Le sens caché des fleurs - Symbolique & botanique dans la peinture du XVIIe siècle

La prochaine exposition organisée par le fonds Glénat se déploiera en une trentaine de chefs-d'œuvre flamands et hollandais du xviie siècle, issus de la collection de la Fondation Glénat, de collections privées et de grands musées européens, auxquelles feront écho autant de créations d'auteurs de bande dessinée réalisées pour l'occasion.Les natures mortes, ou plutôt ces « vies tranquilles » comme on les appelle en anglais, en allemand ou en flamand, se présentent dans la peinture flamande et hollandaise, dès la fin du xvie siècle, comme des tables tantôt débordant joyeusement de mets, tantôt proposant un repas des plus frugal. Présents dans les pièces d'accueil et de réception, ces tableaux sont comme des offrandes symboliques données, en signe d'hospitalité, aux visiteurs de passage, mais aussi aux familiers et aux habitants de la demeure. Dépouillés ou flamboyants, ils révèlent l'identité culturelle, matérielle et spirituelle du foyer artistique où ils ont vu le jour. La richesse des tables de la Flandre catholique contraste ainsi avec les repas maigres de la Hollande protestante.À ces œuvres du xviie siècle répondront une trentaine de créations d'auteurs de bande dessinée, qui interprètent, chacun à leur manière, le thème de l'hospitalité, de la collation et du festin. Il pourra s'agir de tableaux, de planches de bande dessinée comme d'installations. Parmi les auteurs présents : Christophe Chabouté, Jacques de Loustal, Jost Swarte, Herr Seele, Francis Masse, Dimitri Planchon, Lorenzo Mattotti, Julie Maroh, Florence Cestac, Étienne Lecroart, Miles Hyman et bien d'autres encore.Le catalogue présente non seulement l'ensemble des œuvres exposées, mais il comporte aussi de nombreux articles signés par des spécialistes du sujet, dont Jean-Robert Pitte, membre de l'Académie des Sciences morales et politiques. Plus qu'un catalogue d'exposition, un beau livre sur la gastronomie et l'art de recevoir d'hier et d'aujourd'hui.

Tables et festins - L'hospitalité dans la peinture flamande et hollandaise et la bande dessinée

Les paysages fabuleux du maniérisme flamand du XVIe siècle, dont la puissance d’image perdure dans le monde moderne, ont eu en leur temps leur interprétation mais n’ont jamais cessé de produire du sens. Ils sont en cela profondément anachroniques.Les artistes flamands inventent une nouvelle manière de peindre, attachante et inventive, aux frontières du réel et de l’imaginaire. La nature devient le lieu d’accueil de mythes et de fables sacrées et profanes. Le caractère énigmatique de la peinture flamande du XVIe siècle suscite toujours aujourd’hui la même fascination. L’exposition présente les artistes de toute une époque : des maîtres reconnus, tels Bosch, Bruegel, Met de Bles ou Bril en constituent l’armature, accompagnés d’un tissu de brillants artistes moins connus tels Jan Mandijn ou Kerstiaen de Keuninck.

Fables du paysage flamande: Bosch, Bles, Brueghel, Bril

Les Dames du Baroque. Femmes peintres dans l'Italie du XVIe et XVIIe siècle fait le récit d'un moment particulier dans l'histoire de l'art. L'exposition au Musée des Beaux-Arts de Gand et ce livre présentent pour la première fois au public huit femmes peintres qui ont fait de l'art leur profession, avec courage et volonté, tout en se distinguant de leurs confrères. Leurs compositions audacieuses et leur expressivité exceptionnelle ont chamboulé les conventions qui régissaient la peinture à l'époque, avec toute la subtilité voulue et toute la détermination possible. Appréciées en tant que peintres et en tant que femmes, ces dames ont joué un rôle de premier plan dans l'art de l'époque : Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Fede Galizia, Orsola Maddalena Caccia, Artemisia Gentileschi, Virginia Vezzi, Elisabetta Sirani et encore Giovanna Garzoni. Leurs histoires s'entremêlent, et parfois se superposent. On retrouve des concordances et des constantes dans leurs parcours, témoins de courage et de passion. Elles consacrèrent leurs existences à préserver leur liberté de créer et à défendre le caractère unique et exceptionnel de leur art.Langue : Multilingue

Les dames du baroque : Femmes peintres dans l'Italie du XVIeme et XVIIeme siècle

Musee Des Beaux-Arts De Caen

Catalogue de l'exposition En plein coeur au Musée de la Chasse et de la nature. Marlène Mocquet est la créatrice d'un univers artistique anchanté, faussement enfantin et peuplé de créatures étranges.

Marlène Mocquet

S'appuyant sur l'étude d'une cinquantaine de tableaux du xviie siècle, de france, d'italie, d'espagne et des pays du nord, choisis pour leur signification particulière, ce livre révèle et décrit les sens multiples (allégoriques, métaphoriques, religieux ou philosophiques) dont les fleurs ont été le support.

Sens cache des fleurs  broche

La vanité dans la peinture est tour à tour une méditation, une expression fascinée et obsessionnelle de la beauté naturelle, un art d'agencer les formes et les objets, une technique sublime. Ces caractères justifient à eux seuls la faveur dont a bénéficié ce thème au XVIIe siècle. L'histoire de l'art a donné à cet engouement la dimension d'un genre, repris invariablement par les artistes contemporains. Dès le XVe siècle, les peintres ont eu la charge d'exprimer par l'image le contenu des méditations religieuses. Penser la mort, réfléchir à la vanité des biens de ce monde, mettre à l'épreuve la volonté du dépouillement devant l'image séductrice de la richesse, ce sont là des projets forts pour l'humanité, que l'Eglise voulait promouvoir. Au XVIIe siècle, l'iconographie qui faisait allusion au détachement des biens terrestres et à la méditation sur la mort et la rédemption s'est fixée dans la formule d'un genre de peinture qui a pris le nom de Vanité à la suite d'une citation du texte de l'Ecclésiaste, très souvent représentée sur un phylactère, à côté d'un crâne : vanitas vanitatum omnia est vanitas (vanité des vanités, tout est vanité). Ce message de la vanité des choses de ce monde va s'appuyer dans les pays latins sur la figure du saint ou sur l'allégorie antique, alors qu'il s'exprime, dans le nord de l'Europe sous l'influence de la Réforme, dans la composition d'objets. Publié sous la direction d'Alain Tapié à l'occasion de l'exposition Vanité, mort que me veux-tu ? à la fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent, cet ouvrage vise ainsi à restituer toute la richesse d'une démarche construite autour des thèmes de La Figure et de l'objet. Une série de memento mori provenant de la collection de Pierre Bergé vient relier la vanité du XVIIe siècle à l'interprétation contemporaine de ce thème devenu un mode d'expression à part entière.

Le sens caché des fleurs - Symbolique & botanique dans la peinture du XVIIe siècle

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