Zéro - Avant-garde internationale des années 1950-1960

Jean-Hubert Martin crée avec Théâtre du Monde un dialogue entre des oeuvres de cultures, d'époques et de provenances différentes. À travers ces oeuvres, il souhaite révéler des thématiques fortes comme la mort, la guerre, la violence, la passion, la peur, la beauté et le mystère de la vie, qui constituent des préoccupations universelles. L'exposition est pensée comme un voyage expérimental qui doit transporter le visiteur du viscéral au symbolique, du factuel au poétique. 
Théâtre du Monde ne répond à aucune méthodologie habituelle et associe dans la même salle des vases canopes égyptiens à une oeuvre du photographe contemporain Andres Serrano : cet accrochage anachronique d'objets hétéroclites est à l'image de la collection de David Walsh qui rassemble à la fois des pièces de monnaie grecques, des objets archéologiques, des oeuvres primitivistes et de l'art contemporain. 
Plus de 300 oeuvres seront exposées, couvrant 4000 ans de production humaine : oiseaux taxidermisés, squelettes d'animaux, céramique chinoise, aquarelles anglaises du XVIIIe siècle, pierres gravées et objets funéraires égyptiens, boucliers mélanésiens, masques océaniens, coquillages et coraux, spécimens géologiques, photographies et vidéos contemporaines, plus de 50 tapas (peintures sur écorce du Pacifique Sud), peintures et installations d'artistes des XXe et XXIe siècles, dont Francis Picabia, Alberto Giacometti, Max Ernst, Sydney Nolan, Jannis Kounellis, Sol Lewitt, Robert Gober, les Frères Chapman, Marina Abramovic, Claude Rutault, Berlinde de Bruyckere...

Le théâtre du monde ; la collection David Walsh

Edifié à partir du XVIe siècle par la famille seigneuriale des Gouffier, le château d'Oiron abrite la collection contemporaine Curios & mirabilia, librement conçue sur le thème du cabinet de curiosités en référence à la fabuleuse collection d'art de Claude Gouffier, grand écuyer d'Henri II. Les artistes réinterprètent un lieu et un décor d'origine exceptionnels - galerie de peintures murales Renaissance dans le style de l'école de Fontainebleau, boiseries peintes et sculptées du XVIIe siècle. Sur les pas du marquis de Carabas, dont Claude Gouffier, dit-on, fut le modèle, le visiteur est donc invité à flâner entre " curiosités " et " merveilles "...

Le Château d'Oiron

Affranchie des dogmes et des logiques linéaires de l'histoire de l'art, l'exposition "Carambolages", née d'une réflexion transculturelle et atemporelle sur l'art, propose un parcours atypique, en écho à des interrogations d'aujourd'hui. Elle déploie une cascade d'oeuvres souvent surprenantes, choisies pour leur force visuelle et leur puissance évocatrice, dans un enchaînement dynamique où chaque création présentée dépend de la précédente et suscite la suivante selon un jeu de correspondances visuelles, analogiques ou sémantiques. Ex-voto antiques, pièces contemporaines, peintures occidentales, armes médiévales ou exotiques, masques et statuettes, objets inuits ou océaniens, céramiques occidentales et orientales se conjuguent dans un ballet sensible qui décloisonne les catégories de l'histoire de l'art. Sans renier le savoir livresque, "Carambolages" donne la priorité au regard et à l'émotion. Un travelling ludique qui rend l'art accessible à tous.

Carambolages coffret

Ilya et Emilia Kabakov, nés respectivement en 1933 et en 1945, tous deux originaires de l'ex-Union soviétique, comptent parmi les artistes contemporains les plus importants. Ils travaillent en étroite collaboration depuis 1989. Rencontrer un ange, s'envoler dans l'espace, entrer en relation avec le cosmos, mais aussi converser dans la cuisine communautaire, installer des toi-lettes rudimentaires au bord d'une rivière ou concevoir un concert pour une mouche, les Kabakov conjuguent les plus hautes aspirations spirituelles avec un pragmatisme teinté d'humour et de dérision. Ilya Kabakov a stigmatisé à travers ses oeuvres les mesquineries et les contraintes absurdes d'un régime autoritaire. Ilya et Emilia ont ensuite élaboré ensemble un propos plus général au moyen de fables traitant de la condition humaine et de la recherche du spirituel. Cet ouvrage présente quelque 115 oeuvres, peintures, dessins, albums et installations, offrant une large perspective sur le travail des Kabakov, depuis les années 196o jusqu'à L'Etrange Cité au Grand Palais pour Monumenta 2014.

