Cette monographie explore l'univers du peintre, éclaire l'unité sous-jacente des thèmes qui le constituent et étudie la poétique de l'oeuvre.

Delacroix - peindre contre l'oubli-l'enfer et l'atelier - illustrations, couleur

Catalogue de l'exposition du musée d'Orsay de Paris du 5 avril au 3 juillet 2011.

Manet, inventeur du moderne

Prix d'Académie 2022, décerné par l'Académie française.
Prix SNA du livre d'art 2022.

Une monographie complète sur Gustave Caillebotte (1848-1894), richement illustrée de près de 200 reproductions. Le peintre de la vie moderne, tel que Baudelaire le rêve en 1846, n'est-ce pas lui ? N'est-ce pas Gustave Caillebotte (1848-1894) qui, trente ans plus tard, comblera cette attente ? Ce livre est né de cette interrogation et de ce qu'elle implique dans la relecture en cours de notre modernité.
D'abord relégué aux marges de l'impressionnisme, Caillebotte s'est vu revaloriser de manière éclatante depuis les années 1970. Artiste singulier, poète méthodique du Paris d'Haussmann, grand observateur du jeu amoureux, héros du yachting, fou de fleurs et de jardins, capable de tout peindre par horreur des redites, il joua un rôle crucial à d'autres titres. Collectionneur précoce des impressionnistes, il fut aussi l'organisateur de leurs expositions à partir de 1877.
Lorsque  Les Raboteurs de  parquet, refusés au Salon, firent sensation en 1876 à la deuxième exposition impressionniste, Caillebotte n'était pas le complet débutant qu'on voyait en lui. Au lendemain de la guerre franco-prussienne, il s'était formé auprès de Léon Bonnat, tout en fréquentant l'italien Giuseppe de Nittis, l'un et l'autre l'ayant mis sur la voie d'un réalisme sévère. S'ensuivit l'inscription à l'école des Beaux-Arts du jeune homme appelé, en somme, à faire carrière dans le sillage de ses mentors. Au contraire, Caillebotte montre une grande indépendance. Il se débarrasse vite de la théâtralité de Bonnat et du pittoresque de De Nittis. Ne reste que la puissance naturaliste, une énergie qu'il met au service d'un pays qui se reconstruit, d'un Paris qui se redessine.
L'historiographie récente ne dissimule pas sa préférence pour le Caillebotte le plus sujet, dit-on, au malaise existentiel, qu'il procède de son individualité ou de sa classe. Les tensions inhérentes à la plupart de ses chefs-d'oeuvre croisent ainsi la psychologie des profondeurs et la sociabilité des élites. On parle volontiers d'un besoin d'élucidation, de maîtrise, en prise avec l'angoisse même de l'assumer ou la crainte de ne pas y parvenir. Mais il faut voir au-delà. La peinture de Caillebotte témoigne d'une puissance jusque dans ses oeuvres les plus troubles. Son art oscille entre les extrêmes, sans jamais céder à l'euphorie banale d'un certain impressionnisme ni, à l'inverse, s'abandonner complaisamment au mal-être des années 1880.  La tension qui plane sur l'ensemble de l'oeuvre demande à être reformulée. Elle nous livre l'une des clés de celui qui fut le vrai peintre de la vie et de la ville modernes.

Caillebotte, peintre des extrêmes

Peintre maudit, éternel exilé, Gauguin traîne encore l'aura douteuse du génie méconnu. N'a-t-il pas payé, au prix fort, une liberté sans limites ? Liberté plastique, sociale, sexuelle : ce déclassé volontaire n'a pourtant pas mené une existence aussi accidentée, aussi désintéressée qu'on le dit ni méprisé les règles de son milieu. Celui, moderne, des artistes indépendants, des galeries et des critiques. L'ancien agent de change a fait carrière, autrement. Il est mort à deux doigts du succès, aux Marquises, fauché par l'absinthe et la syphilis, rattrapé et en partie conquis par la France coloniale. Faut-il en vouloir à ces biographes qui continuent à confondre sa vie et la légende ? Car Gauguin en est le premier instigateur. Il se met en scène dès les années bretonnes et soigne jusqu'à Tahiti sa réputation de paria et d'indien. Lui qui prétendait vivre et peindre « à l'état primitif », en haine de l'« Occident pourri », ne fut qu'un sauvage imaginaire. Mais la vanité de sa quête ne fait-elle pas aussi la puissance de son art ?

Gauguin, le sauvage imaginaire

Cet ouvrage, consacré à André Masson, rend hommage au journaliste américain Varian Fry, qui, en 1941 permit à de nombreux artistes et intellectuels de quitter l’Europe et le régime de Vichy pour les Etats-Unis. Sur le chemin de l’exil, André Masson rejoint à Marseille les surréalistes hébergés à la villa Air Bel. Par la suite, en route pour l’Amérique, il retrouve Claude Levi-Strauss, Wifredo Lam et André Breton lors d’une escale de trois semaines à La Martinique. Son exploration de l’île s’avéra être une expérience fondatrice. Antille, titre d’une peinture, d’un dessin et d’un poème, devient alors l’emblème d’une conscience aiguë des forces telluriques du monde, des hommes et de la nature. Arrivé à New Preston, Masson développe une œuvre libre, multiple, qui influencera Pollock et les expressionnistes américains. Surréaliste mais rétif à l’orthodoxie, il investit profondément l’univers mythique de La Martinique et des indiens d’Amérique. Il développe, au-delà de l’écriture automatique, une richesse graphique servie par un éventail de techniques ; encre, crayon, fusain, gouache, pastel ; toutes, lui permettent d’exprimer les forces cosmiques et érotiques d’un monde profondément tragique. Soixante oeuvres, provenant principalement des collections de la famille d’André Masson et du musée Cantini de Marseille sont associées pour montrer toute la richesse de cette période. La séquence commence avec Massacreet s’achève avec La Fable des origines. Nous suivons André Masson dans un exil où la nature devient allégorie de l’affrontement mortel des hommes ; seul, l’homme fait face au monde : quarante-quatre dessins et seize peintures nous le démontrent magistralement.

