Claude Cahun, l'antimuse

C'est l'histoire d'une rencontre méconnue, oubliée, entre le père de la Négritude et le leader de l'avant-garde artistique. Le poète martiniquais et le peintre espagnol font connaissance dans les toutes premières années de l'après-guerre. En 1948, Césaire et Picasso participent au Congrès des intellectuels pour la Paix, entre les ruines du ghetto de Varsovie et les vestiges des camps d'Auschwitz et de Birkenau, séquelles d'un monde qui a basculé dans l'horreur. D'où leur récent engagement politique dans les rangs du PCF. D'où peut-être aussi le titre du recueil de poèmes de Césaire, Corps perdu, qu'illustre Picasso en 1949 ; seul témoignage de la connivence qui s'est instaurée entre Césaire, alors maire de Fort-de-France et député de la Martinique, et Picasso, l'inventeur de la célèbre Colombe de la Paix.
Les deux irréductibles se reconnaissent une même liberté créatrice, refusant de suivre les directives du Parti en matière d'art. Par delà, ils se découvrent des attaches avec le surréalisme et l'Afrique. Pour le poète, descendant d'esclaves en quête de son identité perdue, se tourner vers l'héritage africain est le seul moyen de recouvrer sa dignité et mettre à jour la spécificité antillaise. L'Espagnol, qui souhaite au contraire rompre avec ses racines, utilise l'art africain pour renouveler son expression formelle, mais aussi pour dénoncer la barbarie de son siècle. Si leur démarche est inverse, ils unissent leurs tourments le temps d'un livre. C'est la rencontre du volcan et du minotaure. Picasso plonge dans l'univers poétique de Césaire, tout à la fois luxuriant et débridé, pour lui offrir quelques fétiches immémoriaux. En écho à l'intolérable condition imposée au Noir, mi-homme, mi-bête, que décrit le poète, le peintre imagine des hybridations explosives de sève, femmes-fleurs, hommes-plantes, sexes-racines... En 1950, Corps perdu paraît en édition de luxe à tirage limité, réservée depuis plus de soixante ans aux seuls bibliophiles ; cet ouvrage est une occasion unique de redécouvrir la poésie de Césaire illustrée par Picasso.

Césaire & Picasso - Corps perdu, Histoire d'une rencontre

Le passage d'Alberto Giacometti dans le groupe surréaliste d'André Breton dure à peine cinq ans, pendant lesquels il s'affirme comme l'un des artistes les plus innovants du mouvement. Ses recherches plastiques engagées autour de l'érotisme, du jeu, de l'onirisme et du hasard objectif, ainsi que ses écrits publiés dans les revues du mouvement surréaliste, le distinguent parmi les membres les plus actifs. Si l'aventure surréaliste s'arrête pour Giacometti en 1935, son amitié pour Breton perdure de longues années et ses compagnons de l'époque resteront proches de l'artiste.
Cet ouvrage propose, à travers de nombreux documents inédits et notamment des extraits de la correspondance entre le sculpteur et l'écrivain, de resituer l'importance de la relation de deux figures majeures du XXe Siècle.

Alberto Giacometti, André Breton, amitiés suréalistes

Souvent associé à un simple mouvement pictural, le surréalisme est une formidable aventure humaine initiée par des poètes, peu à peu rejoints par des peintres. Tous unis autour de l'image. Les œuvres surréalistes apparaissent dès les années 1920. Réalisées par des peintres - Man Ray, Max Ernst, puis Salvador Dali - et par des poètes - Paul Eluard, André Breton, Robert Desnos - elles témoignent de leurs préoccupations essentielles : manipuler les apparences, créer des images insolites, libérer l'imagination, inventer un langage poétique, modifier nos relations à l'œuvre d'art. A partir de douze tableaux choisis, l'ouvrage propose une nouvelle approche du surréalisme en montrant l'étonnante diversité - stylistique et technique - des œuvres. Il permet de redécouvrir le rôle prééminent du surréalisme et son éternel pouvoir subversif tout au long du XXe siècle.

