L'ouvrage de G. Mouëllic fait le point sur l'origine et la définition du jazz. Son originalité est de replacer ce genre musical spécifique dans une réflexion esthétique plus globale : le jazz est l'un des modèles essentiels des arts du XXe siècle.

Le Jazz: une esthétique du XXe siècle

Quelle est l'influence de la musique sur la perception des images animées ? Que devient la musique quand elle n'est plus qu'un élément parmi d'autres dans cet ensemble synthétique et temporel qu'est le film ? Cette double question est à l'origine de l'ouvrage, qui confronte des analyses de musicologues et de théoriciens du cinéma, de philosophes et de cinéastes.
Lieu unique de rencontre entre la musique populaire et la musique savante, le cinéma permet d'associer dans le même mouvement les amples partitions orchestrales de Max Steiner et les ritournelles de Carlos d'Alessio, le Leitmotiv entêtant de In the Mood for Love et le rock'n roll de Lost Highway, la musicalité joyeuse du cinéma de Jacques Tati et les recherches exigeantes de Jean-Luc Godard. Écouter les films pour mieux les voir, les voir pour mieux les écouter : tel est le but que se sont fixé, sans préjugés, les auteurs de ces études.

Musique et images au cinéma

Comment penser un film de fiction à partir des oeuvres d'art qui s'y trouvent sous la forme d'objet, de représentation, de projet. de performance ou d'événement? A l'inverse. comment penser les oeuvres et les arts non filmiques à partir du cinéma qui les met en .scène, en images et en récit? C'est à ces deux questions reliées circulairement qu'est consacré cet ouvrage collectif où dialoguent historiens. théoriciens, critiques et esthéticiens du cinéma. Dans ce dialogue ouvert et pluridisciplinaire. le lecteur cernera d'abord les principales opérations, fonctions, modalités et portées de ce jeu baroque - souvent fascinant - d'emboîtements et de citations par lequel le film de fiction se laisse nourrir, creuser. perturber, altérer, hanter par d'autres oeuvres d'art que les oeuvres cinématographiques elles-mêmes. Il verra ensuite, et en retour, comment les oeuvres littéraires. plastiques, musicales. chorégraphiques, architecturales. théâtrales que les fictions filmiques utilisent, se laissent éclairer par la lumière propre du cinéma.

Les oeuvres d'art dans le cinéma de fiction

Jean-Luc Godard est sans doute le cinéastes dont l'oeuvre a interrogé avec le plus de constance et de lucidité la place des machines dans le monde du cinéma et bien au-delà.
Godard devant la fameuse table de montage Steenbeck, Godard devant un banc de montage vidéo ou face à la machine à écrire des Histoire(s) du cinéma : nombreuses sont les représentions du cinéaste en technicien manipulant les appareils. Mais au-delà de la photogénie de Godard en artisan solitaire, ses films semblent parcourir et interroger sans cesse les liens entre cinéma et machines, de l'imposante caméra Mitchell NBC qui ouvre Le Mépris (1963) à l'installation vidéo de Numéro deux (1975), du ballet de caméras montées sur des grues devant les tableaux de Passion (1982) aux images de défilement de la pellicule qui ponctuent les Histoire(s) du cinéma (1988-1998). Quand dans Soigne ta droite (1987), il filme les Rita Mitsouko en plein enregistrement de leur nouveau disque, vingt années après avoir passer trois nuits avec les Rolling Stones à l'Olympic Studio de Londres pour One + One (1968), il s'agit encore pour Godard d'observer des musiciens face à des machines, fasciné sans doute par une forme d'autonomie qu'il va lui-même conquérir peu à peu jusqu'au Livre d'Image (2019), entièrement réalisé à partir d'images et de sons préexistants.
Si les relations entre machines et création font l'objet d'une attention particulière, la présence récurrente d'autres machines ne manque pas de susciter l'intérêt des auteurs. Parmi celles-ci, la voiture tient une place très ambigüe, à la fois symbole de la modernité et emblème d'une civilisation des loisirs dont Godard perçoit très vite les limites. Dans le même ordre d'idées, l'omniprésence des appareils d'enregistrement et de diffusion de la musique (tourne-disques, poste de radio) témoigne de l'avènement d'une société de consommation prête à tout pour soumettre la culture au capitalisme le plus débridé. Si la machine permet de penser ensemble techniques et esthétiques, elle nourrit aussi chez Godard, avec une remarquable diversité, une vision politique du monde.

Godard / machines

Le rapport entre le cinéma et les autres arts a suscité un nombre considérable d'écrits, inaugurés par les premières tentatives pour définir le cinéma comme un art, fondées notamment sur des comparaisons avec la peinture et la musique. Les textes qui constituent cet essai se situent donc dans la continuité d'une histoire déjà longue, avec cependant le parti pris affirmé de prendre quelques distances avec d'une part cette dimension comparatiste et d'autre part l'affirmation du cinéma comme possible « synthèse des arts » ou manifestation d'une mythique « ouvre d'art totale ». Plus modestement, ces contributions proposent d'analyser des rencontres possibles entre le cinéma et la création artistique en prenant comme entrée les séquences de fictions ou de documentaires qui tentent de montrer l'artiste au travail. Cette approche très ouverte permet de parcourir l'histoire du cinéma, des danses serpentines des premiers temps aux autoportraits de Jean-Luc Godard, Agnès Varda ou Alain Cavalier, des critofilms de Carlo L. Ragghianti aux mises en abyme complexes d'Abbas Kiarostami ou de Nuri Bilge Ceylan, tout en mêlant dans un même mouvement de pensée des films dont le projet est de donner à voir la genèse d'une ouvre picturale (La Belle Noiseuse de Jacques Rivette) ou théâtrale (Elvire Jouvet 40 de Brigitte Jaques et Benoît Jacquot) et des films où la création est envisagée de façon moins frontale ou plus métaphorique, telles les figures d'écrivains en panne d'inspiration dans les films de Wim Wenders ou encore la confusion entre acteurs et personnages dans les performances de Louis Jouvet et Sacha Guitry, « monstres sacrés » du cinéma français. Une telle pluralité de propositions n'aurait guère de sens si elle n'était envisagée dans un projet de recherche fermement bâti autour d'une étude des potentialités du cinéma à démythifier l'acte de création en considérant l'ouvre non comme une réalité achevée mais comme un processus. Chacune des études présentées dans cet ouvrage travaille ainsi une tension entre le geste créateur comme recherche incertaine et une hypothèse selon laquelle toute ouvre garde la trace des conditions de son élaboration.

