Vicky Colombet pratique la peinture à la façon d'un ensemencement. Ses tableaux, que l'on pourrait nommer paysages bien qu'ils restent résolument abstraits, sont faits de plis où la lumière se niche, entre enfouissement et éblouissement. Un pli se forme, un pli s'ouvre, afin que quelque chose advienne, encore. Chaque tableau, qui naît d'un rituel intime, oscille entre mélancolie et renaissance. C'est la beauté du monde, celle qui s'enfuit, celle qu'il est peut-être possible de sauver un peu, par la peinture comme manière de vivre, qui se donne là.

L'Ouvert / The Opening

Cet ouvrage, catalogue de l'exposition du musée des Beaux-Arts de Lyon, rend hommage au grand dessinateur et poète Fred Deux (1924-2015). Un parcours monographique, richement illustré, qui réunit une importante sélection de dessins et livres uniques, permettant de retracer la création de l'artiste de 1949 à 2012 et d'en restituer le monde polyphonique.
Dessinateur, poète oral, écrivain, auteur sous le pseudonyme de Jean Douassot d'un livre culte,  La Gana , Fred Deux est un artiste singulier, irréductible aux modes et aux courants. Cet autodidacte, né dans la cave d'une maison bourgeoise, à Boulogne- Billancourt, au sein d'une famille ouvrière, n'a eu de cesse, comme il le disait, de passer : passer à travers le mur de la cave pour accéder à la vie qui appelle et qui brûle. Passer les frontières entre les arts afin, en allant du dessin au mot écrit, de la page au magnétophone face auquel il se racontait dans une sorte de rêverie sans fin, d'explorer toujours plus avant l'inconnu en lui. Passer et faire passer : s'effacer peu à peu dans le dessin, afin que cela soit la vie-même qui passe et se donne.
Des dessins dits de la  Kleepathologie , faits à Marseille à la fin des années 1940, à l'oeuvre ultime, en passant par les jalons majeurs de ce travail -  Otages ,  Spermes noirs et  Spermes colorés ,  Autoportraits , dessins monumentaux des années 1980, livres uniques où la ligne se fait en même temps trait et mot - c'est le monde de Fred Deux qui se donne à voir et à traverser. Des objets façonnés par l'artiste ou collectionnés par lui telles des présences nécessaires - pour les objets issus des arts premiers - viennent faire écho à l'oeuvre graphique et inscrire celle-ci dans le chemin d'une vie.
Est ainsi dévoilée la cohérence profonde d'une oeuvre, qui, dès le départ, pose telles deux matrices les outils qui la façonneront :
La ligne et la tache.

Le monde de Fred Deux

Antoine Schneck - Du masque à l'âme

J'ai mis du temps à comprendre mes nymphéas. Je les avais plantés pour le plaisir?; je les cultivais sans songer à les peindre... Et puis, tout d'un coup, j'ai eu la révélation des féeries de mon étang. J'ai pris ma palette... Depuis ce temps, je n'ai guère eu d'autre modèle.?» Ainsi Claude Monet (1840-1926), le pionnier de l'impressionnisme, explique-t-il l'origine de la plus longue et productive expérimentation picturale de sa carrière?: les Nymphéas, qui représentent près de trente années de sa vie, et plus de deux cent cinquante oeuvres. Des premières toiles exposées en 1900 jusqu'à l'installation à l'Orangerie en 1927 de sa «?grande décoration?», c'est le regard porté par ses contemporains sur les Nymphéas et les processus créatifs du peintre que nous restitue cette anthologie.
Journalistes, écrivains et collectionneurs tentent tous de décrire ces oeuvres inouïes, qui se dégagent peu à peu des règles communes de la représentation, et les confrontent parfois aux limites de leurs capacités descriptives?: «?Peut-on même appeler cela des tableaux???», s'interroge l'un d'entre eux. Certains privilégiés sont reçus dans l'atelier du maître, qui leur fait visiter son étourdissant jardin, et recueillent sa parole. Le «?pèlerinage à Giverny?», les entretiens accordés par le peintre et sa correspondance personnelle, pleine de doutes sur sa création, complètent et informent la réception par la critique de son grand oeuvre.
Grâce à ce regroupement inédit de textes élogieux, critiques, poétiques, déconcertés ou encore violemment réprobateurs, c'est l'aventure au long cours du cycle des Nymphéas, ce renouvellement du paysage opéré par Monet tel un tournant majeur de la peinture moderne, qui est retracée ici.
 
