Le livre explore le statut et les qualités du " pathique " d'après la définition d'Erwin Straus, en se tournant vers le jeu et l'art, dans l'objectif d'interroger l'étonnante spontanéité des ces formes vivantes d'expérience. L'analyse de cette dynamique formelle, ici conçue comme un mode de communication irréductible opérant à même la motricité, mettra en valeur le playing plutôt que le game, ainsi que la Gestaltung plutôt que la forme perçue dans sa dimension identitaire. La perspective s'enrichira des créations d'art brut, témoins privilégiés d'une logique de l'inintentionnel, permettant avant tout d'habiter le " monde ". A la croisée de la psychanalyse et de la phénoménologie, le livre dialoguera entre autres avec les pensées de Marion Milner, Donald W. Winnicott, Johan Huizinga et Henri Maldiney.

Entre jeu et art - Du jouer vers l'art

À travers un examen précis des dernières analyses musicales d'Adorno consacrées aux ouvres de Mahler et de Berg, cet ouvrage vise à réévaluer la pensée adornienne de la musique, tout d'abord en interrogeant son statut qui est philosophique. Ni réduc­tible à une approche musicologique, mais ni non plus la simple application d'un système qui se construirait indépendamment d'elle, celle-ci se présente comme le foyer privilégié à partir duquel l'esthétique d'Adorno se laisse saisir comme une esthétique du concret, comme une philosophie de l'art s'élaborant à travers les ouvres. Appréhender sa pensée musicale excède donc une étude spécialisée, elle permet de circonscrire les concepts fondamentaux de son esthétique, notamment ceux de matériau, forme, et contenu de vérité. On a jusqu'à présent beaucoup insisté sur l'ouvrage d'Adorno Philosophie de la nouvelle musique. En s'attachant à ses derniers écrits, cette étude vise à épouser sa pensée musicale jusqu'à son terme pour en ressaisir la cohérence et la dynamique internes. On ne la comprend qu'au vu d'un double effort : d'une part éla­borer un concept positif de la raison, d'autre part penser l'évolu­tion de la musique dans les années post-quarante-cinq. Aussi, en précisant les termes du débat avec l'avant-garde musicale, avec le sérialisme généralisé et la musique de Cage, cet ouvrage tente enfin de dégager les raisons philosophiques qui justifient certaines réserves d'Adorno. Si cela permet de circonscrire chez lui l'idée d'une musique informelle, cela contribue surtout à remettre en chantier l'idée de son conservatisme ou de son passéisme en manière d'art.

ADORNO. La vérité de la musique moderne

Susanne Langer (1895 New York - 1985 Old Lyme, Connecticut), par trop inconnue en France, a développé une philosophie de l'art qui s'organise à partir de la question du symbolique, et accorde une place majeure à la notion, entièrement remaniée, du sentiment (feeling). L'art relève d'une connaissance et il a en cela un caractère toujours abstrait : ce n'est pas le sentiment de l'artiste, en sa personne, qui est donné à connaître, pas plus celui du spectateur. C'est la forme, en général, du sentiment qui est présentifiée dans l'art, laquelle se repère à un dynamisme d'un type particulier. Le présent volume propose la traduction de deux textes choisis extraits de Problems of Art (1957), l'un portant sur la danse, l'autre ayant pour thème la forme vivante. Y convergent les modalités d'une approche du mouvement et de la vie, permettant ainsi de prendre la mesure du travail mené dans les précédents livres de Susanne Langer, et d'entrevoir aussi ses prolongements ultérieurs, vers une philosophie de l'esprit en laquelle se transformera et s'élargira la question du sentiment. Une série d'études critiques portant sur divers aspects, philosophiques, artistiques et historiques, de cette œuvre contribuent à situer, approfondir et questionner une pensée qui reste à bien des égards à découvrir.

