Eugene burnand, peintre naturaliste

Théophile-Alexandre Steinlen (1859-1923)

Eugène Burnand est un peintre franco-suisse né le 30 août 1850 à Moudon et mort le 4 février 1921 à Paris. D'un style réaliste, son oeuvre picturale se compose principalement de scènes religieuses et de paysages de campagne. Son tableau le plus célèbre est Les disciples Pierre et Jean courant au sépulcre le matin de la Résurrection, il est exposé au Musée d'Orsay à Paris.
Dès 1906, il décide de s'installer à Paris, dans un quartier où demeure une importante communauté protestante. À partir de 1908, il donne des conférences sur l'art religieux et expose ses dessins réalisés sur les Paraboles. Il reçoit en outre une importante commande de la Banque nationale suisse en 1909, et réalise des billets de banque de 500 et 1000 francs. Ils resteront en circulation plus de 40 ans, un record pour ce pays.
La première guerre mondiale éclate. En 1915, il réalise une série de portraits, dessins et pastels de militaires. Au cours de l'année 1917, il effectue de nombreux séjours à Marseille et à Montpellier où il continue à brosser les portraits de soldats alliés venant de tous les continents.
Il a été décoré, notamment, Chevalier de la Légion d'honneur et Officier de la Légion d'honneur. Il mérite d'être connu à la fois pour son ethnographie de la guerre et la beauté simple et authentique de ses toiles naturalistes.

Eugène Burnand ; la passion de peindre

Jésus en représentations réunit des auteurs appartenant à divers domaines: littérature, histoire de l'art, cinéma, photographie, théologie, etc. Au XXe siècle, la figure du Christ est au centre de débats idéologiques et culturels particulièrement intenses. Figure héroïque ou de dérision, magnifiée ou défigurée, elle intéresse des personnalités aussi diverses que le cinéaste Griffith, les peintres Redon ou Rainer, des écrivains comme Malraux,  des photographes tel Day ou Ohlson, des auteurs de bande dessinée comme Bidot. Ce livre est une traversée originale de l’art du 20e siècle, étude assez pointue pour un public intéressé par le fait religieux, que ce soit dans une perspective historique, esthétique ou confessionnelle.

Jésus en représentations - De la Belle Epoque à la postmodernité

Eugène Burnand (1850-1921) est avec F. Hodler un des artistes suisses les plus célèbres dans son pays et en France vers 1900. Comblé d'honneurs, il est aussi l'un des plus cosmopolites, partageant sa vie entre la Suisse, Paris, la Provence et l'Italie. A ses débuts parisiens, il pratique le dessin de presse et la gravure pour l'édition de luxe, et se spécialise dans l'art animalier. Il excelle bientôt dans les scènes rurales, la peinture de paysage, le portrait, avant de s'orienter vers l'histoire et l'art religieux. Fasciné par le rendu réaliste du monde, animé par de fortes convictions, Burnand est une figure majeure de l'art naturaliste à travers ses œuvres les plus connues : " Le Taureau dans les Alpes " de 1884, " La Fuite de Charles le Téméraire " de 1895 et " Le Labour dans le Jorat " de 1915, brûlé et repeint l'année suivante. Au tournant du XIXe siècle, Burnand est devenu pour les partisans de l'art moderne un contre-modèle, l'exemple même d'un art jugé à tort " photographique ". Près d'un siècle plus tard, il est temps de revoir Burnand avec des yeux moins partisans et naïfs : regarder cette peinture d'après nature.

Eugène Burnand 1850-1921 - La peinture d'après nature

Au 20e siècle, les guerres ont produit des représentations de toutes sortes : de la littérature à la sculpture, en passant par la gravure, la peinture, la photographie, le cinéma, l'affiche, le dessin animé, la bande dessinée ou la caricature. Plus de guerres possibles sans "images en guerres" impliquant toutes les nations, belligérantes ou neutres. Ainsi, à une époque où la propagande connaît une révolution médiatique, la circulation des représentations fait de la Suisse un observatoire privilégié dans cette géographie culturelle.L'historiographie la plus récente tend à aborder dans un même continuum temporel Première et Seconde Guerre mondiales. Par ailleurs, la notion devenue centrale de "cultures de guerre" renvoie aussi bien à la formation et à l'évolution des opinions publiques, à la construction des imaginaires sociaux liés au conflit qu'à la gestion individuelle et collective de la souffrance et de la mort. Les deux guerres mondiales ont à la fois instrumenté et miné le caractère "objectif", des images dites documentaires - les reproductions photographiques en premier lieu. Leur instrumentalisation a instillé une certaine défiance, voire un rejet radical face aux différentes formes de conditionnement visuel. Plus fondamentalement, les deux conflits mondiaux ont introduit une crise de la "représentation". Les techniques et les codes visuels qui prévalaient jusqu'alors ne pouvaient en effet plus rendre compte de la spécificité de la guerre moderne, caractérisée par la violence souvent statique des tranchées, par l'horreur inédite de l'univers concentrationnaire ou les visions stupéfiantes des champignons atomiques. Ces images nouvelles ont remodelé notre imaginaire et contribué à nourrir des mémoires de la guerre qui se sont employées à légitimer ou stigmatiser certains acteurs politiques ou sociaux une fois la paix revenue. Indiscutablement, ces représentations ont influencé notre histoire de manière décisive.