Ilya et Emilia Kabakov

Voilà cinquante ans, Jean Crotti mourait à Paris. II laisse une œuvre considérable dont le catalogue d'exposition souligne l'importance autant que la particularité. Le texte de Jean-Hubert Martin, commissaire de l'exposition, retrace la chronologie de l'œuvre de Jean Crotti (1878-1958) : les débuts proches du fauvisme, l'apogée dadaïste et la création de son mouvement Tabu, la peinture plus intimiste des années vingt et trente, le gemmail (procédé de peinture sur des verres colorés éclairés par l'arrière) et le retour à une peinture d'ordre cosmique. Jean Crotti a participé à la grande aventure de la modernité. L'ouvrage est illustré d'une soixantaine d'œuvres et de portraits de l'artiste, seul ou avec ses amis Marcel Duchamp, Francis Picabia, Pablo Picasso.

Jean Crotti

Offrande présente le récent projet de Valery Koshlyakov, l'un des artistes russes les plus influents de sa génération. L'exposition du même nom a été inaugurée en 2014 au Réfectoire des Cordeliers, en partenariat avec la Foire internationale d'art contemporain. Elle réunissait un ensemble de peintures monumentales et de sculptures conçu spécifiquement pour le lieu mythique du Réfectoire des Cordeliers, à Paris. Pour ce projet, Valery Koshlyakov prend pour sujet l'histoire sociale conjuguée aux thèmes de la philosophie et de la religion. Il s'intéresse désormais à la peinture classique en tant qu'attribut de l'art sacré et l'expérimente dans le contexte de relations inédites. L'artiste a troqué ses bâches en plastique et ses cartons dépliés, qui lui servaient d'ordinaire de support, contre de larges panneaux de toile verticaux peints à la tempera. L'effacement de la matière, la transmutation du sujet sont au coeur du processus de Valery Koshlyakov. Ces immenses pans de peinture suspendus se réfèrent par leur traitement et leur disposition, aux fresques de Pompéi et d'Herculanum. L'atmosphère faiblement éclairée exacerbe le sentiment de religiosité propre au site, dernier vestige d'un couvent franciscain du XIIIe siècle. L'ouvrage, entièrement trilingue, réunit reproductions d'oeuvres, esquisses et photographies de l'exposition. Il est enrichi d'un entretien entre l'artiste et Jean-Hubert Martin, commissaire de l'exposition "Magiciens de la Terre" en 1989 et directeur honoraire du musée national d'Art moderne.

Valery Koshlyakov - Offrande - Edition français-anglais-russe

Ce livre se propose d'explorer le vaste champ constitué par l' " image double " sur une période qui va de l'Antiquité à nos jours. L'expression désigne des catégories variées : image composite, image cachée, image naturelle, image potentielle, anamorphose, etc. A travers une centaine d'exemples, le livre envisage la manière dont les artistes ont exploité, selon les situations historiques et culturelles, les possibilités formelles et sémantiques des images doubles. En s'opposant à la doxa, ces images visent à surprendre, intriguer et solliciter le spectateur. La période couverte compte des temps forts - la Renaissance et la période contemporaine - qui correspondent aux moments et aux lieux où le recours à l'image double a été d'une intensité et d'une importance particulières. Dans l'art de la Renaissance, la présence fréquente de l'image double renvoie à une pensée marquée par l'analogie et l'anthropomorphisme, par le goût pour le paradoxe et l'énigme, par la réflexion morale sur les apparences trompeuses. A l'époque moderne et contemporaine, l'utilisation de l'ambiguïté et de la polysémie visuelles manifeste une réflexivité de l'image et participe d'une transformation de la communication esthétique, au terme de laquelle ce sont, selon la formule célèbre de Duchamp, les regardeurs qui font les tableaux. La sélection propose un éventail d'images et d'objets très divers non seulement par leur date et leur provenance mais aussi par leurs fonctions et statuts originels, de l'image de culte à la caricature en passant par le tableau de cabinet : comment rendre justice à ces différences tout en mettant au jour les modèles, les procédés, voire les mécanismes qui les traversent ? L'ouvrage propose d'analyser, outre des exemples inédits, quelques chefs-d'oeuvre envisagés pour la première fois sous l'angle de l'image double : La Mort de saint François de Giotto, la Madone Bardi de Botticelli, L'Escamoteur de Jérôme Bosch, la Vénus de Goltzius, Le Nu allongé de Bonnard, Le Rêve de Picasso. Spécialistes de périodes et aires culturelles variées - arts premiers, Antiquité, Moyen Age, Renaissance, période moderne, art contemporain -, les auteurs ont récemment réorienté le débat sur ce type d'images en l'envisageant dans une perspective historique et théorique large. Les essais introductifs de Michel Weemans, Dario Gamboni et Jean-Hubert Martin abordent les mécanismes de perception mis en oeuvre par l'image double, sa récurrence à travers les époques et les cultures.

Zéro - Avant-garde internationale des années 1950-1960

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