Vie, Symbole, Mouvement - Susanne K. Langer et la danse

La question de la musique n'est pas celle d'une sphère séparée, prétendument celle de l'esthétique, mais elle relève chez Theodor W. Adorno d'une position globale, celle de la philosophie dans son rapport au XXe siècle. L'interrogation philosophique, pour sa part, se modifie dialectiquement en relation avec l'époque, et en particulier avec le destin de la musique. La réception d'Adorno, pourtant, a contribué paradoxalement à créer de nouvelles scissions : la sphère du savoir musicologique se borne souvent à l'image d'un zélateur de Schoenberg, méprisant l'art des masses et se tenant dans un rapport douteux aux avant-gardes ; la rationalité philosophique tendrait plutôt à y voir un témoin embarrassant des premiers pas de l'École de Francfort. De tels clivages reflètent une division du travail académique plutôt qu'une nécessité de la chose, laquelle invite à une autre démarche. 
Cet ouvrage part de l'exigence méthodologique d'une philosophie du concret, pleinement réalisée dans le livre qu'Adorno consacre à la musique de Gustav Mahler en 1960. C'est une pensée du temps, cristallisée dans les catégories du roman, de la narration, du conte et plus généralement de l'épique, qui y est déployée, tout en renvoyant à l'horizon entier que constituent les noms du premier Georg Lukács, de Walter Benjamin, de Ernst Bloch, et de Bertolt Brecht. Toutes les lignes significatives de l'oeuvre d'Adorno y convergent, incluses ses déterminations musicales : Beethoven, Wagner, Stravinsky et Schoenberg. L'expérience s'avère alors constituer la dimension décisive d'une pensée travaillée de part en part par le problème de la mémoire, et qui apparaît en cela soucieuse du populaire, de sa disparition et de sa sauvegarde. La musique, dans son caractère de langage ou de geste, vient porter cette dialectique de la raison par laquelle Adorno voulait répondre à son époque.

La pensée musicale de Théodor W.Adorno

Les racines de la danse scénique occidentale plongent dans un terreau en partie vocal. Dans l'orchestra antique ou sur les tréteaux médiévaux : chanter, déclamer, danser étaient associés. De fait, la vocalité émerge depuis les viscères jusqu'aux lèvres par un jeu moteur, respiratoire et vibratoire comparable à une danse profonde. Pourtant, la chorégraphie s'est aussi développée à l'écart, voire à l'encontre de l'usage de la voix. Suite à la quête moderne du médium propre à la danse et à la mise en crise postmoderne des frontières entre les arts et avec la vie, théoriciens et artistes explorent régulièrement les enjeux et la fécondité de la pratique vocale en danse. De quoi est donc faite cette relation entre la danse et la voix ? Dans cet ouvrage, philosophes, historiens, chercheurs en danse, artistes chorégraphiques proposent de formuler les interrogations induites par cette mise en perspective de la danse à travers la vocalisation.

Danse & voix hiatus et parentés

A travers un examen précis des dernières analyses musicales d'Adorno consacrées aux œuvres de Mahler et de Berg, cet ouvrage vise à réévaluer la pensée adornienne de la musique, tout d'abord en interrogeant son statut qui est philosophique. Ni réductible à une approche musicologique, mais ni non plus la simple application d'un système qui se construirait indépendamment d'elle, celle-ci se présente comme le foyer privilégié à partir duquel l'esthétique d'Adorno se laisse saisir comme une esthétique du concret, comme une philosophie de l'art s'élaborant à travers les œuvres. Appréhender sa pensée musicale excède donc une étude spécialisée, elle permet de circonscrire les concepts fondamentaux de son esthétique, notamment ceux de matériau, forme, et contenu de vérité.
On a jusqu'à présent beaucoup insisté sur l'ouvrage d'Adorno Philosophie de la nouvelle musique. En s'attachant à ses derniers écrits, cette étude vise à épouser sa pensée musicale jusqu'à son terme pour en ressaisir la cohérence et la dynamique internes. On ne la comprend qu'au vu d'un double effort : d'une part élaborer un concept positif de la raison, d'autre part penser l'évolution de la musique dans les années post-quarante-cinq. Aussi, en précisant les termes du débat avec l'avant-garde musicale, avec le sérialisme généralisé et la musique de Cage, cet ouvrage tente enfin de dégager les raisons philosophiques qui justifient certaines réserves d'Adorno. Si cela permet de circonscrire chez lui l'idée d'une musique informelle, cela contribue surtout à remettre en chantier l'idée de son conservatisme ou de son passéisme en matière d'art.

