La fabuleuse histoire de la chanteuse disparue en 2011, grande interprète de la morna cap-verdienne, et celle d'un succès mondial qui a tardé à venir. A travers ce portrait se dessine également l'histoire d'une ville, d'un pays et d'un genre musical.

Cesaria Evora

Capitaine d'industrie à l'âme d'artisan, Jacques Canetti a su déceler et révéler les talents immortels de la chanson française : Piaf, Trenet, Brassens, Brel, Vian, Félix Leclerc, Béart, Anne Sylvestre, Higelin... Françoise, sa fille, raconte l'histoire - digne d'une aventure - d'un pionnier de la production musicale.
Capitaine d'industrie à l'âme d'artisan, accoucheur de talents, Jacques Canetti (1909-1997) a produit, alors qu'ils étaient inconnus, ceux qui allaient devenir les monuments de la chanson française : Piaf, Trenet, Leclerc, Brassens, Brel, Vian, Gainsbourg, Béart, Anne Sylvestre, Michel Legrand, Serge Reggiani, Jeanne Moreau, Jacques Higelin... mais aussi des humoristes tels Raymond Devos, Fernand Raynaud, Jean Yanne, sans oublier le tandem Pierre Dac-Francis Blanche.
À contre-courant des diktats du marketing, Canetti a conduit " ses " artistes sans se poser la question " Est-ce que ça va se vendre ? " Il a patiemment contribué à lancer leur carrière sur la scène des Trois Baudets, dans les " tournées Canetti " et sur disque - chez Polydor, Philips et sous son propre label.
" Mais quand Canetti dort-il ? ", se demandait Boris Vian face à cet infatigable enthousiaste, qui fut l'un des pionniers du jazz en France et participa, bien plus tard, à l'économie naissante de l'entertainment.
L'incroyable parcours de Jacques Canetti est raconté par sa fille Françoise en une saga familiale qui débute sur les bords du Danube où les trois frères Canetti (Georges, Jacques et Elias) vont, chacun à sa façon, marquer le XXe siècle.

Brassens l'appelait Socrate - Jacques Canetti, révélateur de talents

Manu Chao, figure majeure du rock français, est né à Paris en juin 1961, d’une mère basque et d’un père galicien. Si s’engager, c’est choisir son camp, le chanteur s’y dévoue depuis l’enfance à Boulogne-Billancourt, puis à Sèvres, passée à jouer au foot avec des fils d’ouvriers, des Portugais, des Arméniens, à écouter de la musique latino-américaine, « Hasta Siempre », Bob Marley, Chuck Berry, ainsi que les chants révolutionnaires espagnols. Dès ses débuts, fin 1970, Manu Chao remet à l’honneur la culture latino-américaine, épicentre du jeu politique mondial. Après la dissolution de La Mano Negra, le groupe de rock alternatif fondé en 1987, et l’un des plus énergiques parmi la scène française de l’époque, l’artiste a entamé une seconde carrière : son premier album solo, Clandestino (1998), est un énorme succès. Le chanteur s’y révèle engagé, nomade, et royalement fainéant. Jouer de la musique à danser, faire du cirque à Rio, provoquer des rencontres de poètes au fond du sertao brésilien et monter dix autres projets en parallèle (en 2005, il a produit l’album d’Amadou et Mariam), font de lui un paradoxe. Lui qui a vendu près de 6 millions de disques a aussi prophétisé la disparition du CD. Tour à tour amoureux des instruments traditionnels, tout en étant l’un des pionniers de l’ordinateur, qu’il utilise comme un outil de collages sonores et d’échantillonnages d’ambiances. De Belfast à la Cité Langlet-Santy de Lyon, du Forum social de Porto Alegre au contre-G 8 de Gênes en 2001, l’artiste n’a cessé d’accompagner les mouvements altermondialistes, sans s’y engager. Défendant les eaux-de-vie traditionnelles, la marijuana et la libre circulation des personnes, Chao choisit ses combats. Avec son collectif Radio Bemba, sorte de sound system surdoué et délirant, il met en pratique une écologie de la musique mondiale. Fervent souteneur du mouvement zapatiste au Mexique, il a tourné un documentaire avec le cinéaste Emir Kusturica sur les fous de l’asile de la Colifata, près de Buenos Aires. Ce livre suit les voyages de ce champion de l’économie artistique durable, entre Barcelone, le Brésil, le Mexique, l’Argentine, et la place Pigalle.

