La lumière parle - Lumières, reflets, miroirs : du Moyen Age à l'art vidéo

Rassemblant les contributions d'historiens de l'art et de philosophes, l'ambition de cet ouvrage est de réinterroger le modèle qu'a constitué le discours philosophique pour l'art et la théorie de l'art au XVIIe siècle. Quels sont les emprunts (ou les oublis), les choix et les découpes opérés entre les deux champs ? Quels sont les modes et les formes d'appropriation d'un discours par l'autre ? Dans quelle mesure les principes, règles et raisons qui organisent la pratique artistique peuvent-ils valoir comme théorie de l'art ? L'effort théorique peut-il être considéré comme une alternative ou un substitut à la pensée philosophique ? L'activité artistique est-elle pensée alors comme une forme d'activité cognitive, parallèle à la philosophie ? Quelle est la place de l'illustration, des images et des théories de l'image dans la philosophie de l'époque moderne ? Quelle est la validité du modèle du Peintre-Philosophe ? Enfin, sous-tendant l'ensemble de ces contributions, de quelle écriture et de quels outils dispose l'histoire de l'art contemporaine pour penser les enjeux philosophiques et théoriques de ses objets d'études ?

L'artiste et le philosophe - L'histoire de l'art à l'épreuve de la philosophie au XVIIe siècle

A l'iconoclasme protestant des guerres de Religion, la Réforme catholique a opposé un ensemble de dispositifs - répressifs, festifs, artistiques mais aussi théoriques - qui sont ceux du " baroque " et de ses images. Car bien avant les doctrines artistiques académiques de la seconde moitié du XVIIe siècle français, le discours des controversistes et des théologiens catholiques est le lieu où s'est élaborée une première théorie des images dont la connaissance conditionne la compréhension de l'art religieux à l'époque moderne. Tentant de se fonder simultanément sur une herméneutique (la traduction et l'interprétation des épisodes clés de la Bible et de la Tradition), une sémiotique (l'association d'images de différents statuts symboliques), une métaphysique (la place accordée à l'image dans le processus de la création divine et dans l'économie chrétienne du salut), et une pragmatique (les fonctions et usages supposés des images), cette théorie échouera cependant à se constituer en un système unifié et décisif, révélant les usages ambigus du " pouvoir des images " par les catholiques. Introduction à une histoire des théories de l'image religieuse dans la France du XVIIe siècle, cet ouvrage s'attache aussi à la réception concrète de ces discours par les fidèles et, à travers l'analyse d'œuvres de Champaigne, Vouet, Poussin ou Mignard, aux pratiques effectives des artistes.

Le peintre chrétien. Théories de l'image religieuse dans la France du XVIIème siècle

La "subtile fluidité contemporaine" célébrée par Mallarmé, défenseur et critique perspicace de la mouvance impressionniste, est devenue aussi bien un objet central de réflexion pour la philosophie contemporaine qu'une caractéristique déterminante de la modernité artistique. Déjà associée aux productions de Watteau, Boucher ou Fragonard au XVIIIe siècle, la fluidité l'est aussi à celles de Turner, Hugo, et plus encore à Monet: le  "Raphaël de l'eau" (Antonin Proust) dont la "prodigieuse fluidité" (Ernest Chesnau) sera louée des origines du mouvement impressionniste jusqu'aux Nymphéas, décrites comme "un échange d'impondérables à travers des fluides" (Louis Gillet). Ce qui est à la fois un thème, une catégorie technique et stylistique, un concept esthétique déterminant pour l'impressionnisme et, plus largement, pour la culture moderne et contemporaine, est ici étudié grâce au concours d'historiens de l'art, de philosophes, de musicologues et de spécialistes de la littérature, de la photographie et du cinéma.

L'impressionnisme, les arts, la fluidité

Au moment où la tragédie lyrique entre en crise, Fontenelle se penche sur les questions de poétique et de dramaturgie musicale, faisant entendre la voix d'un Moderne convaincu de la puissance d'enchantement du spectacle offert par l'opéra et ses machines. A travers la réflexion de Fontenelle sur les formes génériques, à travers les reprises et les parodies de ses oeuvres, ce volume tente de comprendre comment ce moment de crise a pu être surmonté.

