La collection Chennevières : Quatre siècles de dessins français

Entrent Simon et Rupert, chacun tenant par une de ses extrémités un tableau encadré d'à peu près quatre-vingt-dix centimètres de large sur soixante de haut, mat enveloppé à moitié dans une couverture grise et pelucheuse. Pendant toute la pièce, on ne verra que le dos du tableau. Au revers. il peut y avoir une petite pièce de toile plus claire, comme pour réparer un ancien accident : et, à l'arrière du châssis, on aperçoit des étiquettes anciennes et un cachet de cire rouge. Simon. qui entre le premier, et donc à reculons, porte un manteau et une grosse écharpe autour du cou. Il tient sa serviette, peu épaisse. genre cartable, de l'autre main. Rupert, manteau SS par-dessus l'uniforme...

Nuit de guerre au Louvre

Après l'ouvrage retraçant l'évolution du dessin français au me siècle (publié en 2011), cette nouvelle synthèse du même auteur, professeur à l'Ecole du Louvre, est consacrée à l'histoire du dessin français au XVIIe siècle, une période qui peut être comparée au Siècle d'or espagnol ou hollandais. En effet, la variété des artistes, la multiplicité des tendances, ainsi que celle des foyers, parisiens comme provinciaux, concourent à rendre passionnant un examen étendu de l'activité graphique des maîtres français, de Jacques Callot à Charles Le Brun et au-delà, en une approche spécifique d'une époque de l'histoire du dessin dont il n'existait jusqu'alors aucune synthèse. Nourri des plus récentes découvertes, qu'il s'agisse de publications, de réapparitions ou de réattributions d'oeuvres (continuelles à mesure que les connaissances progressent), ce texte de près de sept cents pages illustré de mille cinq cents dessins devrait rencontrer un large public de passionnés et de connaisseurs, d'étudiants et de simples amateurs. Désireux de comprendre la richesse créative du XVIIe siècle, de côtoyer ses innombrables dessinateurs, de cheminer dans l'histoire complexe de ses collections, d'apprécier la qualité d'oeuvres souvent inédites ou rarement reproduites, le lecteur trouvera ici matière à former son oeil, instrument indispensable à la "délectation" que Nicolas Poussin considérait comme le but ultime de l'art.

Le dessin français au XVIIe siècle

L'ouvrage nous plonge dans le milieu de l'art du  xix e siècle, et en particulier celui des collectionneurs. Horace His de la Salle y apparaît comme une figure importante et singulière ; son érudition et sa grande libéralité marqueront et influenceront toute cette époque. His de la Salle se dessine comme un amoureux des arts tout comme un ami des arts. Rembrandt, Watteau, Géricault, Poussin..., il a su constituer une collection d'une exceptionnelle rareté, essentiellement de dessins mais aussi de sculptures et objets d'art. Dévoré par une passion altruiste, il désira transmettre son goût de la collection. Ainsi, ses oeuvres n'ont-elles cessé d'être mises à la disposition des autres. Il contribua aussi largement au développement des collections de musées et inaugura même dans certaines institutions les premiers legs d'amateurs, devenant un des grands donateurs des principaux cabinets de dessins de Paris, comme celui du Louvre et de l'École des beaux-arts, mais aussi des premiers musées de province, Dijon, Lyon ou Alençon.

Officier et gentleman au XIXe siècle ; la collection Horace His de la Salle

Décembre 1944. La Wehrmacht lance ses derniers chars à travers les Ardennes. C'est l'offensive du désespoir. Quatre soldats américains se réfugient dans un château délabré, au cour de la forêt, habité par un vieux professeur et ses trois filles, qui semblaient les attendre. La nuit de Noël, ils font prisonnier un jeune Allemand qui ne venait pas là par hasard... Dans cet îlot encerclé par la guerre, une vie précaire, parodique, s'organise. Le passé, l'avenir, deviennent semblables à des fictions décolorées et sans poids. Comme celle de ce fameux roman russe, aujourd'hui oublié, En haut du Sablier, que le professeur faisait étudier à ses élèves, avant la guerre : un ouvrage ambigu, habité par l'illusion d'une promesse qui ne serait pas tenue. La même lumière froide finira par éclairer les personnages du livre d'autrefois et les soldats à l'abri dans leur microcosme éphémère.

