Entretiens avec Claude Helffer

La musique de Stefano Gervasoni, né en 1962, trace avec une conscience aiguisée son propre chemin ; tout en évoluant de façon significative, elle conserve une remarquable unité. Dans sa fragilité même, elle est représentative des enjeux de notre époque, qu'elle réfléchit avec acuité. Sur le plan musical, par son exploration du timbre, qui bouleverse les conceptions traditionnelles, par son intégration à une pensée plus large, qui met en jeu tous les paramètres de la composition, et par des formes où sont combinés la technique du montage et le sens de la trajectoire. Sur un plan plus général, par le souci de lier sa musique à des questions éthiques, spirituelles, politiques et poétiques qui lui confèrent un contenu extrêmement riche, et qui ont conduit le compositeur à se confronter à des idiomes éloignés, comme le fado, ou à des matériaux historiques, comme les accords parfaits, sans toutefois effectuer le moindre retour vers le passé. Au contraire, toute sa démarche témoigne pour une invention qui ouvre constamment de nouveaux territoires, mêlant à une imagination fertile la profondeur du métier et un sens critique aiguisé. Sa musique est hautement expressive, et sait préserver les formes de l'enchantement à côté de moments plus sombres et plus durs. Dans la situation présente, où les mouvements de régression prennent une place grandissante, cette recherche tenace et sans concession est un motif d'espérance.

Le parti pris des sons - Sur la musique de Stefano Gervasoni

Brian Ferneyhouh est l'une des personnalités les plus importantes et les plus fascinantes de la musique actuelle ; c'est aussi l'une des plus difficiles à cerner. Ses oeuvres, qui furent révélées vers la fin des années soixante, ne renoncent ni à une expressivité que l'on pourrait presque qualifier de romantique, ni à la complexité d'une élaboration rigoureuse. Elles se situent au-delà des problématiques des années cinquante et soixante, que Ferneyhough a su parfaitement intégrer, tout en s'opposant radicalement aux tendances restauratrices des années soixante-dix. Dans ce volume, Brian Ferneyhough retrace sa propre évolution, commentant chacune de ses oeuvres, et s'explique sur leur signification profonde, notamment sur leurs déterminations et leurs implications extra-musicales ; il parle de sa manière de travailler, de la fonction de sa notation, du rôle des interprètes... et il analyse deux de ses oeuvres. Différents auteurs posent sur sa musique un regard critique, musicographique, philosophique, ou analytique. Brian Ferneyhough est né à Coventry en 1943. Il y a fait ses études de musique, puis a suivi les cours de composition de Lennox Berkeley à Londres (1964-1967), Ton de Leeuw à Amsterdam (1 968-1 969) et Klaus Huber à Baie (1969). Il a enseigné la composition à Freiburg-im-Breisgau de 1 973 à 1986, ainsi qu'à Darmstadt (cours d'été depuis 1976) et Milan (depuis 1984) ; il a fait de nombreuses lectures, notamment à Helsinki, Glasgow, Arezzo et Dartington. Il travaille aujourd'hui à San Diego en Californie. Parmi ses oeuvres les plus importantes, on compte trois Quatuors à cordes, Transit, le cycle des Carceri d'invenzione, la pièce d'orchestre La Terre est un Homme, et la série des Time and Motion Studies.

Brian Ferneyhough

Généralement, lorsqu'on parle d'opéra, c'est moins pour débattre de la création d'ouvres nouvelles ou de problèmes esthétiques, que pour soulever les questions que pose l'institution. L'antinomie entre cette institution et la création, développée dans l'article d'Adorno (et ce dans le contexte du début des années soixante), se trouve en filigrane de la plupart des textes de ce numéro, lesquels tentent de définir les possibilités d'un opéra vivant quant à sa forme et sa fonction, par opposition à l'opéra conservateur qui prévaut partout. Il existe, en ce sens, un lien entre Kurt Weill, Luigi Nono, Bernd Alois Zimmermann, Luciano Berio ou Mauricio Kagel, malgré les divergences historiques et esthétiques ; à partir de leurs ouvres et de leurs idées, il serait possible d'envisager un opéra qui ne soit pas limité aux seules normes d'un répertoire figé, aux seules exigences d'un public privilégié. Si nous avons réalisé un petit dossier concernant Kurt Weill, c'est parce que ses textes n'ont jamais été traduits (ses ouvres n'ont fait l'objet d'aucune exégèse en langue française), et parce que l'opéra y est abordé en des termes qui nous semblent exemplaires et toujours actuels. Ils réaparaissent, sous d'autres formes, dans les positions de Zimmermann, Nono, Pousseur ou Berio. Le terme même d'opéra, chez ces auteurs, n'est accepté qu'avec réticence.