Du corpus à l'exégèse - Interpréter la peinture du XVIIe siècle en France

Dans le contexte de la Réforme catholique des XVIe et XVIIe siècles, le réaménagement des sanctuaires des églises devient l'un des programmes artistiques et religieux majeurs de l'époque moderne. L'édification de maîtres-autels monumentaux, associant peintures et sculptures dans une structure architecturale surmontant la table de l'autel et le tabernacle, vient manifester de façon spectaculaire la validité des principales croyances de l'Église menacées par " l'hérésie " protestante: présence réelle de la divinité dans le Saint Sacrement, culte des images, intercession des saints, validité des reliques, nécessaire médiation du clergé, etc. À travers l'étude du cas de Paris, où s'édifient durant la première moitié du XVIIe siècle plus d'une soixantaine de retables monumentaux, ce livre se propose d'aborder et de croiser certaines des déterminations fondamentales d'un tel objet: le maître-autel en tant que lieu de réalisation et de communication de la présence divine, en tant qu'objet " théorique " que se disputent discours religieux des clercs et discours professionnel des architectes, en tant qu'objet de perception et de dévotion pour les fidèles, en tant que " système d'images " producteur de discours et d'interprétations, en tant qu'objet d'investissements sociaux, et enfin en tant qu'objet matériel.

Le Saint des Saints - Maîtres-autels et retables parisiens du XVIIe siècle

La représentation picturale des différents fluides corporels - larmes, sang, lait, ou encore bave, excréments, sperme ou sueur - paraît pouvoir réaliser l'exceptionnelle conjonction de l'objet visé par le projet mimétique et de la matière employée. Ce qui est représenté, l'est avec l'élément même de la représentation et exalte visuellement ce qui en est l'essence : la liquidité, la fluidité, l'écoulement. 

 Une telle conjonction semble devoir écarter non pas seulement la signifiance des fluides, guère interrogés par l'histoire de l'art, mais jusqu'à l'intermédiaire qui semble nécessaire à la réalisation de la représentation : l'artiste, son pinceau et son art, coupables de réintroduire la forme trop maîtrisée, la ligne trop arrêtée, la matière figée. C'est, anecdote célèbre et l'un des mythes fondateurs de la peinture occidentale, l'origine de la fameuse « écume » du chien haletant de Protogenes, ou celle des chevaux d'Apelle ou de Néalcès évoqués par Pline, fluide organique complexe et instable dont l'impossible représentation fut finalement réalisée non par les moyens communs de l'art et l'intentionnalité usuelle de l'artiste mais par le « hasard » et la « fortune » du jet furieux d'une éponge, qui peint et dépeint simultanément, sur la peinture imparfaite : « C'est ainsi que, dans cette peinture, la chance produisit l'effet de la nature ».

 Ce défi représentatif est à nouveau relevé au XVIIe siècle par trois peintres qui s'illustrèrent alors par leur maîtrise de la peinture religieuse, de la peinture mythologique et du paysage : Philippe de Champaigne, Jacques Blanchard, et Claude Le Lorrain. Dans leurs oeuvres, la représentation des fluides, où s'origine toute une esthétique de la fluidité, de la liquidité, de l'écume, de la plasticité et de nos modernes « flux », convoquera simultanément la spiritualité, la mystique, l'érotique et la politique du Grand Siècle.

Esthétique des fluides ; sang, sperme et merde au XVII  siècle

L'inscription territoriale de l'impressionnisme, incontestable pour certains peintres ou certaines périodes de leur vie, apparaît difficilement conciliable avec la multiplicité de leurs déplacements et la diversité de leurs inspirations. Ce livre

L'impressionnisme : du plein air au territoire

Dans le contexte de la Réforme catholique des XVIe et XVIIe siècles, le réaménagement des sanctuaires des églises devient l'un des programmes artistiques et religieux majeurs de l'époque moderne. L'édification de maîtres-autels monumentaux, associant peintures et sculptures dans une structure architecturale surmontant la table de l'autel et le tabernacle, vient manifester de façon spectaculaire la validité des principales croyances de l'Église menacées par « l'hérésie » protestante: présence réelle de la divinité dans le Saint Sacrement, culte des images, intercession des saints, validité des reliques, nécessaire médiation du clergé, etc. À travers l'étude du cas de Paris, où s'édifient durant la première moitié du XVIIe siècle plus d'une soixantaine de retables monumentaux, ce livre se propose d'aborder et de croiser certaines des déterminations fondamentales d'un tel objet: le maître-autel en tant que lieu de réalisation et de communication de la présence divine, en tant qu'objet « théorique » que se disputent discours religieux des clercs et discours professionnel des architectes, en tant qu'objet de perception et de dévotion pour les fidèles, en tant que « système d'images » producteur de discours et d'interprétations, en tant qu'objet d'investissements sociaux, et enfin en tant qu'objet matériel.

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