Luis Buñuel (Collections Grands Cineastes #20)

Ce manuel est devenu un classique des études cinématographiques. Il offre aux étudiants et aux cinéphiles un panorama de l'esthétique de cet art visuel et sonore sous tous ses aspects : le cinéma comme langage et comme écriture, le cinéma comme récit, la question du personnage et du réalisme, le cinéma comme art du montage et le cinéma comme spectacle, avec les problèmes d'identification qui en découlent. Cet ouvrage est résolument interdisciplinaire, s'appuyant sur l'histoire de l'art, la théorie littéraire, la sémiologie et la psychanalyse. Il est conçu comme une introduction à ces disciplines et ne nécessite aucune connaissance spécialiste préalable. Illustrations, bibliographie détaillée, commentée et actualisée.Jacques Aumont, Alain Bergala et Michel Marie enseignent tous les trois à l'université de Paris 3 Sorbonne Nouvelle, Marc Vernet est délégué général de la BiFi, à Paris.
Typologie des écrits sur le cinéma. Théories du cinéma et esthétique du cinéma. Le film comme représentation visuelle et sonore. Le montage. Cinéma et narration. Cinéma et langage. Le film et son spectateur.

Esthétique du film

Pourquoi établir des liens entre des images de films radicalement différents, au-delà des auteurs, des pays et des époques ? Parce que ces images convoquent des motifs visuels qui hantent le cinéma depuis ses origines : la fenêtre, la nuque, l'escalier, le miroir, le labyrinthe, le téléphone, le chat, le cri, et tant d'autres... Ces motifs ont des affinités profondes avec le langage et le récit cinématographiques. Ils sont de ce fait universels, pluriels, ambigus, et chaque cinéaste est incité à les adopter, les transformer et les réinterpréter. Les motifs de cinéma ont une grande agilité à se mouvoir : migrer d'un film à l'autre, d'un cinéaste à l'autre, d'une époque à une autre. Par le jeu des reprises et des différences, ils imprègnent la mémoire émotionnelle du spectateur et ouvrent une nouvelle perspective à l'histoire du cinéma. Les soixante motifs analysés et le millier de films cités donnent la mesure de l'impact visuel et narratif de ces images séminales, souvent reliées à la tradition picturale. Ce livre établit des liens comparatifs entre des créateurs qui ont confronté leur art à un même motif, permettant ainsi d'identifier leur singularité, leur rapport intime et personnel à ce motif, et leur rapport à l'histoire commune des images cinématographiques. Une des ambitions principales de cette riche collection de textes, adossés à des photogrammes choisis par les auteurs eux-mêmes, est de susciter l'émergence d'une possible théorie du motif en cinéma.

Les motifs au cinéma

Abbas Kiarostami

Au cinéma, le moment du nu n'est jamais un moment comme les autres. Il s'accompagne, de façon grave ou ludique, solennelle ou enjouée, du sentiment diffus de franchir une frontière, un point de non-retour de la représentation. Epreuve pour l'acteur, dont elle expose l'image la moins protégée qui soit, la nudité représente pour tout cinéaste cet instant de vérité révélateur de son art comme de sa manière. " Montre-moi comment tu filmes le nu, je te dirai quel cinéaste tu es ", pourrait-on lui dire, infailliblement. Le traitement du nu témoigne également des rapports qu'une civilisation (un pays, une idéologie) entretient à un moment de son histoire avec ses tabous, ses refoulements ou ses seuils de tolérance. L'étudier revient donc aussi à dresser l'inventaire d'un siècle d'évolution des mentalités et de subversion des valeurs, vu par le prisme ou le trou de la serrure de ses fantasmes et de ses inhibitions. Livre d'un gai savoir, considérant à la fois Carl Th. Dreyer et Russ Meyer, Marco Ferreri et Jess Franco, un tel ouvrage n'avait pas d'équivalent. Du Bain de la Parisienne à Basic Instinct en poussant par Monika, Mademoiselle Strip-Tease et Sal?, des classiques du burlesque aux plus navrants des nudies et du documentaire aux romans-pornos de la Nikkatsu, du Brésil à la Scandinavie et de Betty Boop à Madonna, de dévoilements en évitements et de prête-corps en ribambelles, de cinéastes pudiques, privilégiant aux ébats sous la couette la nudité en gros plans des mains et des visages, en boucaniers rentre-dedans de la sexploitation, dont on trouvera ici, pour la première fois, la véridique histoire, une encyclopédie du nu au cinéma visite les grands modèles culturels, parcourt tous les genres, observe la nudité dans toutes ses postures, sous toutes les coutures, et dessine une étonnante géographie du corps. A sa manière, elle constitue une première qui aborde une face encore vierge du massif-cinéma. Alain Bergala. Né à Brogmoles (Var). Après dix ans d'activité aux Cahiers du cinéma comme critique, rédacteur en chef-adjoint et directeur de collection, il partage son temps depuis 1983 entre la réalisation, l'écriture et la transmission - dans les trois cas - du cinéma qu'il aime. Cite plus volontiers MacLaine que Marlene et Riz amer que Marienbad. Jacques Déniel. Né en 1953 à Brest. Dirige depuis 1985 le Studio 43 de Dunkerque où il a crée, en 1987, les Rencontres cinématographiques. On lui doit les premières rétrospectives intégrales des films de Kiarostami, Tomes, Monterio. Cite plus volontiers Georges Bernonos et Sonic Youth que Louis Aragon et Peter Gabriel. Patrick Leboutte. Né en 1960 à Berchem-Sainte-Agathe. Peut le prouver. Critique itinérant, il épuisa les médias les plus divers. Directeur de collection aux éditions Yello Now, il a coordonné Cinémas du Québec / Au fil du direct et Une encyclopédie des cinémas de Belgique (avec Guy Jungblut et Dominique Païni). Il enseigne à l'Insas de Bruxelles. Cite plus volontiers Claudio Chhiappucci et le petit Zérard que Gérard Holtz et les pots d'échappement Midas.