Opéra - Revue Contrechamps n° 4

Il n'y avait pas de revue consacrée à la musique de notre siècle. Aussi avons-nous décidé de créer un espace où l'on puisse rassembler les connaissances, susciter les réflexions et provoquer les échanges à son sujet. Les écrits des compositeurs ont en effet gardé, dans le monde francophone, une audience confidentielle, et les études critiques sont rares. Les idées qui sous-tendent les grandes aventures de l'art contemporain sortent peu des ateliers d'artistes, le code de l'écriture musicale étant, de surcroît, un obstacle pour ceux qui n'ont pas eu la chances de l'assimiler. La création qui nous met en jeu, qui est un moyen d'appréhender le réel au delà des apparences, peut-elle rester confinée au cercle restreint des « spécialistes » et des curieux ? Notre société ne saurait-elle plus réfléchir sur ses propres expériences, fussent-elles bouleversantes ? N'aurait-elle plus le goût du regard critique qu'au contact d'un passé souvent idéalisé ?

Luciano Berio

Les oeuvres que Luigi Nono composa à partir de la fin des années 1970 marquent chez lui un tournant : l'exploration d'un nouveau monde sonore, lié à son travail avec les moyens de la live-electronics alors en pleine émergence, et une intériorisation des problématiques existentielles, politiques et sociales qu'il avait développées à travers ses oeuvres précédentes et qui lui avaient valu le qualificatif de « musicien engagé ». Les oeuvres de cette dernière période ont considérablement influencé les nouvelles générations et elles continuent de fasciner, aussi bien par l'expérience musicale singulière à laquelle elles convient les auditeurs que par leur force d'utopie. Ce numéro spécial de la Revue Contrechamps a été réalisé en 1987 à l'occasion d'une série de concerts organisés par le Festival d'Automne à Paris et consacrés à ces oeuvres de la dernière période, en particulier au Prometeo qui en est la somme. Les textes réunis dans cet ouvrage sont signés par des exégètes historiques de sa musique comme Massimo Mila, Jürg Stenzl ou Giovanni Morelli, par ses propres collaborateurs - Massimo Cacciari, Hans-Peter Haller, Renzo Piano, Claudio Abbado -, ainsi que par tout un ensemble de spécialistes qui jettent sur ses oeuvres un regard critique. Le livre s'ouvre sur un texte inédit du poète Edmond Jabès et sur un entretien avec le compositeur. Les contributions cernent, à partir de points de vue différents, la singularité de la démarche du dernier Nono, sa recherche d'un monde sonore autre en lien avec les espaces où il doit se déployer et une pratique de l'écoute renouvelée. L'ouvrage est enrichi de nombreuses photos et d'esquisses en couleurs. C'est la seule documentation disponible en français sur les oeuvres de la dernière période du compositeur, et elle complète idéalement la publication des Écrits de Nono que les éditions Contrechamps ont publiés en 2007.

Luigi Nono

Gyrgy Ligeti et Gyrgy Kurtág sont incontestablement les deux figures dominantes de la musique hongroise de l'après-guerre. Ils occupent une place très importante et très particulière dans la musique actuelle. Ayant assimilé les idées et les techniques des différentes avant-gardes musicales tout en restant attachés à de multiples références historiques liées aussi bien à la musique savante qu'aux musiques populaires, ils ont suivi une démarche originale, à l'écart de toute idée de « système » ou d'« école ». Leur pensée musicale n'en est pas moins élaborée, complexe et cohérente, comme on peut le constater dans certains articles de ce numéro. Elle est articulée en profondeur à toutes sortes d'implications philosophiques, poétiques ou politiques que les auteurs analysent ici. Nous avons joint à ces études des textes de Ligeti et de Kurtág, ainsi que divers témoignages. Ce volume contient deux textes inédits de Ligeti et un entretien avec Kurtág, ainsi que des textes de I. Balázs, R. Toop, H.-P. Kyburz, G. Kroó, R. Dalos, A. Csengery, F. Spangemacher, P. Szendy, D. Bouliane, F. Sallis.

Ligeti - Kurtag

Pli selon pli de Pierre Boulez. Entretien et études

Parallèlement à son activité au sein de Contrechamps, dont il a été le fondateur et le directeur artistique durant près de trente années, et à un travail d'enseignant au sein des conservatoires de musique, Philippe Albèra (né en 1952) a écrit de nombreux textes sur la musique du xxe siècle, sous la forme d'essais, de portraits de compositeurs, de textes de circonstance, ou d'introduction aux programmes de concerts. C'est un choix de ces écrits qui est ici publié. Des études sur les enjeux et la situation de la musique actuelle, sur l'influence des musiques extra-européennes, ou sur les théories d'Ansermet, côtoient des portraits de compositeurs marquants (Ives, Schoenberg, Bartók, Zimmermann, Boulez, Berio, Nono, Kurtág, Holliger, Lachenmann, Nunes, Gervasoni, Jarrell, etc.), et des réflexions sur différentes ouvres. Ces textes, par leur souci de replacer le phénomène musical à l'intérieur d'un contexte historique et d'idées, s'adressent plus encore qu'au spécialiste à l'amateur éclairé ; ils évitent le jargon musical au profit d'une réflexion esthétique approfondie, soucieuse du contenu de la musique de notre temps.

Entretiens avec Claude Helffer

Plus de livres de Philippe Albèra

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques