Né à Brest en 1962, Bruno Perramant, vit et travaille à Paris. Cet artiste est très marqué par l'histoire de l'art, la littérature et le cinéma. Sur la toile il ne joue pas seulement avec les couleurs mais aussi avec les mots et la narration. Il travaille ses compositions sous la forme de grands ensembles appartenant à un même cycle ou une série comme : les fantômes, les grottes, les baleines... Coloriste subtil, il accorde une importance capitale à la couleur en utilisant pour ses toiles, des teintes peu saturées, qui gardent cependant leur éclat et leur vivacité, en opposition à un fond sombre.

Bruno Perramant

Artiste majeur du XXe siècle, Alberto Giacometti a créé une oeuvre emblématique de l'art moderne, alliant de façon surprenante tradition et avant-garde. Des oeuvres de jeunesse, marquées par l'enseignement d'Antoine Bourdelle, aux innovations post-cubistes et surréalistes, puis au style incomparable de sa période d'après-guerre, cet ouvrage propose un éclairage original sur la sculpture de Giacometti. Richement illustré, il montre l'évolution de son style, en dialogue avec les grands sculpteurs rencontrés à divers moments de son parcours : Rodin, Bourdelle, Despiau, Maillol, Brancusi, Laurens, Lipchitz, Zadkine, Csaky ou encore Richier. De nombreuses photographies et lithographies de l'atelier de Giacometti illustrent, en regard de celui de Maillol, cet espace de création mythique où il a passé toute sa vie et produit une oeuvre mondialement reconnue. Trois contributions éclairantes d'historiennes de l'art - Valérie Da Costa, Catherine Grenier, Agnès de La Beaumelle - permettent de comprendre le contexte de cette période décisive pour la sculpture. Des textes de Giacometti sur ses contemporains (Laurens et Richier), ainsi qu'une interview de l'artiste réalisée en 1962, nous plongent dans les questions propres au sculpteur moderne.

Alberto Giacometti - Entre tradition et avant-garde

Fabio Mauri (1926-2009) incarne en Italie la figure de l'artiste-intellectuel. Il a développé, à Rome, tout au long de la seconde moitié du XXe siècle, une oeuvre inclassable et extérieure aux divers mouvements artistiques qui ont ponctué la création italienne, une oeuvre hétérogène et colossale comme en attestent les archives conservées au Studio Fabio Mauri (Rome). Fabio Mauri : le passé en actes est la première étude consacrée au travail performatif de l'artiste qui a commencé au début des années 1970 et s'est poursuivi jusqu'aux années 2000. Construit à partir d'une large assise de sources, cet essai analyse la place de la performance dans son oeuvre ; la performance comme colonne vertébrale et moyen d'expression qui relie l'écriture, le dessin, la peinture, la mise en scène de théâtre, le cinéma, l'installation et couvre l'ensemble de ces années de création dans une conception artistique résolument pluridisciplinaire et transversale où la Seconde Guerre mondiale et le "ventennio fascista" sont au coeur de la pensée de l'artiste.

Fabio Mauri - Le passé en actes

Chez Germaine Richter (1902-1959), la sculpture est la rencontre d'un sentiment instinctif et d'une forme éminemment pensée et construite. " Toutes mes sculptures, disait-elle, partent d'une vérité organique. L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher dans la poésie. " La spécificité de son œuvre réside aussi dans la lecture qu'en a donnée la critique littéraire, ce qui en fait une " œuvre écrite " au même titre que celles de Braque, de Dubuffet, de Bacon ou de Giacometti. Cette approche, envisagée ici pour la première fois, semble, de par sa richesse, inséparable de l'étude plastique. Elle s'appuie sur une large assise de sources textuelles et extraits de correspondances inédits issus de différents fonds d'archives, réunissant les noms de Ponge, Paulhan, Limbour, Pieyre de Mandiargues et de Solier, initiateur des rencontres entre l'artiste et les écrivains. Première étude consacrée à une artiste majeure dont la carrière aura duré à peine plus de vingt-cinq ans, de 1934 à 1959, cet ouvrage vient combler une lacune dans le champ de l'histoire de l'art et surtout dans celui de l'histoire de la sculpture du XXe siècle. Plus un essai qu'une monographie traditionnelle, il privilégie l'étude de certaines œuvres, adoptant le parti de montrer l'originalité de sa démarche artistique, la singularité d'un langage plastique qui a mis en place des repères tant thématiques - êtres hybrides, bustes, rapport entre réalité et imaginaire - que formels - introduction de fils et d'éléments issus de la nature, travail d'une matière exacerbée.