Filmer l'artiste au travail

Que dit le cinéma - documentaire ou de fiction - sur la naissance des oeuvres, qu'elles soient celles des autres arts ou les siennes propres? Pourquoi et en quels sens le cinéma est-il un instrument privilégié et fécond d'observation, d'analyse et d'interprétation de la genèse des oeuvres d'art? Que nous apprend le cinéma sur la relation du créateur à son oeuvre et sur les opérations de la création que celle-ci soit entendue comme l'acte par lequel une oeuvre d'art est instaurée comme nouvelle et significative, ou qu'elle soit pensée comme la première manifestation publique d'une oeuvre d'art quand elle doit d'être représentée ou exécutée? Telles sont les principales questions de cet ouvrage. La création n'y sera pas abandonnée à son mystère, à sa fulgurance ou à sa généralité. Au contraire, elle sera approchée au plus près des oeuvres, des artistes, des gestes et des processus.

Filmer l'acte de création

Cosmo Vitelli (Ben Gazzara), patron d'une boîte de strip-tease à Los Angeles, est contraint par la mafia locale de tuer un bookmaker chinois pour rembourser une dette de jeu. Si ce bref résumé ne semble guère répondre aux préoccupations de John Cassavetes, le projet de Meurtre d'un bookmaker chinois (1976-1978) n'est pourtant pas si éloigné de Une femme sous influence, qu'il vient d'achever, et surtout de Opening Night (1978), son film suivant. Cassavetes s'approprie les codes du film noir et plus souterrainement ceux de la comédie musicale pour dessiner un portrait bouleversant d'un homme seul, acculé à accepter un terrible marché pour, croit-il, conserver sa liberté. Nombre d'exégètes ont vu dans Cosmo Vitelli un autoportrait de Cassavetes confronté aux exigences des producteurs hollywoodiens. Cette séduisante hypothèse masque peut-être son véritable dessein : une mise à l'épreuve de la frontière entre la vie et la scène, déjà effective dans Too Late Blues (1961) et qui trouvera une forme d'aboutissement avec Myrtle Gordon (Gena Rowlands), l'héroïne de Opening Night. Cosmo et Myrtle sont les deux faces d'une même médaille : le premier veut vivre sa vie comme un spectacle, la seconde ne peut jouer sur scène autre chose que sa propre vie.

Meurtre d'un bookmaker chinois de John Cassavetes - Strip-tease

Par son influence sur un nombre considérable de créateurs, qu'ils soient cinéastes, peintres, écrivains, ou encore danseurs, le jazz est devenu, comme le dit Gérard Genette dans l'entretien qui ouvre ce recueil, « une musique très typique ou paradigmatique du XXe siècle » et espère-t-il « aussi un peu des suivants ». Quand on pense à la rencontre entre le jazz et le cinéma, un son vient immédiatement à la mémoire : celui de la trompette de Miles Davis, sur les images en noir et blanc d'« Ascenseur pour l'échafaud » de Louis Malle. Si cette musique a tant marqué l'imaginaire cinéphilique, c'est peut-être que cette rencontre va bien au-delà d'une formidable musique de film. « Quand on sort de la guerre, on découvre le jazz. Il me semble que l'on doit vraiment penser autrement » : Claire Denis résume ici en quelques mots, prononcés à l'occasion d'une table ronde consacrée à la Nouvelle Vague, toutes les idées qui parcourent ces lignes. Pour penser le cinéma autrement, des artistes aussi différents que Jean Rouch, Jacques Rozier, Claire Denis ou Jean-François Stévenin sont passés par le jazz, par une musique qui met la maîtrise technique au service de l'improvisation, de l'invention dans l'instant. Mais ces cinéastes ne se contentent pas ici de dire combien leur intérêt enthousiaste pour le jazz a été déterminant. Ils mettent aussi en lumière les choix concrets d'écriture, de mises en scène, de filmage ou de montage qui leur ont permis de réinventer à leur manière une posture de créateur inspirée par le jazz, leur but commun étant de faire confiance à l'inspiration du moment, « la seule inspiration qui apporte quelque chose », disait Jean Renoir, l'un des fantômes bienveillants qui hantent ces pages. Le cinéma-jazz défendu tout au long de ces entretiens est une manière de croire encore que la grande force du cinéma, c'est de filmer d'abord et avant tout des relations entre des êtres humains. Loin de la toute puissance des machines, seul horizon possible d'une « certaine tendance » du cinéma contemporain.
Mouëllic Gilles

Le Jazz: une esthétique du XXe siècle

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