Avec ce nouveau volume, Philippe Dagen, professeur d'histoire de l'art à la Sorbonne, critique d'art et écrivain, prend la suite des 4 volumes de«L'art français»d'André Chastel. Ici, une étude de l'art du XXe siècle en France, depuis l'avènement des fauves en 1905 jusqu'à aujourd'hui.

L'art français ; le XX siècle

Cet ouvrage reprend la plupart des entretiens que Philippe Dagen a menés avec des artistes d'aujourd'hui pour Le Monde. Comme explique l'auteur, être critique d'art du principal quotidien français lui a permis de rencontrer plus aisément de nombreux artistes en France, aux Etats- Unis, en Allemagne, en Grande-Bretagne ou en Espagne. Philippe Dagen les a choisis " hors de toute considération d'actualité immédiate ", mais en cherchant à aller voir dans toutes les générations et toutes les directions. C'est donc sa curiosité d'historien et de critique qui donne le ton de cet itinéraire au fil duquel apparaissent plus de soixante interlocuteurs. Certains ont disparu depuis lors, comme Bacon, Balthus, Louise Bourgeois ou Lichtenstein, mais la plupart sont vivants - et pour beaucoup très largement reconnus, de Christian Boltanski à Yoko Ono, d'Annette Messager à Gerhard Richter, de David Hockney à Bettina Rheims. Ne manquent à l'appel aucune des " stars " de l'époque, Jeff Koons, Maurizio Cattelan ou Ai Weiwei. Mais des créatrices et créateurs plus jeunes, moins connus - et tout aussi intéressants que les plus célèbres - sont là aussi. Philippe Dagen les a, chaque fois que cela a été possible, rencontrés chez eux, dans leur atelier, qu'il décrit tout en rapportant leurs conversations, souvent impromptues. Ils parlent d'eux, de leurs trajectoires, de l'actualité, de leur art - et de l'art en général. L'auteur, qui est parvenu à faire parler des artistes parfois réticents, a réuni ainsi une galerie de portraits qui est aussi un paysage instantané de l'art contemporain La réunion de ces entretiens est un document passionnant sur ce monde peu accessible.

Artistes et ateliers

Emil Nolde est l'artiste allemand le plus important de l'époque moderne. Après avoir achevé sa formation à Paris en 1899-1900, il élabore dans la première décennie du XXe siècle un style novateur qui est à l'origine de l'Expressionnisme allemand. La couleur, employée en toute liberté, le dessin, incisif et sans concession, sont au service d'une vision émerveillée et tragique, où s'expriment le sentiment de la nature et le mystère des origines. Attaché à sa terre natale du Schleswig, à la frontière germano-danoise, Nolde n'a pas hésité à rompre les amarres pour un voyage vers la Papouasie et la Nouvelle-Guinée qui marque son œuvre d'une humanité profonde et universelle. Sa peinture religieuse est probablement l'une des plus significatives de l'époque moderne. Nolde renoue avec une spiritualité archaïque où la joie et la douleur s'expriment avec une émotion sans retenue. Considéré par les nazis comme " artiste dégénéré " à partir de 1937, frappé d'une interdiction de peindre en 1941, Nolde se replie dans sa maison de Seebüll, où il continue en secret son œuvre. Réhabilité après guerre, il crée avec son épouse Ada une fondation qui lui survit, la Nolde Stiftung Seebüll. Le catalogue, qui réunit les contributions des meilleurs spécialistes de Nolde, français, allemands et anglais, une iconographie abondante et une chronologie détaillée, est la première publication complète en langue française sur l'artiste.

Emil Nolde

Alors que l'histoire des cultures est en cours de réécriture et ne peut plus être réduite à la chronique des avant-gardes occidentales, une notion est demeurée jusqu'ici à l'abri de toute révision critique : primitivisme. Si le mot est d'usage courant, la notion dont il est dérivé, primitif, ne saurait plus être employée. Aussi doit-on mettre à nu tout ce qu'il contient de sous entendus et de stéréotypes depuis que primitif, dans le dernier tiers du XIXe siècle, est une notion centrale de la pensée occidentale. 