Adorno. La Verite De La Musique Moderne

La musique s'éprouve et se vit, et ne se laisse pas seulement analyser et comprendre. Active, dominatrice, source en même temps d'une passivité unique, elle atteint des couches profondes qui dessinent le mystérieux domaine du pré-verbal, directement en prise sur le vivant du corps. A preuve son aptitude à induire immédiatement du mouvement, dilater l'espace et donner une énergie incomparable, ou encore suspendre le temps. La musique plus que tout autre art instruit sur le "sentir", pour autant qu'on ne la cantonne pas à une autonomie ou à une pureté qui l'ampute du chanter et du danser, lesquels manifestent cette part irréductible. Le sentir obéit à une autre logique que celle du sens et de la vérité. C'est un être-au-monde que les couplages traditionnels comme ceux de l'émotion et de la raison, ou de l'expression et de la forme, échouent à cerner. Sa complexité, son maillage interne, sa structuration dynamique, plaident en faveur de notions qui trouvent dans ce contexte une teneur philosophique renouvelée, comme celles de rythme et de symbole, également d'un art de narrer. L'approche phénoménologique, attentive au corps vécu, et l'orientation de la théorie critique soucieuse de toutes les formes de réification, y compris de la perception et de ses gestes, sont conjointement mobilisées pour explorer le sentir à partir de la musique. Erwin Straus d'une part, en son approche du pathique, Walter Benjamin et Theodor W Adorno d'autre part, sont les principaux acteurs de ce croisement. Celui-ci s'ouvre à d'autres penseurs, dont André Schaeffner et Susanne Langer. Le premier, à propos de l'instrument de musique, la seconde à propos du symbole non-présentationnel, se montrent en effet particulièrement appliqués à ne pas séparer l'expérience de la musique des processus corporels et physiologiques qui sont en jeu dans le rythme et dans l'écoute.

Chanter, narrer, danser - Contribution à une philosophie du sentir

Cet ouvrage rassemble onze textes d'auteurs d'origine disciplinaire variée (philosophie, géographie, psychanalyse, arts) qui ont en partage un champ factuel commun, l'art (et le plus souvent l'art contemporain), qu'ils abordent à travers un thème commun, la spatialité. L'accent est mis sur l'activité artistique comme processus, plutôt que sur l'oeuvre dans son caractère abouti. Ce questionnement trouve sa place dans le champ ouvert au vingtième siècle autour du corps engagé dans l'activité par la phénoménologie, la psychiatrie phénoménologique et la psychanalyse dite transitionnelle qui ont abordé l'expérience d'écriture/dessin et la danse à partir du geste et du jeu (playing). La question de l'espace y est centrale, mais directement liée à celle du temps de sa construction. C'est l'idée d'un espace se formant, se faisant à travers l'activité artistique et inversement celle d'une activité artistique se formant, se faisant avec l'espace comme dimension qui est ici sérieusement considérée - ceci impliquant une éventuelle reformulation de la spatialité de l'objet d'art. Plutôt que de parler d'un rapport entre espace et activité artistique, il serait en ce sens plus juste de parler de la dimension spatiale de l'activité artistique et de la dimension oeuvrée de l'espace.

Activité artistique et spatialité

L'activité artistique, en certains cas, a un pouvoir exorbitant, celui de bouleverser le rapport à soi et au monde. Que le mouvement en soit le dépositaire, qu'il puisse oeuvrer d'une manière invisible, et que sa force opératoire puisse rejaillir sur l'ensemble de la vie en ce qu'elle a de plus profond et d'inassignable, telle est la thèse qu'élabore cet essai. Mais c'est alors en un sens qui s'est démarqué de toute idée de déplacement ; seule la musique peut en donner la clé. A partir d'une lecture des Formes du spatial d'Erwin Straus (1891-1975) en vis-à-vis des Espaces Rythmiques d'Adolphe Appia (1862-1928), dessins réalisés pour Emile Jaques-Dalcroze dans les années 1910, la réflexion s'efforce de cerner la teneur de ce mouvement invisible qui, dans le rythme vécu, ouvre à travers l'écoute un espace irréductible à tout autre. C'est à la saisie d'un tel espace que la perspicacité du psychologue Erwin Straus, fort de son intérêt pour l'entreprise phénoménologique, nous convie avec son idée d'un "espace acoustique"; quant au metteur en scène Adolphe Appia, c'est dans sa quête d'un art à venir, l'oeuvre d'art vivant, qu'il s'en approche au plus près.

Entre jeu et art - Du jouer vers l'art

Résumé

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