Adolphe Pétérelle - 1874-1947

Un sculpteur qui marie la grâce et la puissance, encouragé dès ses débuts par des géants comme Henry Moore ou Giacometti et très proche du photographe Brassai. Présent dans les collections des grands musées (MoMa à New-York, le musée d'art Moderne à Paris), on découvre aujourd'hui ses dessins et peintures. Un livre qui complète son Catalogue raisonné. Claude Mercier (1924 - 2019), immense sculpteur, est admiré pour ses oeuvres de métal pleines d'élan ou au contraire concentrées, repliées sur leur propre mouvement. A partir de 1949 et jusqu'en 2016, il aura mené un travail inlassable et patient qui lui vaudra l'amitié de nombreux artistes et, dès ses débuts, les conseils et les encouragements de Henry Moore et Alberto Giacometti. On trouve ses oeuvres dans quelques-uns des plus grands musées et collections, Museum of Modern Art (MoMa) à New-York , Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Musée de Toronto, Canada, Fonds national d'art contemporain, Paris et de nombreux musées en région et collections privées. Mais une facette de son talent reste très peu connue et " invisible " : il s'agit de ses dessins, gravures et peintures. Pourtant ils sont indissociables de ses sculptures, les complètent, les éclairent, s'enrichissent mutuellement de leur voisinage. Ouvres à part entière, ce ne sont en aucun cas des esquisses ni des croquis, moins encore des " relevés " dessinés ou peints de ses sculptures mais la force de leur volume, l'impression de relief, le même mouvement qui les anime fait invinciblement songer à son oeuvre sculpté dont, par un chemin inverse, on saisit alors toute la " picturalité ", la précision et la légèreté, comme si l'acier, le laiton ou le cuivre avaient été dessinés d'un trait dans l'espace. La soixantaine d'oeuvres graphiques reproduites dans cet ouvrage constitue donc une révélation et un éblouissement, aussi bien pour les amateurs déjà familiers de la carrière de Claude Mercier que pour ceux qui le découvriront grâce à ce précieux volume.

Claude Mercier - Oeuvre graphique d'un sculpteur

Dictionnaire des Peintres de L'École de Paris 1945-1965 Lydia Harambourg
L'École de Paris compte parmi les grands chapitres de l'histoire de l'art du
XXe siècle. Ce terme, apparu dans les années vingt sous la plume d'André Warnod
pour désigner une situation spécifique à la capitale, foyer de création
incontournable, à la fois aimant et réflecteur auprès de la communauté
artistique internationale, a été reconduit après la deuxième guerre mondiale.
En 1945, Paris est toujours ce ``phare'' qui attire les artistes des quatre
coins du monde, venus y chercher la liberté de création et la reconnaissance à
partir d'un engagement irréversible. Le terme sera conservé, repris par les
critiques qui parleront de la ``Nouvelle école de Paris'', ou encore de la
``Seconde école de Paris'', puisque rien ne peut lui être comparé, mais aussi
pour éviter l'écueil d'un amalgame ambigu. Si le mot école n'est pas à prendre
ici dans son acceptation littérale, il revêt dans les années cinquante, une
signification insigne de la liberté d'expression vécue conjointement dans ces
années de combat, par les artistes et par les critiques engagés à défendre la
figuration ou l'abstraction. Ces années pionnières qui voient l'émergence de
l'abstraction lyrique, rivale de l'abstraction géométrique, plus radicales
entre elles qu'envers une figuration qui ne cède pas sur son terrain, sont
riches de conquêtes plastiques, d'affirmations de personnalités aujourd'hui
reconnues internationalement. Chaque faction, chaque courant esthétique a ses
représentants, ses thuriféraires qui se retrouvent dans les salons nés après la
guerre : salons de Mai, des Réalités Nouvelles, des Peintres Témoins de leur
Temps, Comparaisons, École de Paris, vitrines irremplaçables de l'art vivant.
Entre 1945 et 1965 la scène artistique française connaît un dynamisme qui
explique cette diversité stylistique, cette cohabitation d'expressions pour de
nouvelles avancées dans une histoire de l'art autant faite de ruptures, que de
continuités. Il est temps de replacer les faits dans leur réalité historique.
C'est la mission que l'auteur s'est imposée. À partir des documents
contemporains étudiés, des archives consultées enrichis, des nombreux
entretiens de l'auteur avec les artistes, protagonistes, acteurs et témoins de
cette époque, cet ouvrage scientifique s'impose comme le témoignage unique de
vingt années de peinture à Paris. À partir de textes biographiques et
monographiques consacrés à chacun des peintres qui ont fait de Paris le
carrefour de l'art ouvert sur le monde, le Dictionnaire des Peintres de L'école
de Paris, 1945-1965, est à ce jour un livre sans équivalent, qui prend acte de
la vitalité de la vie artistique à Paris et de ses peintres, certains célèbres,
d'autres en phase d'une reconnaissance désormais historique. MISE À JOUR 2010
par Clotilde Scordia 850 artistes cités 447 notices d'artistes avec
illustrations 536 pages, 170 x 225, couleur, isbn 978-2-8258-0241-0 0 prix de
vente ? 99.00 parution Mai 2010 Éditions ides et calendes évole 19 ch 2001
neuchâtel tél : + 41 (0) 32 725 38 61- fax : + 41 (0) 32 725 58 80
www.idesetcalendes.eu - info@idesetcalendes.eu