Une encyclopédie du nu au cinéma

Le parcours de Jean-Luc Godard, comme celui d'autres grands artistes du XXe siècle, a connu plusieurs " périodes ". C'est sa " première vie en cinéma ", celle des années soixante, a l'époque de la Nouvelle Vague triomphante, qu'a choisi d'explorer Alain Bergala. Cet ouvrage décrit l'éclosion d'une puissance de création et d'inventivité formelle hors norme. Entre 1959 a 1968, qui marque une rupture radicale clans son œuvre, Godard réalise pas moins de 15 longs métrages, et devient immédiatement l'une des figures emblématiques de cette décade prodigieuse. Nombre d'entre eux ont conquis les cinéphiles mais aussi le grand public et comptent parmi les chefs-d'œuvre de l'Histoire du cinéma : A bout de souffle bien sûr, avec Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg, Le Mépris avec Brigitte Bardot et Michel Piccoli, Pierrot le fou avec Jean-Paul Belmondo et Aima Karina, La Chinoise avec Anne Wiazemskv et Jean-Pierre Léaud. Malgré la grande diversité des films de cette période, où Godard explore le cinéma dans tous les sens, on peut en dégager la permanence d'un geste de création fulgurant et une évidente unité d'inspiration pour les films dont Anna Karma, compagne et muse du cinéaste, a été le " modèle ", du Petit Soldat à Made in USA. Ces films de Godard sont devenus mythiques, et la légende a souvent pris le pas sur la réalité. Dès son premier film, Godard s'est forgé une image de créateur novateur et hors normes, provocateur et génial, préservant ainsi une part de mystère sur la réalité de sa méthode de travail. C'est pourquoi le retour à la source opéré ici par Bergala, qui a plongé dans les archives des films, remet en cause bien des idées reçues et apporte un éclairage nouveau sur l'ensemble de l'œuvre.

Godard au travail - Les années 60

L'œuvre du cinéaste iranien Abbas Kiarostami a été révélée en France en 1990 avec Où est la maison de mon ami ?, Close Up, Et la vie continue, confirmée avec Au travers des oliviers, son premier succès public, sorti en 1995, et consacrée aux yeux du monde entier lors du festival de Cannes 1997 où Le Goût de la cerise a remporté la Palme d'or. Mais que connaissons-nous vraiment de Kiarostami ? Il y a le peintre Kiarostami, il y a le photographe, le poète et le graphiste ; il y a le réalisateur de publicités, de génériques, et de films pédagogiques... Kiarostami est un cinéaste étonnant. Il a la plupart du temps travaillé dans un cadre institutionnel, celui de l'œuvre de commande (ses films sont produits par l'Institut pour le développement des enfants), qui plus est renforcé par un régime politique autoritaire, autrefois celui du Shah d'Iran, aujourd'hui celui de la République islamique. Contrairement à tout a priori, ses films explorent avec une surprenante liberté toutes les hypothèses et toutes les combinaisons possibles pour le cinéma, entre documentaire et fiction, dont Le Vent nous emportera en 1999 et Ten en 2002 sont les exemples les plus récents. Ce livre est un recueil de textes de et sur A. Kiarostami et d'entretiens avec le cinéaste. Il reprend le numéro spécial que lui ont consacré les Cahiers du cinéma, en partenariat avec le festival de Locarno, l'été 1995, et couvre tout son parcours jusqu'aux films et grandes manifestations les plus récentes : rétrospective à Turin, exposition à Barcelone et à Paris. Une filmographie commentée complète l'ouvrage.

Abbas Kiarostami - Textes, entretiens, filmographie complète

Harry et Monika sont deux jeunes gens ordinaires de Stockholm en 1952. Brimés dans leur travail, étouffant dans leurs familles, ils quittent tout pour l'utopie d'un été de liberté sur une île. Mais leur moment édénique va être de courte durée. Rencontre amoureuse et séparation : un film comme les autres ? Non, car ici doublé par un autre où les protagonistes ne sont plus deux mais quatre : Monika, Harry, Bergman et le spectateur. Pour la première fois le rapport créateur-créature-spectateur l'emporte sur la fiction et en devient le véritable enjeu. Bergman ne filme pas seulement le scénario, mais aussi et surtout le roman du tournage. L'histoire du cinéma va en être changée.

Monika de Ingmar Bergman - Du rapport créateur-créature au cinéma

Bunuel est un cinéaste espagnol, (Calenda 1900 - Mexico 1983), tous ses films se ressentent de la triple influence d'une éducation catholique, du surréalisme (dont il demeura jusqu'à la fin un fervent adepte) et de la tradition hispanique. Le pouvoir subversif de son inspiration éclata avec L'Âge d'or (1930) ; il se tempèrera avec le temps d'humour ou de dérision : La Vie criminelle d'Archibald de la Cruz (1955), L'Ange exterminateur (1962), Le Charme discret de la bourgeoisie (1972), Mazarin (1958), La Voie lactée (1969), El (1952). Bunuel sait capter les plaies à vif d'une société malade : Terre sans pain (1932), Los Olvidados (1950). Il a enfin brossé des portraits de femme d'un subtil érotisme : La Jeune Fille (1960), Viridiana (1961), Belle de jour (1967), Tristana (1970).

Luis Buñuel (Collections Grands Cineastes #20)

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