Manu Chao, un nomade contemporain

Manu Chao, figure majeure du rock français, est né à Paris en juin 1961, d'une mère basque et d'un père galicien. Si s'engager, c'est choisir son camp, le chanteur s'y dévoue depuis l'enfance à Boulogne-Billancourt, puis à Sèvres, passée à jouer au foot avec des fils d'ouvriers, des Portugais, des Arméniens, à écouter de la musique latino-américaine, " Hasta Siempre ", Bob Marley, Chuck Berry, ainsi que les chants révolutionnaires espagnols.
Dès ses débuts, fin 1970, Manu Chao remet à l'honneur la culture latino-américaine, épicentre du jeu politique mondial. Après la dissolution de La Mano Negra, le groupe de rock alternatif fondé en 1987, et l'un des plus énergiques parmi la scène française de l'époque, l'artiste a entamé une seconde carrière : son premier album solo, Clandestino (1998), est un énorme succès. Le chanteur s'y révèle engagé, nomade, et royalement fainéant. Jouer de la musique à danser, faire du cirque à Rio, provoquer des rencontres de poètes au fond du sertao brésilien et monter dix autres projets en parallèle (en 2005, il a produit l'album d'Amadou et Mariam), font de lui un paradoxe. Lui qui a vendu près de 6 millions de disques a aussi prophétisé la disparition du CD. Tour à tour amoureux des instruments traditionnels, tout en étant l'un des pionniers de l'ordinateur, qu'il utilise comme un outil de collages sonores et d'échantillonnages d'ambiances. De Belfast à la Cité Langlet-Santy de Lyon, du Forum social de Porto Alegre au contre-G 8 de Gênes en 2001, l'artiste n'a cessé d'accompagner les mouvements altermondialistes, sans s'y engager. Défendant les eaux-de-vie traditionnelles, la marijuana et la libre circulation des personnes, Chao choisit ses combats. Avec son collectif Radio Bemba, sorte de sound system surdoué et délirant, il met en pratique une écologie de la musique mondiale. Fervent souteneur du mouvement zapatiste au Mexique, il a tourné un documentaire avec le cinéaste Emir Kusturica sur les fous de l'asile de la Colifata, près de Buenos Aires.
Ce livre suit les voyages de ce champion de l'économie artistique durable, entre Barcelone, le Brésil, le Mexique, l'Argentine, et la place Pigalle.

La fabuleuse histoire de la chanteuse, grande interprète de la morna cap-verdienne, et celle d'un succès mondial qui a tardé à venir. A travers ce portrait, se dessine également l'histoire d'une ville, d'un pays et d'un genre musical.

Cesaria Evora - La voix de Cap-Vert, biographie

C'est un couple iconique : Jane Birkin et Serge Gainsbourg. Amour, glamour, érotisme, poésie, provocation. Et pourtant, tout avait si mal commencé. Ils s'étaient rencontrés sur le tournage du film Slogan. Elle, l'aristocrate anglaise, plaquée par le compositeur John Barry, débarquait à Paris avec, dans son panier d'osier, le swinging London. Lui, le fils d'émigrés russes, l'auteur du Poinçonneur des Lilas et de La Javanaise, était anéanti après sa liaison avec Brigitte Bardot. Dix-huit ans et un Channel séparaient Jane et Serge. 
Au printemps 1968, leur histoire d'amour mettra le feu aux sixties, rendra incandescente et plus libre la France gaullienne, celle des play-boys, de Saint-Tropez, de la jet-set, des nuits parisiennes. Leur amour aurait pu se noyer au fond de La Piscine, où Jane Birkin tourne avec Alain Delon et Maurice Ronet, se brûler quand elle se retrouve nue dans Don Juan 73 aux côtés de Brigitte Bardot, ou se fracasser dans Je t'aime moi non plus. 
Le duo formé par Jane et Serge est un jeu de miroirs : ils s'attirent comme des aimants amants, font éclater les frontières du genre féminin et masculin, s'enlacent telles des créatures androgynes. Au bout du compte, entre Paris et Normandie, ce double je parviendra à former une famille, épatante et frondeuse. Véronique Mortaigne révèle ici des facettes totalement inédites, souvent extravagantes ou sombres, de ce couple de légende. Elle a rencontré les témoins et arpenté les lieux de leur vie commune. Son enquête est un cocktail de vodka et champagne. L'antidote pour conjurer notre époque si lisse.