Il est dès lors possible d'analyser les primitivismes en ce qu'ils sont des protestations contre le monde contemporain : pour la liberté des corps contre l'ordre moral bourgeois, pour la vie dans la nature loin des métropoles et des usines, pour la singularité de l'individu contre l'uniformité imposée par la société. 

Cet essai lie ouvres plastiques, ouvres littéraires et ouvrages d'anthropologie ou de psychiatrie - sans considération de pays ni de langues.

Primitivismes - Une invention moderne

L'exposition sera accompagnée d'un livre d'artiste édité en français et anglais. Cet ouvrage sera le résultat d'une forme hybride entre un livre d'artiste et un catalogue d'exposition. Trois textes viennent approfondir l'oeuvre d'Eric Manigaud — rapprochant l'ouvrage des catalogues d'expositions traditionnellement conçus — tandis que le cahier d'images inclura un travail graphique et une présentation inédite des oeuvres de Manigaud — le rapprochant ainsi d'un livre d'artiste. Né en 1971 à Paris Vit et travaille à Saint-Etienne. Agrégé d'arts plastiques, Eric Manigaud, en historien, exhume les premières photographies scientifiques témoignant d'un passé refoulé (première guerre mondiale etc) et se propose d'en révéler la part d'ombre par l'usage du crayon et du graphite, en dessinateur. Si l'artiste au moyen d'une projection par la lanterne magique s'emploie à calquer son dessin sur la photographie, favorisant ainsi, par cette représentation à première vue mimétique, une certaine confusion des mediums, son entreprise de création n'est pas réductible à une simple opération de retranscription. Par le recours à la mine de plomb, il renforce l'effet de réel, conférant ainsi une certaine densité à l'ombre et offrant ainsi à ces individus l'épaisseur leur permettant de prendre corps. Mais par cette technique et le geste qui lui est associé, il esquisse aussi les contours vacillants de l'ombre, tentant de figurer un espace transitoire entre lumière et obscurité, vie et mort, la figuration de ces individus qui semblent dans un entre-deux ontologique confine ainsi à l'irréel. De ces images caractérisées par l'objectivité de la capture photographique, il fait émerger, en portraiturant mutilés de guerre, individus malades, internés, la subjectivité. Il propose au regardeur de reconsidérer ces individus dont la défiguration tient surtout au filtre déformant que l'on appose sur eux. Cette mise à distance induite par un sentiment d'étrangeté se mue en un mouvement de recul propice à la prise de conscience de notre intolérance vis à vis de ce que l'on considère comme une déviance à la norme. Eric Manigaud met ainsi au jour la part d'ombre de notre humanité en faisant de ces âmes sondées au moyen de ses dessins un miroir qu'elle se tend à elle-même.

Eric Manigaud - La mélancolie des vaincus

Picasso est l'un des artistes les plus brillants de sa génération : extrêmement prolixe, il s'est adonné à de multiples techniques différentes, de la peinture à la sculpture, en passant par la céramique ou la tapisserie et bien sûr l'illustration sous toutes ses formes – dessin, lithographie, gravure, en petits et en grands formats, en couleur et en noir et blanc... Ce travail d'illustration forme un ensemble hétéroclite et protéiforme, représentatif de son oeuvre toute entière. Picasso a collaboré sa vie durant à un grand nombre de livres illustrés – et pourtant, cette activité est restée bizarrement assez peu connue. Amateur de livre et d'écriture, de mots et de jeux graphiques, Picasso a rencontré de nombreux auteurs de son temps : Apollinaire, l'un des ses compagnons les plus proches, mais aussi Max Jacob, André Breton, Paul Eluard, René Char, Pierre Reverdy parmi les plus connus. Il a aussi illustré des grands classiques, comme Ovide, Aristophane, Buffon, Balzac ou Mérimée. Enfin, il a collaboré à des ouvrages de tauromachie, sa grande passion, ainsi qu'à des revues littéraires et artistiques ou à certains journaux, notamment communistes en raison de son engagement politique. A travers ces illustrations, c'est finalement toute la palette de Picasso qui apparaît depuis les inspirations cubistes, africaines, surréalistes jusqu'à un expressionnisme ludique, cocasse et provocateur...