Anthologie établie par Emma Cauvin, Matthieu Léglise et Pierre Wat, historiens de l'art, spécialistes de la peinture des XIXe et XXe siècles.

Les Nymphéas de Claude Monet : une anthologie critique

Claude Viallat est né à Nîmes en 1936. Il vit à Nîmes. Membre fondateur de Supports/Surfaces, son œuvre en incarne l'esthétique. Il en poursuit sans relâche l'expérimentation constitutive. Son travail, terme que la théorie Supports/Surfaces oppose à art ou création artistique, est fondé sur la répétition d'une forme simple fonctionnant comme un logo. Mais la forme, soi-disant trouvée par hasard, dont l'apposition sur un support découlerait des jeux décoratifs de l'habitat méditerranéen, n'est pas indéfinie, comme on l'a trop dit et écrit. Il s'agit d'une forme organique aux signifiés indéniablement anthropomorphiques. Son usage permet donc, la déconstruction du tableau en ses constituants matériels effectuée, de reprendre, comme à l'origine, le travail de peinture, d'organiser la navette dialectique entre la pratique et la théorie. C'est, depuis 1966, sur des supports de toile libre que ne structure plus un châssis que Claude Viallat appose sa forme. C'est la matière du support imprégné qui donne à la forme, en fonction de son tissage, de sa texture, un contour plus ou moins net, une intensité de ton plus ou moins forte. L'art de Claude Viallat se caractérise par la somptuosité de la couleur qui l'impose comme l'un des grands coloristes de l'histoire de la peinture occidentale. Les œuvres de Claude Viallat ont été exposées dans la plupart des lieux d'Europe, d'Amérique et d'Asie dédiés à la présentation de l'art moderne et contemporain et figurent dans la plupart des grandes collections publiques et privées.

Claude Viallat

Angers, Saumur, Chinon, Langeais, Loches, Plessis-lèz-Tours, le Clos-Lucé, Chenonceau, Amboise, Chaumont-sur-Loire, Blois, et bien sûr Chambord... les châteaux royaux en Val de Loire ont été des lieux de pouvoir avant de s'inscrire dans l'espace commun en tant que lieux publics. Symboles de la majesté des souverains durant deux siècles, ils sont ensuite délaissés pour Paris puis Versailles, menacés de destructions ou de dispersion, restructurés et réemployés. Ce vide fait rêver : leur architecture composite et stratifiée, rappelant les multiples constructions et rénovations qu'ils ont connues, mais aussi les divers emplois et fonctions qu'ils ont pu occuper, interroge l'historien de l'art comme le professionnel de la conservation et du patrimoine. Que présenter au visiteur soucieux d'apprendre, de comprendre ces demeures qui sont une condensation d'histoire de l'art et d'histoire politico-culturelle ? Une dizaine de conservateurs et d'historiens de l'art, avec la coordination d'Aurore Montesi, Florence Fix et Pierre Wat, partagent ici leurs expériences et leur savoir afin d'interroger l'identité et le devenir du château "après le temps des rois".

Après le temps des rois - Les châteaux du Val de Loire et leurs visiteurs

Anthony Vérot

Les châteaux royaux en Val de Loire ont été des lieux de pouvoir avant de s'inscrire dans l'espace commun en tant que lieux publics. Symboles de la majesté des souverains durant deux siècles, ils sont ensuite délaissés pour Paris puis Versailles, menacés de destructions ou de dispersion, restructurés et réemployés. Que présenter au visiteur soucieux d'apprendre, de comprendre ces demeures qui sont une condensation d'histoire de l'art et d'histoire politicoculturelle ?

