l'ABCdaire Dada

Il se pourrait bien que dans le continuum de l'art, depuis la Renaissance, l'alchimie n'ait jamais vraiment disparu. Une oeuvre de Hucleux, objet inclassable, restera comme une des plus belles tentatives d'union, de réconciliation, du scepticisme et de la fragilité orientale. Il n'y a aucune évidence à voir la réalité au plus près. Il n'y a pas, non plus, de bonheur à construire contre. La seule vérité réside dans la dissolution de l'image par elle-même, dans les assauts répétés d'un homo faber saisi par le doute. Mais l'homme a montré trop de passion pour l'impossible pour brider son savoir-faire dans une représentation laborieuse du réel. Ce qui est radicalement neuf dans l'oeuvre de Hucleux, c'est l'art du dépassement des contradictions, cette volonté farouche et continue de perturber et dérégler la logique. La liberté de cet art est dans sa subversion même, dans la caricature et l'admiration du copiste. Double borgésien de Pierre Ménard, Hucleux, en aventurier, a inventé un lieu extravagant, introuvable sur la carte de la création. F C

Jean Olivier Hucleux - A la pointe du crayon

Cet ouvrage est le deuxième volume d'un ambitieux projet de catalogue raisonné consacré aux oeuvres produites par Francis Picabia (1879-1953) et se penche en particulier sur ses créations de 1915 au milieu de l'année 1927. A cette époque, l'artiste, en pleine élaboration de son esthétique machiniste, joue un rôle central dans le développement du mouvement Dada à Paris. De plus en plus provocantes, les compositions mécanomorphes qu'il imagine alors sont au nombre des réalisations majeures de ce mouvement synonyme d'irrévérence. Le volume s'achève avec les créations du milieu des années 1920 : les célèbres collages et la fameuse série des "monstres", que l'artiste décline en flamboyantes compositions figuratives. Au fil de cet ouvrage, les meilleurs spécialistes nous livrent leur lecture d'une démarche artistique hautement singulière. Le catalogue raisonné comprend également la reproduction de chacune des oeuvres avec ses données factuelles, une chronologie, la liste complète des expositions ainsi qu'une bibliographie détaillée.

Francis Picabia - Catalogue raisonné Volume 2 (1915-1927)

Les enjeux du procédé créatif de Francis Picabia, entre exaltation et rejet du moi, au coeur de la constitution de la modernité.
« Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia. » C'est dans cette tension entre exaltation et rejet du moi que l'artiste a indiqué sa position dans la modernité. Son refus de l'action collective s'est exprimé au coeur de la Grande Guerre dans une oeuvre centrée non pas sur l'histoire ni sur des problèmes plastiques, mais sur le moi. 
Aujourd'hui pense à moi prend le pari que son sujet est également son outil d'analyse et qu'il se nomme Ego. Couvrant une période qui va de l'abstraction de 1913 chez Picabia jusqu'à sa peinture maximaliste dite des Monstres entre 1924 et 1927, ce livre révise certaines des certitudes les mieux établies sur l'oeuvre et propose de voir dans la formalisation de l'ego un processus clé de la modernité, producteur de ses propres ruptures. Articulé à l'analyse freudienne de la mélancolie, ego devient une procédure conceptuelle qui contraint à reposer l'ancienne problématique mimétique. 
« On ne peut mettre dans le coffre la clé qui ouvre le coffre » nous dit l'historien. C'est pourtant ce que l'art de Picabia - ce coffre à double fond - systématisa. Face à la menace de la mécanisation définitive de l'art (dont les images produites aujourd'hui à l'ère du capitalisme narcissique sont les surgeons directs), sa réponse en forme de répétition mélancolique résida dans le détournement occulte de l'image. 
« Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia. » Ce livre s'attache à montrer les enjeux de cet aveu en forme de nom propre dans la modernité.

Aujourd'hui pense à moi ; Francis Picabia, Ego, Image

Annette Messager - Melo-Meli

ans une éphémère feuille dada intitulée La Pomme de Pins, Picabia affirmait en 1922 : « Picasso est le seul peintre que j’aime ». S’agit-il là d’une nouvelle illustration de la force d’attraction et de l’influence prépondérante de Picasso sur un artiste du XXe siècle ?Unis par des origines méridionales communes, l’Espagnol Pablo Picasso (1881-1973) et le Français de père hispano-cubain Francis Picabia (1879-1953), furent plus proches que ce que l’histoire en a retenu – et cela, pour une raison au moins : goûtant la même liberté d’expérimentation en art, leurs carrières respectives, pour différentes qu’elles soient, ne furent qu’une longue rupture avec l’idée même de style – cette soi-disant marque « unique » du créateur dans l’art occidental. Avec Picasso et Picabia, les métamorphoses de soi sont érigées en mode de vie. « Un peintre, disait Picasso, ne doit jamais faire que ce que les gens attendent de lui. Le pire ennemi d’un peintre, c’est le style ». Picasso et Picabia ne firent effectivement jamais ce que l’on attendait d’eux.Cette exposition est organisée dans le cadre de « Picasso-Méditerranée », manifestation culturelle internationale qui se tient de 2017 à 2019. Plus de soixante institutions ont imaginé ensemble une programmation autour de l’œuvre « obstinément méditerranéenne » de Pablo Picasso. À l’initiative du Musée national Picasso-Paris, ce parcours dans la création de l’artiste et dans les lieux qui l’ont inspiré offre une expérience culturelle inédite, souhaitant resserrer les liens entre toutes les rives.

Picasso Picabia: La peinture au défi

En quoi Jacques Vaché, Claude Cahun, Jacques Baron, Jacques Viot et Raymond Hains ont-ils contribué à tracer certains des contours du surréalisme, non seulement à ses origines mais tout au long de l'histoire du mouvement ? Pour traiter cette question, neuf spécialistes et universitaires se proposent, par leurs contributions ici recueillies, d'examiner l'apport des chevaliers de la table ronde de l'esprit qui - rassemblées d'une manière analogue - ont porté le projet surréaliste. De cette communauté d'âmes, vagabonde, engagée dans un jeux de confluences inconscientes ou involontaires, émergent des lignes de forces par lesquelles les engagements individuels se sont affirmés. La fréquentation de ces textes d'horizons divers, tend à enrichir la mémoire collective des génies surréalistes.

Au-delà de la peinture - Ces rêveurs définitifs

Spanning six decades of the artist's work, Matisse: life & spirit presents an extraordinary immersion in the range and depth of the art of Henri Matisse, one of the world's most beloved, innovative and influential artists.

The works reach from his early adventures in colour as a Fauvist through to the serene and distilled designs for his chapel in Vence in the south of France. Through paintings, drawings, sculptures and a compelling presentation of his triumphant cut-outs, it reveals how Matisse renewed his vision time and again over his long career, seeking new ways of celebrating the seen world and expressing the energy he felt in it.

Highlights include the especially important early work Le Luxe I 1907; the mid-career masterpiece Decorative figure on an ornamental ground 1925; and the majestic self-portrait, The sorrow of the king 1952, one of the largest of the famous cut-outs that the artist created in his late career.

Filled with brilliant colour, dynamic energy, visual joy and emotional power, Matisse: life & spirit offers an inspirational journey through the life and art of this ceaselessly inventive and life-affirming painter.

Developed in collaboration with the Centre Pompidou in Paris, which holds an exceptional collection of w orks by the artist, Matisse: life & spirit is the greatest single exhibition of Matisse masterworks ever to be seen in Sydney.

l'ABCdaire Dada

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