation à l'époque, qui fait écho à celle vécue par Hölderlin. Chaque sonorité est ciselée, prolongée sur des durées inhabituelles, prise dans des relations énigmatiques et fascinantes, qui confèrent à l'oeuvre un caractère de cérémoniel, loin de la tradition du genre. La richesse sonore du quatuor répond à une richesse sémantique foisonnante : outre les écrits de Hölderlin, Nono fait référence à Maïakovski et Lili Brick, Kafka, Beethoven, Verdi, Scherchen, Maderna... Laurent Feneyrou démêle tous ces fils tissés les uns avec les autres, comme il démêle ceux de la construction musicale, retraçant la genèse de composition en s'appuyant sur toute une série d'esquisses et de documents publiés ou inédits. Il replace ce quatuor dans le contexte politique de l'époque et approfondit le lien à Hölderlin. Ainsi éclaire-t-il l'oeuvre de l'intérieur dans une approche à la fois historique, esthétique et analytique. C'est le premier livre en français sur cette oeuvre.

Fragmente-Stille, an Diotima de Luigi Nono

C'est sur de cours fragments de lettres de condamnés à mort de la résistance européenne éditées dans l'Italie d'après le fascisme que Luigi Nono, Vénitien de la Resistenza et de l'utopie, écrivit les neuf mouvements du Canto sospeso. L'homme qui chante et l'homme meurt y entretiennent des liens étroits. Car aucun acte révolutionnaire ne s'accomplit sans abnégation. La résistance se fige alors, se figure dans la mur, durement silencieux, de la mise à mort. L'exécution, l'assassinat, comme prix d'une liberté qui se construit, comme moment possible du conflit et de la lutte, sont mouvement brisé, défait, mais consenti, sinon planifié. Ils démontrent la violence de l'oppression, dévoilent les faiblesses de la barbarie, en prophétisent l'effondrement, et promettent un salut collectif, une libération. Œuvre sérielle où se découvre aussi l'influence de Varèse, et où la combinatoire porte sur la note autant que sur sa situation dans l'ordre sériel, Il Canto sospeso est une magistrale cantate sur les traces du Survivant de Varsovie de Schoenberg.

Il Canto Sospeso De Luigi Nono. Musique & Analyse

Y a-t-il des liens nécessaires entre analyse technique des oeuvres musicales et étude de leur dimension sociale et politique ? A la fin du XXe siècle, la croyance en la neutralité idéologique et en la fonction objectivante de l'analyse musicale a été remise en question par de nombreux musicologues en s'inspirant bien souvent des débats et des méthodes des sciences sociales. La relation entre la discipline analytique et l'herméneutique socio-historique des oeuvres musicales n'a cessé d'être mise en cause et transformée. L'historicisation critique des discours sur la musique a semblé un pas incontournable, de même que le développement de nouvelles approches empiriques pour la description des phénomènes sonores. L'une et l'autre permettent notamment de repenser les présupposés théoriques de l'analyse musicale et, plus généralement, de la musicologie. Cette thématique est ici introduite par deux textes encore inédits en langue française, et qui ont fait date dans les mondes germanique et anglo-saxon, A propos du problème de l'analyse musicale de Theodor W. Adorno (1969) et Comment nous sommes entrés dans l'analyse, et comment en sortir de Joseph Kerman (1980). Outre ces références, les contributions de ce volume sont organisées autour de deux axes complémentaires : qu'en est-il de la dimension politique des savoirs analytiques du passé, ainsi que de ses prolongations dans les usages actuels des musicologues ? Qu'en est-il du projet d'une pratique analytique contemporaine qui se donnerait comme objet, précisément, l'élucidation du lien passé ou présent entre musique et politique ?

Du politique en analyse musicale

Consacré aux chevauchements entre la musique et le politique, le numéro hiver de la revue Circuit, dirigé par Luis Velasco-Pufleau, réunit des textes provenant de part et d'autre de l'Atlantique. Ce numéro propose d'examiner la dimension politique des situations dans lesquelles l'action musicale a lieu. Il invite ainsi à se pencher sur la manière dont les compositeur.rice.s, les musicien.ne.s et les auditeur.rice.s mobilisent une réflexion éthique au sein d'événements qui les obligent à penser différemment leur rapport au monde. Issues des pratiques musicales de la Pologne et du Québec, en passant par l'Allemagne, la France et le Pays basque, les ouvres discutées dans ce numéro apparaissent comme autant de reflets artistiques des contingences politiques des dernières décennies. Aussi au sommaire, la rubrique «?Le Cahier d'analyse?» présente une lecture par Ana Dall'Ara-Majek de l'ouvre Le trésor de la langue de René Lussier.

De lave et de fer - Une jeunesse allemande : Helmut Lachenmann

Résumé

Plus de livres de Laurent Feneyrou

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques