De longues absences suivi de Treize poèmes d'hiver en Corrèze

Vincent Bebert, né en 1980, suit son mouvement intérieur qui le pousse vers la peinture et la nature. Le monde du dehors, la nature, lui apparaissent comme des défis à relever. Il a posé tout son « barda » dehors et a travaillé avec jubilation en Bavière, dans les Alpes, au bord de l'Atlantique ou en Ardèche, au pont d'Aleyrac... En lutte avec les éléments, avec la pluie, le vent, l'espace et aussi avec lui-même. Les échanges entretenus avec des « aînés » durant son cheminement l'ont nourri, notamment avec Alexandre Hollan depuis 2005 et avec Sam Szafran de 2013 à 2019. Plusieurs galeries parisiennes lui ont consacré des expositions personnelles. Cette résidence d'été à la Fabrique du Pont d'Aleyrac permet de découvrir ses dernières toiles. Alain Madeleine-Perdrillat, historien de l'art, analyse et décrit avec attention le travail de ce peintre de plein air dans une tradition de « la peinture toujours recommencée ».
 
« Partout se perçoit une véhémence, sinon même une sorte d'acharnement de l'artiste, non à l'égard du motif, qui paraît n'importer que secondairement, mais avec la peinture elle-même, comme si celle-ci l'emportait irrésistiblement, sans qu'il cherche à lui opposer beaucoup de résistance... » Alain Madeleine-Perdrillat.

Vincent Bebert : la peinture toujours recommencée

Alain Madeleine-Perdrillat met son érudition au service d'une peinture exposée au musée des beaux-arts d'Arras : La Mort des enfants de Béthel de Laurent de La Hyre. Le titre est incertain mais qu'importe, car si la scène apparaît étrangement paisible, c'est que La Hyre s'est attaché à peindre une "impression poétique" de la mort, seule représentation possible de son caractère inéluctable et mystérieux. L'auteur exprime avec justesse son émotion devant ces ruines et ces corps sans vie qui, s'ils suggèrent la fuite du temps, conservent à jamais la mémoire des défunts.

La Mort des enfants de Béthel - Une lecture de La Mort des enfants de Béthel, 1653, de Laurent de La Hyre, musée des beaux-arts, Arras

Un dimanche avec Cézanne - Occasion

Il faut fermer les yeux pour les ouvrir dans les yeux dégrisés de Lucy Vines. Dégrisés car revenus de tout et d'ailleurs où règne le mal. Ils nous donnent à voir des créatures, femmes dépouillées et pensives et quelques-uns de leurs enfants. A les regarder avec insistance on pénètre dans cette contrée silencieuse où, disait Apollinaire, règne la bonté. Et Lucy Vines prend dans sa peinture le risque de la bonté. Sa manière à rebours, le choix des supports, des formats et des fonds, la perfection de sa facture, tout, chez Lucy Vines, manifeste une exigence intranquille. Que le poète mexicain, Homero Aridjis ait réussi à la présenter accompagnée des textes du poète Jean-Paul Michel, et de ceux de Alain Madeleine-Perdrillat et de François Lallier, était d'autant plus nécessaire que, difficile à apprivoiser, l'oeuvre de Lucy Vines s'enfuit quand on l'approche de trop près. Mais contemplée, "elle nous atteint physiquement", ces mots sont de Borges, "comme la proximité de la mer".

Lucy Vines

Un dimanche avec Vermeer

La collection En regard vise à faire connaître au public, au moyen de livres soignés comme ceux que publient les Editions Conférence (environ 130 titres à ce jour, littérature, arts, architecture, philosophie, poésie) des peintres contemporains attachés à la figuration par un choix d'une soixantaine de reproductions accompagné de deux textes adoptant des points de vue sensiblement différents. L'idée générale n'est pas de défendre la figuration en un temps où elle pourrait paraître " dépassée " - son glorieux passé parle assez pour elle -, mais de montrer, sur pièces, qu'elle recèle toujours des ressources merveilleuses, qu'à vrai dire elle n'a cessé de receler. Et qu'elle n'a jamais connu de dernier mot. Puis, si l'on considère avec inquiétude que tout ce qui pouvait, dans les arts visuels, être détruit ou ridiculisé, l'a été, et même avec surabondance - ce qui n'est très probablement pas sans conséquence sur la qualité du regard que nous portons sur le monde et, par suite, de notre présence en son sein -, la situation ne peut être tenue pour irrémédiable et la moindre nature morte ou le moindre paysage de qualité aperçu dans un musée renoue d'un coup un fil qui jamais ne saurait être tout à fait rompu, la nature, les prés, les arbres, les collines, l'horizon, les choses mêmes s'entêtant à conserver intacts formes et couleurs - obstination difficile et menacée, du reste, par les données les plus concrètes de la réalité. Et c'est toujours une joie singulière de les retrouver vraiment reconnues et correctement traitées : de les savoir aimées. Or, il est aujourd'hui des artistes dont l'oeuvre témoigne de cette patience et de cette attention toujours actuelles ; qui " travaillent ", en effet, avec discrétion (et ce que ce mot suppose de discernement), et qui, du reste, sont comme contraints à la discrétion par l'état dominant, souvent très idéologique, des propos sur l'art et des institutions artistiques - lesquelles imposent objectivement un goût, orientent des carrières, à commencer par ceux dont les fonctions ne peuvent se développer et s'exercer qu'à proportion de cette structure dominante, et dans le service presque exclusif de celle-ci. En sorte qu'il paraît procéder d'un simple souci de justice sereine que de donner voix et visibilité à de tels travaux, lesquels existent dans leur ordre propre, qu'il serait à aussi vain que discutable de balayer d'un revers de main au nom d'un sens de l'histoire prétendu tel par ceux qui ont intérêt, dans le " champ artistique ", à le désigner ainsi. La question, du reste, de la pertienence historique des formes est suffisamment épineuse pour qu'elle ne reçoive pas de réponse toute faite, et pour qu'elle demeure librement posée. Peintre de paysages et de natures mortes, Marlyne Blaquart pratique un art discret, et l'on voudra bien se souvenir que cet adjectif, à côté de son sens courant comme du sens étymologique que nous avons rappelé, peut signifier " qui témoigne de retenue, de réserve ". La nature qu'elle représente paraît intacte, presque toujours exempte de tout signe qui rappellerait l'activité humaine : pas de routes, à peine des chemins, pas de poteaux télégraphiques ou électriques, pas de véhicules - et quand un bâtiment paraît, c'est au loin ou noyé dans la verdure. Pour autant, ces paysages sont très réels, décrits avec précision, aucunement oniriques. On retrouve cette justesse dans les natures mortes de l'artiste, pour lesquelles un seul fruit suffit souvent, la composition important moins que la recherche d'une certaine qualité de présence par la saisie de subtiles variations de couleurs : d'une sorte d'évidence sensuelle qui accomplirait parfaitement l'acte de peindre. Les deux auteurs de ce livre s'attachent à comprendre le sens d'une telle recherche, qui assurément paraît hors des sentiers battus aujourd'hui.

De longues absences suivi de Treize poèmes d'hiver en Corrèze

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