Double je

En 1972, Jane Birkin termine le tournage de Don Juan 73 de Roger Vadim. Le Don Juan, c'est Brigitte Bardot, ex-femme du réalisateur, et passion perdue de Serge Gainsbourg. BB précipite ses conquêtes dans les flammes de l'enfer et, à l'occasion, séduit leurs femmes pour affaiblir ses proies. La cible, c'est Clara, jouée par une certaine Jane B. Au lit, nues, les deux amours de Serge, chantonnent en se caressant. À l'époque, la morale ne trouva rien à redire. Esthétiquement, c'est beau : l'une, égérie de Et Dieu créa la femme, est tout en courbes, l'autre, apparue dans Blow Up ! d'Antonioni,  est une planche à pain parfaitement androgyne.
Voyeur peut-être, homme de l'ombre précipité dans les lumières de la célébrité, Serge Gainsbourg mène-t-il les doubles jeux ? Qui tire les ficelles de cette scène surprenante ?

Quatre ans ont passé depuis sa rencontre avec « Djaine » sur le plateau de Slogan de Pierre Grimblat. Ils se sont détestés au premier regard, ils se sont aimés, et ils ont enregistré le sulfureux  Je t'aime moi ... non plus, à l'origine destiné à BB. Depuis, Serge accompagne Jane sur tous les tournages. Quand elle se love dans les bras de BB, il vient d'offrir à son épouse son premier album, Di Doo Dha, mélancolique, léger, désabusé, rempli de sens cachés. Leur fille Charlotte n'a pas deux ans.

Lucien Ginzburg a commencé sa carrière en accompagnant son père dans les boîtes de nuit et clubs de travestis parisiens. Son histoire avec Jane Birkin est une affaire de genre, elle a le physique androgyne. Lui a une soeur jumelle, qui a choisi de ne jamais apparaître. Il est double.

Don Juan 73 ne connut pas un succès foudroyant. Pas plus que Je t'aime ... moi non plus, le film provoquant réalisé par Serge Gainsbourg en 1976, dans le quel Jane joue le rôle d'une serveuse de bar américaine tombée amoureuse d'un jeune camionneur homosexuel.
Ce qui connaîtra un succès jamais démenti, c'est la relation de Jane et de Serge : ils forment jusqu'à aujourd'hui un couple inséparable.

Jane & Serge

Le Brésil entretient avec ses musiques des relations intimes, héritage d'un passé où le sacré s'exprimait dans les chants, les sons et les battements des tambours. La multiplicité des musiques a fini par tracer une cartographie des peuples de cet ensemble, baroque, urbain et rural, exubérant et strict, religieux et païen.
Si la samba s'est développée dans les faubourgs de Rio de Janeiro, si la bossa-nova demeure l'incarnation du modernisme des années 50, les musiques du Nordeste, elles, n'ont cessé de raconter l'histoire profonde du pays. Elles ne sont pas pour autant restées figées dans le folklore. Au contraire, à l'instar de l'accordéoniste et compositeur Luiz Gonzaga, qui dans les années 50, amena le baioa, danse paysanne à l'origine, vers les hit-parades nationaux, tous les compositeurs contemporains de la Musique Populaire Brésilienne (MPB) se sont nourris au miel des rythmiques nègres de Salvador-de-Bahia, aux vers et alexandrins improvisés par les poètes des rues de Pernambouc, du Cearã ou de la Paraiba, des danses de caboclinhos (métis de noirs et d'indiens) : comme Gilberto Gil, Caetano Veloso et sa sueur Maria Bethãnia marqués par les suppliques des paysans du sertão ou la nouvelle génération très électronique apte à bouleverser le paysage mondial de la musique.
Aujourd'hui, le Nordeste est partout au Brésil : ayant fourni le plus fort contingent de main-d'œuvre pas chère aux mégalopoles du sud, il a transformé par pans entiers la physionomie culturelle de Rio ou de São Paulo. Autrefois rejetés, les Nordestins imposent actuellement leur originalité, profitant en cela de leurs prestigieux aînés, chanteurs (Gil, Caetano), écrivains (forge Amado) qui leur ont ô ouvert la voie du monde extérieur.

Cesaria Evora

Résumé

Plus de livres de Veronique Mortaigne

Critiques

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