La "question du public", selon la formule usuelle, constitue pour tous les observateurs du théâtre contemporain une question majeure. L'hypothèse développée dans cet ouvrage est qu'elle est en effet cruciale, mais ne se situe pas là où on le croit, l'élément décisif n'étant ni le taux de remplissage ou de satisfaction des salles, ni le degré d'activité visible de leurs occupants, mais la nature de la fonction octroyée au spectateur.

Figurations du spectateur

La création contemporaine dans les arts du spectacle s'avère aujourd'hui souvent pluridisciplinaire. Nous assistons en effet à des représentations dont il est parfois difficile de qualifier le genre. S'agit-il de théâtre, de danse, de cirque ou de marionnettes ? C'est précisément cette évolution qui a incité les auteurs à examiner la situation de la formation à ces différents arts. Correspond-elle à l'évolution de la scène actuelle ?

L'originalité de cet ouvrage consiste à analyser les nouvelles orientations pédagogiques des enseignements artistiques. Réalisée par des chercheurs, des universitaires et des praticiens français et étrangers, cette recherche est la première à mettre en évidence un nouveau type de formation et à en faire comprendre les objectifs profonds : renouveler la pratique de la discipline enseignée ; favoriser l'émergence de formes de jeu inédites ; fournir à l'interprète de multiples outils techniques susceptibles de développer davantage son imagination, sa créativité et de faciliter son adaptation à divers genres de spectacle. 
Des témoignages d'enseignants, de metteurs en scène et d'élèves aident à prendre conscience des changements importants qui s'opèrent en ce domaine. 

Le choix des lieux d'enseignement (Écoles, Facultés, Conservatoires, Académies) ne se limite pas à l'Europe. Des exemples de pays aussi différents et éloignés d'un point de vue social, économique et politique que la Russie, la Chine ou le Brésil démontrent que ce processus n'est pas spécifique à l'espace européen.

Du théâtre amateur

Il n'existait aucun ouvrage sur le travail théâtral de Claude Régy, qui a commencé dans les années 1950 et a connu plusieurs métamorphoses, dont aucune n'est passée inaperçue. On retient en général de ce metteur en scène qu'il a créé en France les pièces de Pinter, puis celles de Bond, Handke, Botho Strauss, Gregory Motton, Jon Fosse, qu'il a fait connaître l'œuvre dramatique de Marguerite Duras et Nathalie Sarraute, redécouvrir Maeterlinck, ou encore l'Ancien Testament dans la traduction de Henri Meschonnic. Sur la dimension proprement scénique de sa création, on ne pouvait lire que quelques études, dispersées, alors que cet artiste est devenu une référence. un pôle critique et polémique, au fur et à mesure qu'il se singularisait et se radicalisait. Nourri de témoignages et d'archives privées et publiques, le présent ouvrage a été réalisé au CNRS, dans le cadre du LARAS, puis d'ARIAS. Il dissipe la représentation essentialisée d'une œuvre souvent restreinte à sa dernière période et dessine un itinéraire complexe, irréductible à tout schéma linéaire, croisant des acteurs parmi les plus célèbres et les institutions théâtrales qui ont structuré la pratique de ce temps, du Théâtre Hébertot aux Ateliers Berthier en passant par le Théâtre Antoine, le TNP, le Théâtre Renaud-Barrault, plus exceptionnellement le cinéma et la radio. L'élaboration méthodique d'un " espace mental ", l'effort pour articuler l'écoute et la vision, la place conférée à l'acteur dans cet exercice, la volonté souvent explicitée de faire " travailler " le spectateur installé dans un temps ralenti nous ont amenés à situer ce théâtre - dont le metteur en scène lui-même doute qu'il corresponde à la définition usuelle du mot - dans une histoire qui n'est pas exactement celle des arts du spectacle, mais celle, séculaire, des usages éthiques des textes et des images. Le DVD-ROM joint au volume. riche d'une centaine de photographies. de nombreux matériaux graphiques et manuscrits, de documents sonores, radiophoniques et audiovisuels inédits, ne constitue pas une simple annexe illustrative. Deux navigations y sont proposées, qui permettent l'exploration d'un demi-siècle de théâtre français à partir du cheminement personnel de Claude Régy, ainsi qu'une réflexion en acte sur la mémoire du théâtre et les modes de rapports possibles entre les images fixées et les images mémorielles.