L'école de Paris 1945-1965 ; dictionnaire des peintres

Maria Papa Rostkowska (1923-2008) est une figure majeure de la Nouvelle Ecole de Paris. Le travail de cette artiste d'origine polonaise, de nationalité italienne mais résolument française de coeur se situe à mi-chemin entre l'abstraction et la figuration. Son langage plastique est une ode à la nature ; puisant dans les formes végétales, minérales et hybrides, ses sculptures sont une invitation à la contemplation et à une certaine quête de bonheur. Elle développe des thèmes qui lui sont chers : figure féminine, couple, famille, métamorphose, harmonie mais aussi guerre et luttes traversent son art. Travaillant principalement le marbre en taille directe, Maria Papa Rostkowska a fait de sa vie un manifeste pour l'art. Le catalogue met également en avant les correspondances plastiques entre ses sculptures et les dessins, collages et lithographies de Jean Arp (1886-1966), Emile Gilioli (1911-1977) et Marino Marini (1901-1980). Affinités, amitiés, voire " mariages artistiques ", chaque lien qui unit Maria Papa Rostkowska à ces artistes est unique.

Maria Papa Rostkowska et ses affinités artistiques - Jean Arp, Emile Gilioli, Marino Marini

Née en 1950, peintre, graveur et sculpteur autodidacte, Anana Terramorsi a inscrit son parcours sous le signe de la liberté, à partir d'une impérieuse vocation. A la fin des années soixante, elle s'affranchit des disciplines devenues contraintes pour expérimenter et découvrir d'autres formes d'expression. Sa parfaite connaissance des techniques traditionnelles - huile, aquarelle, gravure, monotype, maîtrise du dessin, taille directe l'amène à innover dans des matériaux inattendus : papier mâché, fil de fer, toile, fixé sous verre... et à passer alternativement du plan à la troisième dimension. A leur contact, son œuvre se vivifie et s'ouvre sur le monde, sur les autres. La figure humaine est au centre de son travail. Une récurrence du " Corps féminin comme mémoire " la conduit à travailler par cycles jusqu'à épuisement de son langage. " Corps de femmes " et " Corps subtils " se déclinent à la gouache, à l'encre de Chine ; les " Danses d'amour " racontent l'approche, la différence. Le thème des " Esprits rieurs " rappelle la métamorphose des images entreprise par Anana Terramorsi. " Visages " et " Signes du corps " expriment " sa " réalité. Tout son œuvre tend à un équilibre entre instinct et raison.

Anana Terramorsi

Georges Mathieu, décédé en 2012, était né en 1921 à Boulogne-sur-Mer. Il fut l'un des maîtres de la peinture du XXe siècle, créateur de l'Abstraction lyrique. Son esthétique est indissociable d'une éthique et d'une métaphysique qui remettent en cause le système de pensée, de Platon à Heidegger, sur lequel repose le monde occidental. Le combat qu'il mène depuis plus d'un demi-siècle contre l'humanisme cartésien se traduit picturalement par la primauté du geste sur la pensée.
Inventeur de signes, ceux-ci précèdent le sens pour une inversion sémantique qui bouleverse notre vision millénaire de la peinture. Sa dialectique picturale postule l'improvisation, la spontanéité, la vitesse requises au nom de l'imaginaire, de l'inconnu et du risque qui ont pour conséquence immédiate sa pratique, novatrice, de peindre en public des toiles gigantesques dans un temps record. Mathieu renoue avec la démarche des grands mystiques (Saint-Jean de la Croix) comme avec celle des peintres orientaux. Le public japonais reconnaîtra très tôt dans le peintre, un des siens. Acteur insigne de l'aventure abstraite des années 50 et ordonnateur des grandes expositions historiques qui révèlent Wols et Pollock et confrontèrent pour la première fois peinture américaine et peinture française, Mathieu a poursuivi son parcours en solitaire. Dès 1958, des rétrospectives ont lieu dans le monde entier, alors que des expositions sont organisées dans les plus importantes galeries françaises et internationales. Peintre, écrivain, philosophe, il milite avec une ardeur peu commune pour une prise de conscience ouvrant sur une entreprise spirituelle, pour une " renaissance de demain ", dont témoignent dès 1972 ses livres, parmi lesquels le plus récent " désormais seul face à Dieu " (1998). Georges Mathieu, le premier, a osé ce " saut dans le vide " revivifiant l'énergie primitive à partir des fulgurances des signes, de la prolifération des taches et du déchaînement flamboyant des couleurs, pour un art prophétique.