Les images en guerre, 1914-1945 - De la Suisse à l'Europe

AUTEURS : Philippe Kaenel est professeur d'histoire de l'art contemporain à l'Université de Lausanne. Il a contribué à de nombreux ouvrages sur l'affiche, la critique d'art, la caricature, l'imagerie politique, les relations entre médias. Les autres auteurs sont des spécialistes passionnés qui viennent soit de la littérature comparée (Evanghélia Stead) ou de la littérature (Hélène Védrine), soit de l'histoire de l'art (Luce Abélès, Laurence Danguy, Philippe Kaenel), de l'histoire (Laurent Bihl, Joëlle Beurier) ou encore de la sociologie (Gianni Haver). Les relations entre écrivains, journalistes, dessinateurs, illustrateurs ou photographe, sont tantôt complices, tantôt conflictuelles. Elles sont mises en scène de manière exemplaire dans les périodiques illustrés et autres " magazines " qui ont connu un essor sans précédent en Europe entre 1880 et 1940. On trouvera ici un éclairage neuf et nuancé sur les dessinateurs de Montmartre, les journaux satiriques allemands, le monde des revues symbolistes et " décadentes ", le rôle des photographes durant la Grande Guerre et leurs postures face à l'événement, jusqu'à la Seconde guerre mondiale. SOMMAIRE : " Confrontations et dialogues périodiques ", Philippe Kaenel (Université de Lausanne) " Le dessinateur et la presse illustrée: autour d'Adolphe Willette ", Laurent Bihl (Université de Paris I) " Les recueils illustrés de chansonniers ", Luce Abélès (Paris, Lycée Camille Sée) " Le dessinateur Jugendstil ", Laurence Danguy (Université de Constance) " Réseaux d'artistes et d'écrivains autour d'un réseau de revues fin-de-siècle (de L'Epreuve au Livre d'art et à la Revue rouge) ", Hélène Védrine (Université de Paris IV) " De la revue au livre : Jean Lorrain et ses illustrateurs dans la Revue Illustrée (1895-1899) ", Evanghélia Stead (Université de Reims) " Les reporters, les images et la guerre ", Joëlle Beurier (Institut universitaire de Florence) " Le photographe mis en scène dans la presse ", Gianni Haver (Université de Lausanne)

Les Périodiques illustrés (1890-1940). Ecrivains, artistes, photographes

La neige, dans ses dimensions optiques, chromatiques et plastiques, dans ses états instables et variables, constitue l’un des enjeux centraux de l’esthétique contemporaine. À partir d’elle s’est pensée une limite entre un imaginaire de l’évanescence et la matérialité du support, la transitivité de la représentation et la consistance de l’oeuvre, le signe et le non-signe. Élément intermédiaire par excellence, elle emblématise dès le tournant du 20e siècle un nouvel ut pictura poesis où le discours poétique déploie des aspects intermédiaux de sa réalité: la surface lumineuse de la page, l’épaisseur de l’empreinte typographique, le filigrane du papier, le relief feuilleté du livre scandé et sculpté par son dépliement. Ce volume fait l’historiographie des esthétiques de la neige, de la quête d’un art pur, affranchi de toute contrainte illustrative, littéraire, voire représentative, à la construction de formes expressives où se réinvente un langage-espace. Y sont explorés des stratégies de production
et d’exposition des livres et des images, des tractations éditoriales autour de l’illustration des oeuvres poétiques, des conflits entre chromophobie et chromatisme dans l’impression de l’estampe, des techniques de fabrication du livre d’artiste. Au coeur du volume, le calepin d’artiste réalisé par la plasticienne Catherine Bolle, Inhumaine neige lunel, concrétise à son tour l’imaginaire poétique de la neige dans la matérialité esthétique du livre.

Eugene burnand, peintre naturaliste

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