D'un lien de parenté réel naît une autofiction qui mêle tour à tour le journal intime, les considérations, la nouvelle, et la correspondance amoureuse. Diane et Antoine ne se parlent que de ce qui les intéresse. L'amour, la mort, le monde de l'art. Leur dangereuse liaison dévoile l'incroyable modernité d'un Watteau confronté aux courants actuels de l'art contemporain : modes autobiographiques, innovations, esbroufes.

CONVERSATION AVEC WATTEAU

La question de l'intime dans l'art n'a cessé d'être commentée, critiquée, voire censurée. Pourtant les expositions et les ouvrages, sur ce thème, offrent encore bien une image de l'état des mentalités actuelles. Qu'ils s'appuient sur la fiction ou la caricature, les scénarios nous invitent tous à regarder ce qu'il n'est pas permit de voir publiquement, ce qui n'est pas racontable. Corps, parties de corps, identités, genres, sexes... L'intime serait par définition indicible et sans morale. Le plus intérieur, intimus, il est lié aux secrets, aux scandales, aux menaces et à la surveillance. Tout montrer, tout dire procèdent de tentatives impossibles: elles restent cependant des fantasmes explorables par les artistes. Plus loin. Plus haut. Trop voyeurs. Trop pudiques. Trop silencieux. Autoportraits, autofictions, récits de soi, corps désirées, affamés, manqués, secrets enfouis, étalés, pornographies, corps mourants, malades... Ces confrontations d'images nous permettront de souligner que l'intime (et ses définitions multiples) ne se laisse toujours pas border et poursuit son rôle de grand perturbateur du réel; les intrusions, discrètes, ou parfois, figures d’effractions, manifestent que l'intime dans l'art contemporain représente toujours une façon de traverser les frontières et de les mettre en crise, bien au-delà des frontalités entre ancien et actuel. Un point de résistance politique?

Vivre l'intime (dans l'art contemporain)

La conférence dans l'art allie geste, texte et image en se réappropriant les formes discursives que sont les lectures, les visites guidées, les allocutions inaugurales, les cours magistraux sous forme de digressions poétiques, de conférences dansées et de théorisations théâtralisées ou filmées dans lesquelles la figure de l'expert est incarnée par l'artiste lui-même.  En assimilant ainsi dans l'art des éléments propres à la transmission des savoirs, au discours du savant ou du « maître », l'artiste métamorphose le rapport entre art et discours, le temps d'un moment partagé avec le public. De l'auteur/artiste au spectateur/ élève, l'expérience irrigue la perception et la connaissance vers une autre prégnance du réel.  Les textes rassemblés ici portent sur les enseignements de la conférence performance, du discours dans l'art et sur l'art, en faisant un détour sur la théâtralisation de la plaidoirie. Que nous apprennent ces performances ? Qu'apporte l'art au discours et à l'enseignement ?  Outre une mise en question du rôle de l'enseignant, ces performances montrent l'importance de la présence de l'enseignant. La présence est à comprendre dans les deux sens du terme : le premier sens focalise sur la capacité à « avoir de la présence » pour capter l'attention du public, s'imposer, et le second sens, comme présence et rencontre entre différents acteurs, dans ce moment particulier où les visioconférences se multiplient dans la sphère de l'enseignement.  Ainsi, ces conférences bousculent-elles notre passivité pour redonner souplesse et créativité à notre présence au monde.

Les enseignements de l'artiste en conférencier

Cette monographie sur l'ouvre de Dominique De Beir retrace son parcours, de 1996 à aujourd'hui. Le livre s'ouvre avec les peintures de la série Altération : « .Accroc et Altération, dans les deux cas, une accroche, un incident, une blessure, une ruine, un défaut. » (Notes d'atelier, 2016). Est ensuite abordé le glissement du plan à la troisième dimension, en montrant des volumes et installations réalisés pour des espaces spécifiques. Enfin, sont présentés différentes expérimentations sous la forme de dessins et de livres à partir du matériau de prédilection de l'artiste, le papier. Par l'aléatoire du geste et de la trace, Dominique De Beir se concentre sur des pratiques d'inscription et de marquage, entre surface et profondeur, dont elle explore l'impact physique, la densité, le rythme.

Dominique De Beir

L'école résonne dans l'art. Des artistes inventent des fictions sur l'école et posent des questions fondamentales concernant l'apprentissage, l'exclusion et la liberté. Pourquoi et comment l'artiste met-il en jeu cet univers écolier ? Quelles relations l'art entretient-il avec l'enseignement ? Nous verrons, à travers l'analyse d'oeuvres, comment l'artiste, en partant de représentations écolières, déplace les représentations artistiques et déconstruit son système de valeurs.

L'école dans l'art

Historiens, philosophes, psychanalystes ainsi que plasticiens présentent dans la première partie de ce livre différentes expériences d'enfermement. Les auteurs analysent systèmes carcéraux, sociétés de surveillance, désarrois psychiques, oeuvres closes sur elles-mêmes et oeuvres "enfermantes" comme des alertes contre toutes formes d'enfermement. Ces situations résonnent d'ailleurs étrangement depuis l'épreuve commune d'isolement sanitaire nommée "confinement" que nous avons vécue. En effet, en mars 2020, tandis que nous rédigions l'introduction de cet ouvrage, le gouvernement, pour faire face à la pandémie de Covid-19, imposa une restriction des déplacements au strict nécessaire, ce qui contredisait les principes de liberté élémentaire et réduisait notre domicile en un lieu de claustration. C'est pourquoi, pour la seconde partie du livre, nous nous sommes adressés à des artistes afin d'examiner l'effet de l'enfermement sur la création. Publié suite à l'exposition Enferments au Musée d'art et d'histoire Paul Eluard de Saint-Denis et au colloque éponyme organisé par l'Institut ACTE, Ecole des arts de la Sorbonne, Université Paris 1, en 2019.

CONVERSATION AVEC WATTEAU

Résumé

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