Jawlensky ou le visage promis

Emil Nolde au Grand Palais

Peintre russe, compagnon de route de Kandinsky durant la première décennie du XXe siècle à Munich, Alexej von Jawlensky offre l'exemple d'un artiste qui participe à la modernité en faisant l'expérience des frontières : entre expressionnisme et fauvisme, entre figuration et abstraction. Cette oeuvre singulière entame une exploration du visage, qui se simplifie au cours des années, s'éloigne de la ressemblance, puis se brouille, perd ses traits, pour n'être plus qu'un souvenir lointain que l'on n'arrive plus à fixer. Jawlensky, peut-on dire, invente une figure paradoxale, celle du visage abstrait.

Jawlensky - La promesse du visage

LE LIVRE Rien ne nous empêche d'aimer Chagall, quand bien même nous ignorons la tradition où le folklore judaïques. A une période où la peinture proclame l'indépendance descriptive de la couleur et de la forme, l'imagination poétique du peintre, qui l'éloigne de toute imitation, la richesse chromatique de son univers pictural, son travail sur la légèreté et les transparences assurent à Chagall une place de choix dans le panthéon de la modernité. Le peintre n'a, du reste, jamais renié sa dette envers l'avant-garde parisienne et ses différentes expressions (fauvisme, cubisme, orphisme, futurisme). Ses fables dessinent un village juif, ancré dans ses traditions mais confronté à un monde russe en transformation. Un monde où la synagogue côtoie les clochers des églises, où des paysans robustes sont conviés à une cérémonie de noce célébrée selon les rites hébraïques. Des visions souvent énigmatiques, où se mêlent la culture yiddish et l'art populaire russe, le judaïsme et le christianisme, le rationnel et l'absurde.

Chagall

Mal aimé et mal compris, le « lieu commun » constitue pourtant le ciment discursif indispensable à l'existence d'un lien social : il enregistre ce qui permet le partage. Sartre disait à ce sujet : « ce beau mot désigne sans doute les pensées les plus rebattues, mais c'est qu'elles sont devenues le lieu de rencontre de la communauté. Chacun s'y retrouve, y retrouve l'autre ». Les lieux communs ne sont pas l'expression d'un universel anhistorique, mais formulent au contraire des images et des constructions mentales qui prennent leur source dans un contexte donné : elles sont forgées par et pour une société déterminée qui parle d'elle-même et de son temps.
Dans son acception courante, le terme a pris un sens péjoratif : celui de la banalité, du cliché et du stéréotype. Pour la création artistique qui vit, depuis l'époque romantique, sous le régime de la singularité, le lieu commun a longtemps été ressenti comme disqualifiant. Donne-t-il pour autant naissance à des représentations nécessairement préconçues et figées ? À partir des années 1960, un double renversement relance le débat : les artistes se révoltent contre la dictature de l'originalité et le concept se trouve replacé, par l'idéologie de l'avant-garde, au centre névralgique de la création. Alors que les lieux communs s'affichaient autrefois comme les idées reçues que l'art avait mission de révoquer en doute, ils s'affirment aujourd'hui, en tant que tels, comme le matériau crucial du geste créateur.

Lieux communs ; l'art du cliché

Il y avait le bronze, le marbre ou le plâtre : il y a aujourd'hui l'acier, le fer ou même le plexiglas. On connaissait l'artiste sculptant dans son atelier ; il n'est pas rare de nos jours de le rencontrer dans une usine, découpant des plaques de métal ou soudant la tôle. Avant, on regardait chaque œuvre comme une création originale : depuis Marcel Duchamp, une roue de vélo peut être considérée comme œuvre d'art.
C'est dans le domaine de la sculpture, on le voit, que les transformations caractéristiques de la modernité ont été les plus radicales. A travers le travail de douze artistes majeurs, très célèbres comme Picasso, Giacometti ou Brancusi, ou moins connus comme Gonzalez ou Pevsner, cet ouvrage nous en fait découvrir la spécificité, nous aide à percevoir les nouveaux rapports entre le volume, l'espace et le corps.
Plus de cent vingt œuvres sont reproduites, provenant de musées français et étrangers, mais aussi de ces lieux, de plus en plus nombreux, où s'expose l'art contemporain : parcs municipaux, jardins privés, rues ou places publiques.

La sculpture moderne au Musée national d'art moderne Centre Georges Pompidou

The whole issue of the face is central to the work of Alexei von Jawlensky (1846-1941), this Russian painter who emigrated to Germany. His work hovers between figurative and abstract representation of the face and offers another viewpoint on modernity. How is it that a contemporary painter managed to devote virtually all of his production to the face? How could he choose for his work's paradigm such a traditional form as the icon? Jawlensky exemplifies the artist who participated in modernity without belonging to it and experienced the frontiers between genres. His artistic quest achieved an impossibility: the abstract face.

Jawlensky ou le visage promis

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