Un regard neuf sur un tournant décisif de l'histoire du surréalisme (et l'apparition d'un nouveau mythe), dans le contexte littéraire et artistique américain, mais également en rapport avec des influences telles que l'ésotérisme, les civilisations amérindiennes et Charles Fourier.

Nouveau monde et nouveau mythe - Mutations du surréalisme, de l'exil américain à l'"Ecart absolu" (1941-1965)

Dimensions de l'art brut : une histoire des materialites

Né en 1913, en Croatie, formé à l'Académie des beaux-arts de Zagerb, Slavko Kopac voit son nom généralement associé à son rôle de conservateur de la Collection de l'art brut fondée par Jean Dubuffet. Pourtant, l'artiste croate a laissé derrière lui une oeuvre dont la richesse rencontre la complexité du siècle qu'il a traversé. Emigré en Italie en 1943, puis installé à Paris en 1948, où il côtoie les surréalistes, il explore les techniques et les matériaux les plus inattendus en une poétique du merveilleux. Cet ouvrage, première monographie de l'artiste, mort à Paris en 1995, met au jour la vie et le travail d'un créateur méconnu au centre des grands enjeux de la modernité.

Slavko Kopac - Ombre et matières

Pendant plus de cinquante ans, Louis Pons fait des milliers de dessins de manière compulsive, à la plume ou en bambou, à l’encre de chine ou en sépia, de toutes dimensions. Il donne corps à un monde trouble avec les moyens d’une technique remarquable, écorchant la feuille pour faire surgir du blanc sous les hachures et les traits redoublés : êtres humains et animaux étranges. Son univers inquiétant, souvent cruel, confond les genres. On ne sait qui de l’adulte ou de l’enfant est le plus inquiétant. Le musée Fenaille, lieu où flotte l’anthropomorphisme des statues-menhirs, accueille une sélection de dessins à la plume dont de nouvelles feuilles exécutés ces trois dernières années..

Louis Pons - La plume est le dard du dessinateur

LE VISAGE ET LE PORTRAIT sont les deux points d'ancrage de la problématique abordée dans cet ouvrage. Ces termes révèlent une certaine classification dans la pensée occidentale, et ils traduisent en même temps leur relative fragilité. Que recouvrent aujourd'hui ces mots et quels contenus cachent-ils ? On découvrira que le portrait ou le visage restent deux régimes de valeurs, et bien qu'ils entretiennent des liens de fraternité, ils ont eu chacun leur propre fortune, parallèle et lointaine, antagoniste parfois, se rejoignant souvent. L'histoire de l'art doit revenir sur ces vocables incertains pour montrer qu'ils touchent de très près la question humaine et par conséquent la tête, la face, la figure, l'apparence, l'intériorité et pourquoi pas, l'identité. Les auteurs ont largement adopté une vision pluridisciplinaire, convoquant l'archéologie antique et médiévale, l'histoire de l'art de l'Antiquité à nos jours, l'anthropologie et une approche des médias variée qui associe sculpture, peinture, numismatique, livre illustré, affiche, architecture, textes, photographie et graphisme.

Visage et portrait, visage ou portrait

Le lettrisme est un pan de notre histoire ayant une certaine responsabilité dans l'héritage des formes et des processus artistiques contemporains. Il se poursuit encore aujourd'hui et laisse un nombre immense d'oeuvres dans tous les domaines des arts visuels.
Pourtant, la relative connaissance qu'on en a permet à peine d'en préciser les contours historiques et bien souvent on ne le dissocie nullement de l'Internationale Lettriste ou des pratiques de poésies concrètes. La tendance générale en faisait soit le portrait apocalyptique, soit le plaçait dans la continuité d'un courant (surréalisme) ou dans l'origine d'un autre (les situationnistes). L'histoire de l'art après 1945 s'est donc écrite sans ce mouvement, oubliant l'apport qu'il avait eu dans la reconstruction des identités artistiques de la France d'après guerre. Cette absence dans l'histoire de l'art a inévitablement laissé la place à d'autres courants, plus ouverts à une critique comparatiste et contextuelle.
Ainsi, cet ouvrage se propose de relever le défi d'une relecture des enjeux historiques du mouvement, tant pour nuancer une certaine littérature consacrée que pour apporter de nouvelles pièces au dossier de la modernité. Le livre analyse les premières années du lettrisme (1946-1953) jusqu'à la scission avec l'Internationale Lettriste et décrypte les modes de fonctionnement et les modalités de mise en place d'une avant-garde après 1945.

