Une épistémologie de la performance (également disponible en édition française).

Performance Art - Life of the Archive and Topicality

De nombreuses oeuvres d’art hybrident aujourd'hui les formes, les genres, les espèces. Elles désordonnent et réordonnent librement les catégories. Elles nous incitent ainsi à échapper à toute logique préétablie afin d’explorer le potentiel de significations d’un monde toujours plus complexe que nous habitons et transformons à mesure qu’il nous fabrique lui-même. L’hybridation apparaît comme une des méthodes de conception privilégiées de l’œuvre contemporaine. L’hybride est à l’origine un composé de deux éléments de nature différente anormalement réunis, en biologie c’est le mélange de deux espèces différentes comme la truie et le sanglier, l’âne et la jument : « L’hybride culturel est un élargissement métaphorique de cette définition biologique […] C’est quelque chose d’hétérogène dans son origine ou sa composition ». L’hybridation peut prendre des formes très diverses dans l’art. Les artistes s’en servent pour jouer de sa force de contraste, sa capacité à faciliter l’association des contraires qu’elle tempère dans l’homogénéité de l’oeuvre. Des critiques et historiens de l’art spécialistes d’esthétique et d’art contemporain interrogent la notion d’hybridation et analysent son impact dans les œuvres contemporaines. Ils en étudient les diverses modalités, notamment du point de vue des théories postcoloniales et des nouvelles technologies dans un monde globalisé. Des artistes apportent aussi leur indispensable témoignage et exposent leur conception et leur utilisation de l’hybridation à des fins subversives, critiques et politiques.

Hybridation & art contemporain

Raphaël Cuir invite d'éminents spécialistes de l'art, conservateurs de musées, critiques et historiens de l'art, architectes, philosophes et artistes, à répondre à la question : "Pourquoi y a-t-il de l'art plutôt que rien ?". Le recueil de textes se présente sous forme d'abécédaire. Il permet de valoriser la parole de chacun des auteurs tout en évitant une typologie contraignante, laissant une plus grande liberté de lecture. 

Diverses, complémentaires ou contradictoires, les réponses suggèrent en creux une définition de l'art. Les réponses spontanées recueillies lors d'entretiens réalisés par Raphaël Cuir sont variées et sont traitées avec humour, engagement, cynisme ou poésie. Toutes nous engagent à percer "l'énigme de l'art".

Pourquoi y a-t-il de l'art plutôt que rien ?

Cet essai interroge les croisements entre création et entreprise.
La créativité est reconnue comme un facteur du succès des entreprises, et elle joue un rôle clé dans les théories influentes sur la croissance économique endogène à l'âge des sociétés de l'information. En conséquence, les théories visant l'importance de l'esprit créatif pour le management et l'entrepreneuriat dominent. Cependant, toutes ces initiatives défendent explicitement ou implicitement l'idée d'une création économique modélisée d'après la création artistique. Mais elles sont davantage liées à la créativité - le processus psychologique supportant l'esprit créatif - qu'à la création elle-même. En d'autres termes la créativité doit être distinguée de la création. Une rapide synthèse de plus soixante-dix articles traitant de la créativité dans les domaines du marketing, de l'entrepreneuriat, du management, de l'organisation, du business, de la psychologie et de la créativité de 1967 à 2008 dégage un consensus à partir d'une définition également « retenue par la plupart des psychologues » d'après Michel-Louis Rouquette : « la créativité peut être définie comme le développement d'idées ou de produits qui sont à la fois nouveaux et potentiellement utiles » . Deux qualités caractéristiques de la créativité ressortent : elle génère du «nouveau » et vise « l'utile ». Néanmoins, ces deux caractéristiques permettent-elles de distinguer la créativité de la création ? De comprendre ce qui favorise la similarité entre création économique et création artistique sachant que le créateur artiste fascine le créateur entrepreneur ?

Le nouveau à l'épreuve du marché ; la fonction non instrumentale de la création

A la Renaissance, l'être humain a ouvert le corps pour accéder à une connaissance de soi philosophique et eschatologique, anatomique et érotique, servie par l'art et des modalités de représentation qui trouvent des prolongements dans la création contemporaine. Selon les artistes et les oeuvres, cette ouverture du corps peut être réelle, symbolique ou fictive et correspond à différentes explorations : recherche de l'identité corporelle, recherche de l'identité sexuelle ou du genre, voyage dans l'obscurité de l'intérieur du corps, confrontation à la question de la mort et de sa représentation, enfin invention de soi et transformation du corps. Dans ce livre, Raphaël Cuir montre comment ce questionnement de la connaissance de soi, entamé à la Renaissance, réapparaît aujourd'hui dans l'oeuvre de nombreux artistes, à l'âge du clonage, de la robotisation et du transhumanisme.