Germaine Richier - Un art entre deux mondes

Les publications sur l'art italien contemporain sont rares. Cet ouvrage collectif : L'espace des images. Art et culture visuelle en Italie 1960-1975 vient combler un vide éditorial en France sur ce sujet, à l'exception de certains travaux récents portant plus particulièrement sur l'Arte Povera. Or, pendant ces quinze années, l'Italie a connu une période particulièrement fertile et riche culturellement, traversée par des renouveaux artistiques, littéraires et cinématographiques encore à l'oeuvre aujourd'hui. Ce livre entend faire un état de cette situation en réunissant des travaux récents de chercheuses et chercheurs italien. enne. s, français. e. s et américain. e. s travaillant sur ces questions et qui ont contribué à en apporter une nouvelle lecture. Issues d'un colloque qui s'est tenu en 2019 entre Rome (Académie de France à Rome-Villa Médicis) et Paris (Institut culturel italien), les contributions ont été sélectionnées pour faire de ce livre un véritable ouvrage collectif, riche de ces multiples contributions, qui propose des relectures de l'oeuvre d'artistes bien connus (Alberto Burri, Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini), ainsi que des redécouvertes de figures jusqu'à maintenant peu étudiées (Cloti Ricciardi, Eliseo Mattiacci, Paul Thek), des analyses thématiques, des rapprochements inédits entre le monde artistique et la production cinématographique et littéraire. Dans leur ensemble, les essais mettent en lumière de nouvelles clés d'interprétation d'un paysage artistique qui peut ainsi être parcouru en suivant des trajectoires multiples et originales. Le titre de l'ouvrage, est un clin d'oeil à la première grande exposition sur l'art de l'installation et de l'environnement en Italie : "Lo spazio dell'immagine" ("L'espace de l'image"), qui s'est tenue en Italie à Foligno, en Ombrie, pendant l'été 1967 au Plazzo Trinci dont la couverture du catalogue reprenait l'image de l' oeuf suspendu de la Pala di Brera de Piero della Francesca (1472-74). Une introduction et treize textes accompagnés d'illustrations et d'une bibliographie de référence constituent cet ouvrage qui paraîtra à l'occasion de l'exposition "Vita Nuova : Nouveaux enjeux de l'art en Italie 1960-1975" au Musée d'art moderne et contemporain de Nice (MAMAC) (14 mai-2 octobre 2022), ce qui permettra à ce livre de trouver sa pleine place éditoriale en écho à l'exposition.

L'espace des images - Art et culture visuelle en Italie 1960-1975

Monographie de référence, abondement illustrée et avec un long entretien, du peintre suisse dont les paysages, natures mortes ou scènes de genre créent des atmosphères d'une intensité grave, d'une étrangeté évoquant à la fois les univers de Beckett, de Kafka, de James Ensor et de Balthus.

Marc-Antoine Fehr - Point de fuite

Il a chez le sculpteur Robert Couturier une justesse du geste, un sens de l'équilibre, une retenue, que l'on retrouve dans toute son oeuvre et qui lui viennent peut-être de ses origines paysannes. Sa jeunesse est marqué par la passion pour le dessin. Un dessin qui, comme sa sculpture, naît de la réalité, du souvenir d'un geste, d'un instant vécu. Arrivé à Paris à l'âge de six ans, il entre en 1920 à l'école Estienne dans un atelier de lithographie qu'il quitte deux ans plus tard pour commencer à travailler. Il exerce des petits métiers, tous en rapport avec l'art, qui l'amènent tout naturellement à la sculpture. Sa rencontre avec Aristide Maillol en 1928 est décisive et Couturier, qui le considère comme un père spirituel, restera influencé par lui jusqu'en 1914. Robert Couturier participe à l'exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne de 1937 avec deux oeuvres marquantes. Le Jardinier, placé sur l'esplanade du Trocadéro, et les fantastiques mannequins du pavillon de l'Elégance construit par Emile Aillaud. Ces femmes en plâtre aux corps étirés sont le premier signe de l'abandon d'une figuration harmonieuse et sereine pour un motif décharné et une matière exacerbée. Avec le Monument à Etienne Dolet de 1949, Couturier se libère définitivement d'une forme classique et s'impose, aux côtés d'Alberto Giacometti et Germaine Richier, comme l'un des représentants d'une nouvelle sculpture figurative. Son goût pour la concision, sa répulsion à trop dire, le font évoluer, dès le début des années cinquante, vers une sculpture transparente, dans laquelle le vide est un matériau, la lumière une constituante de l'oeuvre, comme pour la Jeune Fille lamelliforme de 1950, la Femme dans un fauteuil ou encore les merveilleuses Nageuses suspendues dans l'espace. Cette sculpture, qui presque toujours représente la femme, parfois le couple. Deviendra progressivement une écriture, un idéogramme, à la limite de l'abstrait sans jamais en franchir la frontière et gardant intact le pouvoir de suggestion, l'humanité tendre et souvent ironique, qui caractérisent Robert Couturier. Le sens du jeu , des choses légères et modestes lui a fait choisir le plâtre, matériau qui donne une grande liberté et permet d'incorporer les objets trouvés dont souvent naissent ses sculptures. Un des fondateurs du Salon de mai, Robert Couturier a exposé aux biennales de Venise, Sao Paulo, Anvers, ainsi qu'aux nombreuses expositions collectives consacrées après guerre au renouveau de l'art français. Nommé en 1946 à l'Ecole nationale Supérieure des arts décoratifs de Paris, il y enseigne jusqu'en 1962, avant de rejoindre l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts.

Robert Couturier

Pino Pascali (1935-1968) est une comète de l'art italien du XXe siècle. En quatre années seulement, de 1964 à 1968, il a su créer une oeuvre exceptionnelle. Sa conception audacieuse de la sculpture, de par les matériaux employés, ainsi que sa réflexion sur l'exposition en font une figure centrale de l'art des années 1960. Pino Pascali : retour à la Méditerranée est le premier livre consacré en France à l'artiste italien. L'oeuvre y est analysée en fonction de thèmes : la temporalité de la sculpture, la mise en scène de soi, la sculpture comme art environnemental, l'attachement à la Méditerranée, l'intérêt pour l'anthropologie. Les propos de l'artiste, ainsi que les nombreuses archives, principalement celles conservées à la Fondazione-Museo Pino Pascali, constituent le matériau inédit de l'analyse de cette oeuvre bien au-delà de son rattachement à l'Arte Povera. Ouvrage de référence, ce livre est moins une monographie exhaustive qu'une étude qui s'attache à considérer le travail sculptural de Pino Pascali au sein d'une conception plus élargie de la création ; une approche qui souhaite redonner à cette oeuvre sa place centrale dans le paysage de l'histoire de la sculpture moderne et contemporaine et en présenter son étonnante contemporanéité.

Bruno Perramant

Résumé

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Critiques

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