Picasso

Cet ouvrage réuni les notes manuscrites de Rose Valland-(1898-1980) accompagnées d'un appareil critique et documentaire. A partir de mars 1941, Rose Valland, attachée de conservation au musée du Jeu de Paume, est l'unique témoin français des exactions perpétrées par une organisation culturelle du parti nazi dirigée par le ministre du Reich Alfred Rosenberg, sous l'autorité personnelle d'Adolf Hitler. La mission principale de l'Einsatzstab Rosenberg (E.R.R.) consiste dans le repérage et la confiscation des collections d'oeuvres d'art juives - mais pas uniquement-, en France, Belgique, Luxembourg et Pays-Bas : le pillage des galeries d'art, des commerces d'antiquités et des habitations particulières mais également l'enlèvement de maints dépôts faits en banque. Grâce à Rose Valland, le quotidien ignoble de la spoliation apparaît ici au grand jour.

Les carnets de Rose Valland - Le pillage des collections privées d'oeuvres d'art en France durant la Seconde Guerre Mondiale

Faisant suite aux Carnets de voyage 1948-1952 parus aux éditions Albin Michel en octobre 2006, L'Encre, l'Eau, l'Air, la Couleur réunit une sélection d'encres de Chine et d'aquarelles de Zao Wou-Ki réalisées entre 1954 et 2007 qui font l'objet d'une exposition au musée de l'Hospice Saint Roch d'Issoudun à partir de juin 2008. Cette oeuvre sur papier, moins connue que l'oeuvre peinte, est émouvante de fragilité, de légèreté. Elle est nuée et vapeur, elle flotte et fuit, en nous offrant l'occasion de prendre du champs, d'échapper à la pesanteur. "Montrer en dissimulant, briser et faire trembler la ligne directe, tracer, en musant, les détours de la promenade et les pattes de mouche du pinceau rêveur, voilà ce qu'aime Zao Wou-Ki, et, tout à coup, avec le même air de fête qui anime campagnes et villages chinois, le tableau apparaît, frémissant joyeusement et un peu drôle dans un verger de signes" , écrivait Michaux en découvrant le travail de ce tout jeune Chinois fraîchement arrivé en France et qui allait devenir son grand ami.

L'encre, l'eau, l'air, la couleur - Encres de Chine et aquarelles 1954-2007

Mémoire : ce mot ne cesse de résonner dans la langue d'aujourd'hui. Ses acceptations sont nombreuses. Ainsi, y aurait-il des " devoirs de mémoire " : lyrismes consensuels, hommages respectueux, fabrication d'une histoire commune et normalisée. Ainsi, y a-t-il les " mémoires " que l'on stocke dans d'incompréhensible machines, que l'on diffuse au long d'interminables réseaux - mémoires codées, compressées, numérisées en quoi sont convertis les textes, les images, les sons et les chiffres, surtout les chiffres. " Read Only Memory " - ne lit que de la mémoire : c'est ce que signifie le ROM et le CD-Rom. Pendant ce temps, musées et bibliothèques sont devenus l'exercice préféré des architectes  et les symboles monumentaux des hommes politiques. Pendant ce temps, la commercialisation de morceaux de ces mémoires est devenue une industrie majeure, protégées par des lois de ce qui menace ses profits : la copie, la contrefaçon - encore des reproductions, encore des répétitions. En sommes-nous définitivement les consommateurs captifs ? Nos mémoires individuelles ont-elles été définitivement remplacée par une mémoire universelle et anonyme ?

L'art français ; le XX siècle

Résumé

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