Anatomiquement vôtre - Art contemporain et connaissance de soi

Raphael Cuir invite d'éminents spécialistes de l'art, conservateurs de musées, critiques et historiens de l'art, philosophes et artistes, à répondre à la question : " Pourquoi y a-t-il de l'art plutôt que rien ? ". Tout en situant la fonction qu'occupe l'art dans les sociétés humaines, relativement à la religion, au désir, à la science, au langage, à l'économie ou à la mort, les auteurs rebondissent sur d'autres questions implicites et enchâssées : pourquoi l'humanité a t-elle créé l'art ? Peut-on imaginer l'humanité sans art ? Pourquoi l'art plutôt qu'autre chose ? Et dans ce cas, plutôt que quoi ? Diverses, complémentaires ou contradictoires, les réponses suggèrent en creux une définition de l'art. Spontanées, recueillies lors d'entretiens réalisés par Raphael Cuir, les réponses sont traitées avec humour, engagement, ou poésie. Toutes nous engagent à percer " l'énigme de l'art ".

Pourquoi y a t'il de l'art plutôt que rien ?

Ce livre est le premier à se concentrer sur un paradoxe des images anatomiques de la Renaissance au XVIIIe siècle : la mise en scène de squelettes et d'écorchés animés, bien que leur état suppose qu'ils ne soient plus en mesure de l'être. Cette approche met en lumière la profonde cohérence entre théorie de l'art et théorie de l'anatomie à la Renaissance, qui se développent dans le même cadre de pensée - la rhétorique humaniste - et sont déterminées par un concept philosophique dominant - le finalisme. Au finalisme scientifique correspond un finalisme esthétique et tous deux se complètent dans la conception des images anatomiques où ils se mêlent à un finalisme symbolique, d'ordre moral, eschatologique ou érotique. La mise en évidence d'une anatomie finaliste permet de distinguer l'émergence, à la fin du XVIIe siècle, d'une anatomie cartésienne. Elle renonce progressivement à la rhétorique finaliste de l'anatomie, elle fait abstraction de la vie et évacue progressivement toute connotation symbolique de l'image. Elle consacre ainsi la conception du corps comme objet de connaissance, déjà présente dans l'anatomie finaliste où, cependant, même disséqué, le corps ne cessait d'avoir une âme, d'être.

Renaissance de l'anatomie

Avec la volonté de rendre hommage à Robert Filliou, qui a créé la Galerie Légitime en 1962, Raphael Cuir a conçu une exposition d'inspiration nomade, facile à transporter : jouant sur les mots, il la conçoit dans un chapeau : du couvre-chef au couvre-chef(s)-d'oeuvre(s). La première édition a lieu en janvier 1962, Filliou y montre ses oeuvres, puis en juillet 1962 il y expose Benjamin Patterson. Le 22 octobre 1962, lors de la Misfits Fair, la Galerie Légitime se déplace à Londres dans un chapeau melon avec des oeuvres de Robert Filliou, Ben, Emmett Williams, Robin Page, Addi Köpcke, Daniel Spoerri. Un projet fondé sur deux notions principales : celle d'échelle réduite et celle de nomadisme. A l'heure du gigantisme de l'art contemporain, il s'agit de retrouver de la légèreté avec un peu de profondeur historique. Réaliser une exposition de petits formats qui peut croître facilement (avec plus ou moins de chapeaux par expo), "à l'intérieur de ma casquette, au sommet de ma tête, j'avais de petites oeuvres", dit Filliou. Aujourd'hui, l'idée de l'exposition nomade est reprise par quinze artistes : chacun conçoit spécialement une expo dans un chapeau ; les chapeaux sont tous identiques, seul le contenu change et le mode d'exposition du contenu. Une exposition dont l'échelle réduite la tourne résolument du côté du voyage, de la mobilité, dont elle est l'expression même.

Performance Art - Life of the Archive and Topicality

Résumé

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