André Masson - De Marseille à l'exil américain

« L'oeuvre qu'on fait est une façon de tenir son journal. » Picasso, 15 juin 1932 Chaque jour de sa vie, Picasso a dessiné, sculpté, gravé, modelé ou peint. Son oeuvre est comme un immense journal intime où se confondent histoire personnelle et histoire du siècle : la Première Guerre mondiale, la Seconde, la guerre d'Espagne, ses relations avec les femmes, avec les artistes, les différents mouvements artistiques auxquels il a participé, etc.
Mais plus que le journal de sa vie, la peinture de Picasso est le roman de sa vie.
Régulièrement un grand tableau, un grand décor (grand par le sujet ou par sa dimension) en fixa les « moments ». Ce livre les réunit et les chaîne pour la première fois.
Stéphane Guégan dépoussière ainsi le mythe « Picasso » en bousculant les légendes qu'a nourri, parfois bien malgré lui, l'artiste, et en revenant au plus près de son oeuvre et de sa vie. Un portrait inédit du créateur insatiable.
Le livre se décompose en quatre chapitres distincts, quatre périodes de la vie de Picasso, depuis sa naissance jusqu'à sa mort. Chaque chapitre est lui-même composé de cinq parties qui analysent cinq tableaux, cinq « moments » de la vie de Picasso ; chacun est suivi par une importante chronologie, qui revient sur les dates clefs de Picasso, sur les oeuvres emblématiques, les rencontres décisives.
- Le Cubisme (1881-1913) - Les Grandes turbulences (1914-1932) - Chantiers et charniers politiques (1933-1953) - Le dernier chapitre (1954-1973)

Picasso, ma vie en vingt tableaux ...ou presque

L'homme au gilet rouge de la bataille d'Hernani : c'est l'image légendaire que conserve Théophile Gautier dans la mémoire collective. Et la légende dit vrai. Gautier a été l'un des cours battants du romantisme, à l'heure de son embrasement : 1830, où se succédèrent deux révolutions, le drame flamboyant de Victor Hugo et les barricades. Âgé d'à peine vingt ans, il fit alors l'expérience de la politique et entra en littérature. Aux illusions de l'une, il allait répondre par la religion de l'autre. Tandis que les prédicateurs, Hugo, Lamartine ou Vigny, aspiraient à remettre le siècle dans la bonne direction, Gautier entendait incarner une sorte de libertinage irresponsable et d'insoumission. Autour de lui se pressaient des poètes - Pétrus Borel et Nerval notamment - et d'autres artistes aussi singuliers que soudait une même fureur de vivre. Mais le culte de l'art nouveau contre les perruques classiques et les corsets de la morale devait se heurter, fatalement, aux réalités de la France moderne. 

Difficile pour un fils de famille modeste d'échapper à sa condition sociale ; difficile également de concilier l'audace esthétique avec le marché élargi de la chose écrite. Fort du scandale que provoquèrent, en 1835, Mademoiselle de Maupin et sa préface, Gautier devint journaliste. Pendant près de quarante ans, l'apôtre de "l'art pour l'art" dut composer et ruser avec les servitudes de la presse et les pouvoirs en place. Ce qui n'empêcha pas ses chroniques d'enregistrer le meilleur de l'époque : de Balzac et Musset à Baudelaire et Flaubert, d'Ingres et Delacroix à Courbet et Manet, de Berlioz et Chopin à Verdi et Wagner. Avec Gautier pour guide, le lecteur d'aujourd'hui traverse le romantisme et voit se lever notre modernité ; car l'auteur du Capitaine Fracasse a aussi été le dédicataire des Fleurs du mal. Dérouler son existence, c'est enfin pénétrer dans l'intimité d'un homme qui redoutait plus que tout la solitude et la chasteté. Grand amoureux, grand voyageur, grande plume, tel que ce livre le fait revivre.

Théophile Gautier

Ingres, adorateur de la Grèce antique et gardien des traditions  ; Ingres, membre influent de l'Institut et défenseur de la ligne en pleine tempête romantique  ; Ingres durement critiqué, parfois haï, finalement admiré... En restituant avec brio soixante-dix années d'une époque mouvementée - de la Terreur au Second Empire -, Stéphane Guégan déconstruit l'image traditionnelle du peintre. Et montre combien il faut se méfier de son apparent classicisme, de sa vénération ostentatoire envers Raphaël, de son acharnement à triompher au Salon. La peinture d'Ingres - et pas seulement les nus voluptueux ou les portraits mordants -, déborde sans cesse les limites et les règles dont elle se réclame. Avec son sens aigu des détails et son modelé lisse, ses déformations anatomiques et ses teintes franches, avec ses corps érotisés à l'extrême, il est le peintre de l'excès plus que de la table rase. Par un travail obstiné - dès 1806, il voulut être pour les arts « ce révolutionnaire-là » -, Ingres a atteint une liberté de style unique, qui allait fasciner nombre d'artistes modernes.

Ingres - "ce revolutionnaire-la"

Par ordre alphabétique, on trouvera des notices pour entrer dans l'univers de Caillebotte.

Delacroix - peindre contre l'oubli-l'enfer et l'atelier - illustrations, couleur

Résumé

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Critiques

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