Georges Mathieu

MATHIEUpar Lydia HarambourgGeorges Mathieu, décédé en 2012, était né en 1921 à Boulogne-sur-Mer. Il fut l’un des maîtres de la peinture du XXe siècle, créateur de l’Abstraction lyrique. Son esthétique est indissociable d’une éthique et d’une métaphysique qui remettent en cause le système de pensée, de Platon à Heidegger, sur lequel repose le monde occidental. Le combat qu’il mène depuis plus d’un demi-siècle contre l’humanisme cartésien se traduit picturalement par la primauté du geste sur la pensée.Inventeur de signes, ceux-ci précèdent le sens pour une inversion sémantique qui bouleverse notre vision millénaire de la peinture. Sa dialectique picturale postule l’improvisation, la spontanéité, la vitesse requises au nom de l’imaginaire, de l’inconnu et du risque qui ont pour conséquence immédiate sa pratique, novatrice, de peindre en public des toiles gigantesques dans un temps record. Mathieu renoue avec la démarche des grands mystiques (Saint-Jean de la Croix) comme avec celle des peintres orientaux. Le public japonais reconnaîtra très tôt dans le peintre, un des siens. Acteur insigne de l’aventure abstraite des années 50 et ordonnateur des grandes expositions historiques qui révèlent Wols et Pollock et confrontèrent pour la première fois peinture américaine et peinture française, Mathieu a poursuivi son parcours en solitaire. Dès 1958, des rétrospectives ont lieu dans le monde entier, alors que des expositions sont organisées dans les plus importantes galeries françaises et internationales. Peintre, écrivain, philosophe, il milite avec une ardeur peu commune pour une prise de conscience ouvrant sur une entreprise spirituelle, pour une « renaissance de demain », dont témoignent dès 1972 ses livres, parmi lesquels le plus récent « désormais seul face à Dieu » (1998). Georges Mathieu, le premier, a osé ce « saut dans le vide » revivifiant l’énergie primitive à partir des fulgurances des signes, de la prolifération des taches et du déchaînement flamboyant des couleurs, pour un art prophétique.

Né en 1920, Olivier Debré est l’un des artistes le plus personnel du mouvement abstrait « lyrique » qui s’épanouit à Paris autour des années cinquante, terme auquel il lui préfère celui « d’abstraction fervente ». Tout son oeuvre, élaboré depuis 1944, témoigne de sa quête du réel entièrement revécu, où le paysage à la fois mental et sensuel relève son désir d’espace et de mouvement, comme l’expriment les toiles monumentales de ces dernières années et notamment les rideaux de scène pour la Comédie Française et le théâtre des Abbesses à Paris. Ce rapport à la monumentalité lui a fait aborder la sculpture dès 1962 ainsi que l’architecture. Signe Personnage puis Signe paysage traduisent une réalité physique de la peinture qui ne serait selon Debré « que du temps devenu espace ». Quand il ne voyage pas, il vient se ressourcer sur les bords de la Loire, dans la propriété familiale des Madères. En peignant « dans la nature je traduis l’émotion qui est en moi devant le paysage, mais pas le paysage » dit-il. Cette quête d’une poésie de la nature, Olivier Debré en a fait une éthique de vie.

Olivier Debré

Prix de Rome en 1953, André Brasiller s'inscrit dans une tradition de la peinture française. Peintre de la mesure et de la lumière, il entretient depuis l'École des beaux-arts un dialogue incessant avec les maîtres, au Louvre comme dans les musées qu'il découvre lors de ses nombreux voyages. Sa démarche créatrice donne la priorité au sujet, pour une réflexion picturale en attente de propositions plastiques constamment renouvelées. Sa terre natale angevine, Vallauris et le golfe de Juan-les-Pins, Loupeigne-en-Tardenois, sont autant d'ateliers pour André Brasilier qui y développe les thèmes récurrents du cheval, et celui, emblématique, de Chantal, son épouse, incarnation de la femme intemporelle et éternelle. En profonde osmose avec la nature, il y puise l'essentiel de son langage servi par une palette fervente identitaire (les bleus, les verts, le rose) et un dessin ajusté au plus près de sa sensibilité. L'ivresse secrète devant les magies orchestrées par les beautés naturelles déclenche une vision élégiaque, ravivée par les complémentaires, jaune et vert, pour des épousailles sonores, auxquelles est particulièrement attentif André Brasilier, grand amateur de musique. Ces équivalences plastiques et chromatiques sont au cœur de sa peinture. Dans sa quête inlassable d'un humanisme fusionnel, Brasilier s'attache à rendre visible l'invisible. Reconnu internationalement, il expose régulièrement en France et à l'étranger.

Adolphe Pétérelle - 1874-1947

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