Présentation de l'éditeurLe paysage n’existe que dans l’œil de celui qui le regarde. Il faut donc suivre les pas de l’homme en marche si l’on veut comprendre comment notre rapport au monde et à l’histoire se dessine : par la confrontation de l’individu et de la nature. Car le paysage, c’est la nature éprouvée : nature traversée, nature possédée, nature sublimée, nature terrifiante, nature qui échappe à qui tente de la conquérir. L’artiste qui s’adonne au genre du paysage nous offre bien plus qu’une simple représentation de morceaux de nature. Il se fait archéologue, scrutant comme dans un livre le sol où affleure la mémoire de l’histoire humaine, sous forme de traces.Ecrire l’histoire du paysage à l’époque contemporaine c’est aussi faire le constat d’une relève : celle qui voit, à partir du début du XIXe siècle, la peinture de paysage se substituer progressivement à la peinture d’histoire afin de porter le grand récit de l’humanité dans ses tentatives de connaître et de façonner le monde. Un genre s’épuise, un autre s’épanouit afin d’explorer d’autres formes de représentation, et d’interrogations.Lorsque le sculpteur français David d’Angers, contemplant La Mer de Glace dans l’atelier de Caspar David Friedrich, à Dresde, dit que le peintre est l’inventeur d’un genre nouveau, « la tragédie du paysage », c’est cela qu’il désigne. Cette manière, qui va traverser toute la période contemporaine, de faire du paysage le lieu de l’enfouissement et de l’émergence de l’histoire.Parce que l’histoire devient un présent qui saute à la gorge – révolutions, guerres, massacres, génocides –, les artistes se tournent de façon privilégiée vers le paysage comme une forme capable d’accueillir l’innommable en son sein et d’exprimer ce qui aveugle, terrifie, ou fascine. Peintres, dessinateurs, photographes, de Goya à Sophie Ristelhueber, d’Otto Dix à Zoran Music et Anselm Kiefer, vont s’affronter au paysage comme à ce lieu où peut se manifester l’inquiétude de l’homme face à l’histoire. Mais aussi son désir, ses croyances, et sa liberté.Ce sont les étapes de cette aventure de l’homme au monde que nous suivons dans cet ouvrage : paysages de ruines, paysages en guerre, paysages où l’on foule une histoire oscillant entre affleurement et invisibilité, paysages qui nous confrontent à l’indifférence du monde, sont quelques-uns des thèmes qui racontent les pérégrinations inquiètes de l’homme contemporain marchant dans le monde à la recherche de sa propre trace.C’est enfin une méditation personnelle sur la nécessité qu’éprouvent tant d’artistes, aujourd’hui, d’avoir recours au paysage pour affronter ce que le XX° siècle nous a légué de plus terrible : l’anéantissement sans traces. Le paysage s’impose comme l’une des formes majeures, pudique et émouvante, de l’histoire contemporaine.Biographie de l'auteurPierre Wat est professeur d’histoire de l’art à l’université de Paris-I. Spécialiste du romantisme, auteur de monographies consacrées à Pierre Buraglio, à Claude Viallat, il est l'auteur de Constable aux éditions Hazan (2002 et 2010). II a également publié de nombreux textes sur la peinture contemporaine et, dernièrement, un essai remarqué, Turner, menteur magnifique (Hazan, 2010). La partie documentaire du livre a été rédigée par : Jean Lissarrague pour la biographie, Régine Lissarrague pour la liste des expositions et Marie-Françoise Quignard pour la bibliographie.Régine Lissarrague, historienne de l’art, a mené différents travaux sur l’œuvre de Frédéric Benrath. Jean Lissarrague est éditeur. Tous deux proches amis de Frédéric Benrath, ils ont répertorié et classé les œuvres et les archives de l’artiste après son décès accidentel.Marie-Françoise Quignard est conservateur honoraire à la réserve des livres rares de la Bibliothèque nationale de France.

L'Ouvert / The Opening

Résumé

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Critiques

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