Le Surrealisme. La Revolution Du Regard

"Le surréalisme, c'est le règne de l'imaginaire" , "Les surréalistes se sont alliés aux communistes" , "Les surréalistes ont cultivé le scandale et la provocation" , "L'écriture automatique, c'est n'importe quoi" , "Les surréalistes n'ont jamais réussi à s'entendre" , "Le surréalisme, c'est la fin de la littérature" ... En partant d'idées reçues qui ? gent le surréalisme en un mouvement monolithique, Anne Egger s'attache à montrer la diversité stylistique et technique des modes d'expressions surréalistes et l'éclectisme de ce courant qui fut l'un des plus importants du XXe siècle.

Les Surréalistes - Occasion

L'ouvrage recueille la voix de l'artiste russe Marie Vassilieff, (Smolensk, 1884 - Nogent-sur-Marne, 1957), qui a dicté ses mémoires à sa meilleure amie, Jeanne Bayes. Marie Vassilieff est un digne témoin de son époque dont elle décrit les joies et les peines, les hauts et les bas, d'une vie foisonnante mais parfois difficile. Son talent éclectique et son charisme unique la ren- dent populaire. Sa générosité naturelle la porte à se- courir, entre 1914 et 1918, les plus pauvres jusqu'à transformer son propre atelier en cantine et même en refuge. S'y retrouvent pour manger et danser tous les plus grands artistes de son temps : Picasso, Braque, Modigliani, Foujita, Soutine, Pascin, Matisse, Cendrars, mais aussi des bolcheviques - Lénine et ses amis qui construisent à Paris la Révolution. La vie de la jeune artiste russe ressemble à un roman pittoresque. Le tapuscrit, très endommagé par le temps, a été analysé, en partie restauré et annoté par Anne Egger, docteur en Histoire de l'art.

Vassilieff

De Bruegel l'Ancien à Vermeer, Rubens, Rembrandt ou Frans Hals, comme de Van Gogh, Mondrian à Khnopff ou Ensor, la peinture flamande, wallone et hollandaise occupe une place primordiale : elle lui est donc réservée dans ce volume, qui débute en 1520. Pourtant, l'architecture, avec les célèbres maisons étroites, toutes de briques, d'Amsterdam ou d'Anvers, jusqu'aux compositions d'Horta, n'est pas en reste. La part belle est aussi donnée aux faïences de Delft, aux cabinets hollandais du XVIIe siècle, au mobilier de Van de Velde, etc.
Cette culture est le fruit de deux nations, dont l'histoire fut d'abord commune. Avec la naissance de la Belgique, au XIXe siècle, les " Pays-Bas " de Charles Quint se scindèrent en deux nations ; l'histoire de l'art suivit alors l'histoire politique en distinguant la " terre de Rembrandt " de celle " de Rubens ". Les artistes et les œuvres circulaient de l'une à l'autre, dépassant souvent ces frontières pour s'enrichir d'influences étrangères. Ainsi, le renouveau des formes amorcé en Italie à la Renaissance se reflétait dans l'art des Néerlandais des XVIe et XVIIe siècles tandis qu'eux-mêmes, admirés dans la péninsule comme en Espagne et jusqu'en Amérique latine, influencèrent les arts anglais, scandinave et allemand.
Anvers, puis Amsterdam, Bruxelles, Malines furent de grands foyers artistiques. L'opulence s'y traduisait par une création picturale exceptionnelle qui, soutenue par des collectionneurs privés, allait apporter des genres nouveaux : la nature morte, le paysage ainsi que la représentation de la vie quotidienne. Elle fit fleurir maisons, églises, bourses et édifices publics comme en témoignent encore Bruges ou Gand.
Quant aux arts décoratifs et à la sculpture, ils s'épanouirent au XIXe siècle, grâce à une croissance industrielle indéniable et à l'apparition de matériaux modernes. Enfin, le symbolisme et l'Art nouveau ouvraient la voie aux mouvements du XXe siècle.
Pour embrasser ce pan essentiel de l'art européen, nous avons fait appel au professeur Thomas DaCosta Kaufmann, de l'université de Princeton, qui a réuni une équipe d'éminents spécialistes néerlandais, belges et français.

Claude Cahun, l'antimuse

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