Un requiem allemand

Ingres

Il s'agit s'une rencontre et discussion philosophiques. Sur une place de Venise, bordée de façades de maisons, avec au centre un puits. Il bruine légèrement. C'est la fin de la nuit...

L'ambigu vénitien

En 1971, Madame Delaroche-Vernet-Henraux offrait au 
département des Arts graphiques du Louvre un extra-ordinaire 
ensemble de dessins de son ancêtre Paul Delaroche, plus de 
sept cents feuilles provenant de la succession de l'artiste. 
Celui-ci était déjà bien représenté dans les collections du 
musée par des tableaux célèbres, comme Les Enfants 
d'Édouard ou La Jeune Martyre, oeuvres spectaculaires 
récemment rejointes sur nos cimaises par le Napoléon 
franchissant les Alpes et le Portrait du comte de Pourtalès-
Gorgier. Souvent défini comme le parangon du juste milieu, 
tendance artistique qui s'est essentiellement développée à 
l'époque de la monarchie de Juillet et qui regroupe des artistes 
aussi éloignés des emportements romantiques que des 
obédiences néoclassiques, académiques ou ingresques, Paul 
Delaroche a exercé son talent dans de nombreux genres, 
grandes décorations (à l'hémicycle de l'Ecole des beaux-arts 
notamment), peinture religieuse et portraits; mais il est surtout 
connu par ses évocations historiques, se concentrant sur des 
épisodes dramatiques de la Renaissance et du XVIIe siècle, 
choisis plus spécifiquement dans l'histoire de la France et celle 
de l'Angleterre; aucun visiteur de la National Gallery de 
Londres n'a pu oublier la monumentale Exécution de Lady 
Jane Grey qui trône au centre de la salle consacrée à la 
peinture du XIXe français, de même que l'image de 
L'Assassinat du duc de Guise est demeurée séminale dans les 
livres d'histoire illustrée. C'est la spécificité du regard de 
Delaroche sur l'Histoire que traduit aussi la sélection de 
dessins présentée dans les salles Mollien à partir de mars 
2012. Le don de l'évocation se conjugue ici avec un graphisme 
d'une haute qualité, très significatif dans son addiction à de 
petits formats particulièrement évocateurs. Mais on y trouvera 
également de superbes portraits dessinés presque égaux à ceux 
d'Ingres dans leur empathie envers les modèles, et quelques 
notations de voyage d'une grande sensibilité.

Paul Delaroche

Paris, 1861. À la recherche d'un sujet, un peintre se heurte à ceux qu'il aime : une maîtresse impérieuse, une soeur excessive, un ami écrivain à l'affût de ses faiblesses. Tous lui dérobent une part de sa vie qui se défait. Car il va mourir. Et c'est le dos au mur qu'il choisira de peindre la Mort même. Paris, 1982. Alors qu'une légende s'est forgée autour de l'artiste trop tôt disparu, le tableau réapparaît. Cette oeuvre fascinante, au sens mystérieux, devient immédiatement l'objet de féroces rivalités entre musées et marchands. Dans une quête passionnée, un jeune amateur cherche à en retracer la genèse. Véritable héros du roman, le tableau parcourt bientôt un étrange circuit, du fatras d'un brocanteur jusqu'à l'Élysée où François Mitterrand l'examine avec perplexité, en transitant par une salle de ventes aux enchères où intérêts commerciaux et frénésie des collectionneurs se donnent libre cours. Qui déchiffrera le message du peintre qui voulait interroger la Mort ?

La collection Chennevières : Quatre siècles de dessins français

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