Claude Régy

Est-il possible d'appliquer au théâtre la méthode génétique, connue pour avoir fait ses preuves en littérature? L'oeuvre théâtrale est un ensemble hétérogène de données textuelles et scéniques, une entité éphémère et fugitive. Toute mise en scène, mais aussi chaque représentation, engendre de nouvelles modifications : coupures et réécritures textuelles, variations scénographiques, variantes dans le mouvement des corps, le timbre des voix, les lumières, le rythme de l'événement. Comment, dans ce perpetuum mobile, cerner les étapes qui permettent de reconstruire la genèse de l'oeuvre ? C'est à cette question que cherchent à répondre les textes réunis dans cet ouvrage : écrits de créateurs (Brigitte Jaques-Wajeman, Jean Jourdheuil, Jacques Lassalle) et études consacrées à des corpus d'archives éclairant les collaborations complexes entre auteurs et metteurs en scène (Anouilh, Beckett, Boulgakov, Duras, Pirandello, Régy, Stanislavski, Tchekhov, Vinaver).

Genèses théâtrales

La réflexion sur les disciplines et leur histoire s'est développée dans les vingt dernières années. Les enjeux sont cognitifs, épistémologiques et politiques. Les études théâtrales, officiellement reconnues en France à la fin des années 1950, à l'université et au CNRS, ont mis du temps à revenir sur la façon dont elles s'étaient définies, intellectuellement et institutionnellement. Comme l'indique le pluriel Genèses, le processus a été long, pluri- et interdisciplinaire, sinueux et discontinu, souvent romanesque, engageant de très nombreux acteurs de la vie sociale : universitaires et chercheurs, praticiens du théâtre, étudiants de toutes sortes, responsables administratifs.

Genèses des études théâtrales en France - XIXe-XXe siècles

Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'oeuvre dramatique écrite.
Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'oeuvre dramatique écrite.
 Une telle surdité n'a rien d'exceptionnel : l'oubli de la dimension sonore a touché l'ensemble des sciences humaines et sociales. On a nommé " tournant acoustique " la restauration de l'importance du son par tout un mouvement interdisciplinaire qui a montré que la période contemporaine n'est pas et n'a pas été plus visuelle qu'auditive, ce qu'a longtemps masqué la prolifération des images et de leurs analyses.
 Inscrit dans ce mouvement critique, le présent ouvrage réunit 35 collaborateurs de 8 pays différents. Théoriciens ou praticiens du son et de la voix, spécialistes
 de théâtre, d'architecture, d'acoustique, de création sonore, historiens et analystes des techniques, des médias et de la culture, livrent ici un ouvrage total, ouvert à tous ceux qui, selon la formule de Jonathan Sterne, ont développé une " imagination sonique ".

Le Son du théâtre (XIXe-XXIe siècle)

Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'oeuvre dramatique écrite. Une telle surdité n'a rien d'exceptionnel : l'oubli de la dimension sonore a touché l'ensemble des sciences humaines et sociales. On a nommé "tournant acoustique" la restauration de l'importance du son par tout un mouvement interdisciplinaire qui a montré que la période contemporaine n'est pas et n'a pas été plus visuelle qu'auditive, ce qu'a longtemps masqué la prolifération des images et de leurs analyses. Inscrit dans ce mouvement critique, le présent ouvrage réunit 35 collaborateurs de 8 pays différents. Théoriciens ou praticiens du son et de la voix, spécialistes de théâtre, d'architecture, d'acoustique, de création sonore, historiens et analystes des techniques, des médias et de la culture, livrent ici un ouvrage total, ouvert à tous ceux qui, selon la formule de Jonathan Sterne, ont développé une "imagination sonique".

Le son du théâtre (XIXe-XXIe siècle) - Histoire intermédiale d'un lieu d'écoute moderne

Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'ouvre dramatique écrite.

Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'ouvre dramatique écrite.

 Une telle surdité n'a rien d'exceptionnel : l'oubli de la dimension sonore a touché l'ensemble des sciences humaines et sociales. On a nommé " tournant acoustique " la restauration de l'importance du son par tout un mouvement interdisciplinaire qui a montré que la période contemporaine n'est pas et n'a pas été plus visuelle qu'auditive, ce qu'a longtemps masqué la prolifération des images et de leurs analyses.

 Inscrit dans ce mouvement critique, le présent ouvrage réunit 35 collaborateurs de 8 pays différents. Théoriciens ou praticiens du son et de la voix, spécialistes

 de théâtre, d'architecture, d'acoustique, de création sonore, historiens et analystes des techniques, des médias et de la culture, livrent ici un ouvrage total, ouvert à tous ceux qui, selon la formule de Jonathan Sterne, ont développé une " imagination sonique ".

Figurations du spectateur

Résumé

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