Le lettrisme historique était une avant-garde

L'art et le mythe entretiennent des liens de proximités parce qu'ils sont langages. Ils ont la particularité de se fonder sur l'échange entre celui qui fait et celui qui sait " écouter ". Art et mythe sont deux pôles qui suscitent de la part des hommes, des sentiments et des actions connexes, parce qu'ils se vivent. On cherchera moins à mettre en évidence l'illustration du mythe dans l'art que la circulation du mythe à travers l'art. Des conceptions Jungiennes d'une formulation préconsciente du mythe à la proposition structurale lévi-Straussienne, c'est tout un XX e siècle tourné vers la question d'une définition du mythologique. La filiation demande à être revisitée aujourd'hui tant les artistes et leurs problématiques continuent d'être en résonnance avec ces conceptions. De la peinture à l'installation, du théâtre à la pratique scénique et au cinéma, l'art ne cesse de produire des mythèmes qui s'inscrivent comme autant de perspectives. 
Qu'on pense à l'avènement de la modernité pour voir aux hasards de Kandinsky à Debord et de Brecht à Genet, toute une propension à construire une mythologie contemporaine propre à traduire et exprimer ce monde tout en le transformant. Le mythe est un cycle qui se répète et qui épouse les formes de la révolution et de la mutation, il n'est qu'une origine en devenir, portant en lui sa propre défaite. Pour exemples, Roger Caillois, Sigmund Freud, André Breton et même Georges Bataille poserons des bases théoriques, souvent conflictuelles, pour en comprendre les modalités de fonctionnement et l'art sera un terrain de prédilection pour en éprouver les outils méthodologiques.

Art et mythe

«Je ne ferai, dans ce film, aucune concession au public.» C'est en ces termes que Guy Debord ouvre son film In Girum imus nocte et consumimur igni en 1978. La formule donne le ton de toutes ses oeuvres cinématographiques, où se mêlent regard rétrospectif sur son parcours de révolutionnaire et critique radicale de la Société du spectacle. À rebours de tout cinéma, Debord élabore ainsi, de 1952 à 1978, une oeuvre filmée unique en son genre, exigeante, corrosive.
Le détournement, qui consiste à réemployer dans un contexte nouveau une production culturelle préexistante, permet à Debord de porter la contradiction au coeur même de la civilisation capitaliste : par l'image, il en exhibe la vérité cachée derrière ses mensonges.
Ses films sont ainsi composés de nombreux documents visuels de nature et d'origine diverses : extraits de films, publicités, actualités, catalogues de vente, magazines de charme, reproductions d'oeuvres d'art, cartes et plans, photographies personnelles, etc. Cette collection reflète à la fois une époque et un regard porté sur elle.
Debord y puise les images qui seront filmées au banc-titre, et y appose des calques où il reporte minutieusement des indications de cadrage et de montage.
Cet ouvrage propose de présenter ces documents, souvent inédits. Ils reviennent sur la période des années 1960-1970, tout en exposant la technique de travail de Debord. Un essai introductif expose les procédés et les fins d'un art cinématographique singulier :
L'essai s'appuie notamment sur les filles dévêtues qui peuplent les films de Debord pour y dire, selon un mouvement dialectique, la marchandise ou l'amour. L'ouvrage se veut un objet de référence sur le travail du cinéaste, mené par trois universitaires passionnés par cette oeuvre radicale. Il se veut aussi un livre qui donne la part belle aux illustrations en offrant des reproductions présentées dans un portfolio que des commentaires proposent d'éclairer en annexe : les pin-up et les étalages de nourriture du capitalisme marchand s'y frottent aux visages de ceux et celles qu'il a aimés et aux scènes de bataille qu'il détourne pour représenter le combat révolutionnaire. Les amateurs du cinéma de Debord trouveront là un matériau inédit propre à satisfaire toutes les curiosités, et ceux qui le découvrent seront guidés par l'appareil didactique de l'ouvrage pour pénétrer la fabrique d'un grand détournement dont la création contemporaine, dans tous les domaines, ne cesse de s'inspirer.

La fabrique du cinéma de Guy Debord

Arts drogués s'attache à parcourir les liens étroits que peuvent entretenir les productions artistiques avec l'usage des psychotropes, entendu ici dans son acception la plus large. Arts drogués s'attache à parcourir les liens étroits que peuvent entretenir les productions artistiques avec l'usage des psychotropes, entendu ici dans son acception la plus large. Des Paradis artificiels de Charles Baudelaire aux artistes les plus récents, l'art et la création sont donc pensés sous l'angle de leur relation à des agents extérieurs et "modificateur de conscience" . Cet ouvrage convoque des chercheurs d'horizons disciplinaires très variés (histoire de l'art, musicologie, anthropologie, sociologie, arts plastiques, etc.) et s'inscrit dans un partenariat avec l'exposition "Sous influences, artistes et psychotropes" dont le commissariat a été assuré par Antoine Perpère à la Maison Rouge (Paris) en 2013.

Nouveau monde et nouveau mythe - Mutations du surréalisme, de l'exil américain à l'"Ecart absolu" (1941-1965)

Résumé

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