La peinture de fleurs

Qui ne connaît, au moins par un tableau, l'histoire de Suzanne, cette belle et pieuse femme, injustement accusée par deux anciens et sauvée par l'intervention de Daniel, alors tout jeune homme ?Pour méditer cet épisode et en restituer la profondeur, trois auteurs conjoignent ici leurs voix : un romancier, une exégète et une historienne de l'art.Jacques Henric maintient ensemble, dans une fiction suggestive inspirée des ?uvres du Tintoret, les pensées du scénariste d'un film sur Suzanne et les vieillards, celles de Tintoret, de son modèle, puis de Suzanne elle-même parlant au peintre, chaque voix dramatisant la scène et lui donnant son épaisseur. Joëlle Ferry, abordant la structure du texte biblique, en ressaisit les portées juridique (critique de la corruption des juges), morale (Suzanne, modèle de fidélité conjugale et d'observance de la loi) et théologique (omniprésence d'un Dieu soutenant l'espérance de son peuple). Joséphine Le Foll propose une généalogie du motif pictural de Suzanne : de la figure de l'Eglise, agneau menacé par les loups dans une fresque des catacombes, à la Nymphe surprise d'Edouard Manet, en passant par Tintoret et Rembrandt, elle montre la tension qui fait la richesse de ce thème.

Suzanne et les vieillards : Tryptique

Le pari de cet ouvrage ? Offrir au spectateur, en partant de la simple observation et non d'un savoir préétabli, les repères indispensables en matière de format, de genre, de composition, de medium, de chromie, d'affects, pour lui permettre de développer par lui-même son propre cheminement visuel dans les oeuvres et amplifier le plaisir de la contemplation. Pour cela, il est essentiel de saisir en quoi un espace pictural peut être ouvert ou fermé, ce qui fait qu'une forme est nette ou floue, une couleur chaude ou froide et une touche structurée ou lisse. Ces dispositifs constituent ce que l'on appelle le « style » ou la « manière » d'un artiste, bref ce à partir de quoi l'on reconnaît ses oeuvres. Tous ces procédés sont ici mis en évidence au moyen d'un système visuel binaire d'une grande clarté pédagogique fondé, toujours à travers la comparaison de deux oeuvres, sur l'opposition des options plastiques (coloris chaud ou froid ; espace ouvert ou fermé ; matière rugueuse ou lisse etc.).

Comment voir un tableau

Inventé à partir de la boutade ironique d'un critique d'art sans qualité, le mot "impressionnisme" désigne moins un mouvement cohérent que la rencontre d'un groupe de peintres, soudé par le même rejet de l'académisme, qui choisirent d'exposer ensemble leurs oeuvres, entre 1874 et 1886. Qu'y a-t-il de commun, en effet, entre les paysages ruraux aux tons sourds de Pissarro et les coulisses de l'Opéra, traversées de lumière électrique et de tulle multicolore, peintes par Degas ?
Né sous le signe de Manet, l'impressionnisme s'oppose profondément à la conception classique de l'art et annonce l'avènement d'un nouvel ordre esthétique. Travail en plein air et sur le motif, scènes de la vie moderne et quotidienne, couleurs claires et juxtaposées, style inachevé "non fini", touches visibles et légères, vibration de la lumière, effets de cadrage : en moins de vingt ans, en fixant tout un monde de sensations et de visions éphémères, ces artistes ont réalisé l'une des révolutions les plus importantes de l'histoire de la peinture.
Outre le récit "historique", cette histoire de l'impressionnisme expose pleinement les caractéristiques de cette "nouvelle peinture" et la singularité qui, en dépit d'un projet commun, distingue les artistes du groupe des Batignolles. Elle révèle par ailleurs comment l'impressionnisme influencera les artistes à l'étranger (Angleterre, États-Unis, Espagne, Scandinavie ...), résonnera dans les autres arts (musique, littérature, photographie, cinéma) et conduira aux néo - et post-impressionnisme puis aux grandes mutations du XXe siècle, telle l'abstraction.

L'impressionnisme

Depuis que l'art est l'art, le cœur de l'activité artistique s'est toujours déroulé à part, soit dans le recueillement solitaire nécessaire à la création, soit au contraire dans l'effervescence des grands ateliers européens de la Renaissance et des temps baroques (que l'on songe à Titien et Rubens) ou, plus près de nous, dans l'émulation fraternelle de galetas bohème comme le célèbre Bateau-Lavoir de Picasso, Van Dongen et Gris. Ainsi en va-t-il pour Andrea Mantegna, mis en apprentissage en 1441 dans le meilleur atelier de la ville de Padoue, en Italie : celui de Francesco Squarcione, où il se forme dans le climat humaniste très antiquisant qui caractérise alors cette cité. Après avoir ouvert son premier atelier personnel, ou bottega, en 1448 dans la même ville, il est appelé à Mantoue par les Gonzague où il va se transformer en peintre de cour. Conformément au parti de la collection, cet ouvrage offre une triple approche de l'art de Mantegna à partir de l'atelier comme lieu de travail, comme cadre d'élaboration des thèmes représentés et comme laboratoire des techniques mises en œuvre. Tous les tableaux sont commentés selon cette triple approche. À la cour des Gonzague, Mantegna va pouvoir donner libre cours à de grands programmes allégoriques et décoratifs réalisés à la fresque qui, sous le couvert de la fable, ont pour fonction de glorifier ses maîtres. Une partie des commandes concerne la peinture religieuse qui est étudiée ici dans le rapport du respect de la tradition et des innovations apportées par le maître. Enfin, les principales techniques mises en œuvre, en fonction des programmes : l'huile sur bois, la peinture à fresque, la gravure sur bois ou au burin sont approchées, exemples commentaires d'œuvres à l'appui.

L'atelier de Mantegna

Découvre les tableaux des peintres impressionnistes par le jeu du puzzle ! À chaque page plusieurs pièces du puzzle sont associées à des devinettes qui t'aideront, petit à petit, à construire le tableau en entier. En plus, les puzzles aussi t'aideront à trouver en jouant pour toi. À vous de jouer !

La peinture de fleurs

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