Cet ouvrage monographique porte un regard rétrospectif sur la carrière artistique de Roger Blaquière. La peinture en est le fil conducteur mais d'autres recherches l'attirent : le textile dans les années 70-80, la linogravure depuis 1965, les livres d'artistes et l'illustration pour les ouvrages de ses amis écrivains, le modelage, les terres cuites mais aussi un travail conséquent sur les grands formats picturaux conçus

Roger Blaquiere

Olivier debre

Chinois de Pékin, Wang Yan Cheng occupe une place insigne parmi ses célèbres aînés, Chu Teh-chun et Zao Wou-ki. L'héritage calligraphique et la tradition plastique occidentale s'interpénètrent dans une œuvre exprimant la nature cosmique et universelle. Si l'abstraction n'a aucun sens pour un peintre chinois, Wang Yan Cheng retrouve les grands rythmes de la nature, décelés chez Cézanne. De même, a-t-il assimilé les leçons de la peinture occidentale des grands maîtres étudiés dans les musées européens. Ses peintures s'embrasent sous l'assaut de gestes fougueux, mais dominés pour dire les brumes, les cimes des pins enveloppés dans les vapeurs, l'humus de la terre, le frémissement de l'eau, la lune et l'immensité du ciel et de l'océan. Wang Yan Cheng tend à l'osmose avec l'espace réel. Réels ou imaginaires, ses paysages naissent d'expériences existentielles, d'émotions vécues, de souvenirs, d'une mémoire ancestrale, dans laquelle, le taoïsme s'accorde aux énergies originelles, aux forces élémentaires qui régissent le monde. Ses équivalences formelles et colorées participent physiquement au mystère de l'univers. La lumière s'arrache des ténèbres, des éclaircies submergent la surface pour transposer les épousailles de la terre et du ciel. La peinture de Wang Yan Cheng en traduit la respiration secrète. L'artiste vit et travaille à Paris et à Pékin.

Wang Yan Cheng

Georges Folmer, avec constance et acharnement, abandonne toute trace de figuration pour devenir l'un des maîtres de l'abstraction géométrique des années 1950-1960. La grande historienne de l'art Lydia Harambourg, passionnée par l'oeuvre de Folmer, revient sur ce cheminement qui a marqué l'histoire de l'art du XXe siècle. "En art, il n'y a pas de hasard, tout est réflexion, tout est démarche pensée." Cette affirmation de Georges Folmer (1895-1977) résume à merveille la ligne de conduite qu'il n'aura cessé de suivre, avec constance, rigueur et acharnement, pour s'extraire de toute figuration et devenir l'un des maîtres de l'abstraction géométrique, qui s'épanouit en France dans les années 1950-1960. Peintre et dessinateur, mais aussi sculpteur, créateur d'affiches, de meuble, d'objets d'art décoratif, Folmer explore tous les supports. S'imprégnant des grands courants de l'abstraction - le cubisme et le néoplasticisme en particulier -, trouvant aussi l'inspiration dans la poésie, la musique, les mathématiques, il élabore peu à peu un nouveau langage plastique, une forme d'expression" non figurative et non objective". De Nancy à Paris, Lydia Harambourg retrace le parcours riche et complexe de Folmer, à la conquête de l'abstraction la plus pure.

Folmer - La Conquête de l'abstraction

Jean-Michel Coulon a passé sa vie à créer, dessiner et peindre... dans un secret quasi-absolu. Il ne laisse personne entrer dans son atelier et à sa mort, en 2014, sa famille découvre une oeuvre structurée, intacte et inédite qui compte plus de 800 peintures et collages. Dès 20 ans, il décide de se consacrer entièrement à la peinture. D'emblée ses oeuvres sont toutes abstraites. Au cours des années d'après-guerre il est introduit dans les cercles artistiques comme la seconde Ecole de Paris et devient proche de peintres tels que Nicolas de Staël, André Lanskoy, Maria Helena Vieira da Silva et Arpad Szenes. Ses débuts sont prometteurs puisqu'à 30 ans il expose seul à la galerie Jeanne Bucher dont le livre d'or témoigne de la présence d'artistes qui connaitront bientôt la célébrité. Parmi eux, Rothko, Vieillard, Deyrolle ou Arnal. L'année suivante, en 1950, il participe à une exposition de groupe à New York. Ensuite, cependant, sans jamais cesser de créer, il refusera presque toutes les propositions d'exposition. Cet ouvrage propose de découvrir le travail d'un artiste qui a refusé la reconnaissance du grand public de son vivant, alors qu'il a dédié sa vie à son oeuvre.

Jean-Michel Coulon (1920-2014)

Yves Brayer Tome 2 ; oeuvres peints 1961-1989

Georges Mathieu, décédé en 2012, était né en 1921 à Boulogne-sur-Mer. Il fut l'un des maîtres de la peinture du XXe siècle, créateur de l'Abstraction lyrique. Son esthétique est indissociable d'une éthique et d'une métaphysique qui remettent en cause le système de pensée, de Platon à Heidegger, sur lequel repose le monde occidental. Le combat qu'il mène depuis plus d'un demi-siècle contre l'humanisme cartésien se traduit picturalement par la primauté du geste sur la pensée.
Inventeur de signes, ceux-ci précèdent le sens pour une inversion sémantique qui bouleverse notre vision millénaire de la peinture. Sa dialectique picturale postule l'improvisation, la spontanéité, la vitesse requises au nom de l'imaginaire, de l'inconnu et du risque qui ont pour conséquence immédiate sa pratique, novatrice, de peindre en public des toiles gigantesques dans un temps record. Mathieu renoue avec la démarche des grands mystiques (Saint-Jean de la Croix) comme avec celle des peintres orientaux. Le public japonais reconnaîtra très tôt dans le peintre, un des siens. Acteur insigne de l'aventure abstraite des années 50 et ordonnateur des grandes expositions historiques qui révèlent Wols et Pollock et confrontèrent pour la première fois peinture américaine et peinture française, Mathieu a poursuivi son parcours en solitaire. Dès 1958, des rétrospectives ont lieu dans le monde entier, alors que des expositions sont organisées dans les plus importantes galeries françaises et internationales. Peintre, écrivain, philosophe, il milite avec une ardeur peu commune pour une prise de conscience ouvrant sur une entreprise spirituelle, pour une " renaissance de demain ", dont témoignent dès 1972 ses livres, parmi lesquels le plus récent " désormais seul face à Dieu " (1998). Georges Mathieu, le premier, a osé ce " saut dans le vide " revivifiant l'énergie primitive à partir des fulgurances des signes, de la prolifération des taches et du déchaînement flamboyant des couleurs, pour un art prophétique.

Georges Mathieu

Figure majeure de la peinture française après la Seconde Guerre, Geneviève Asse a bâti son oeuvre à l'écart des modes. Peintre de la lumière et de l'espace révélés par sa Bretagne natale, elle adopte le bleu, couleur emblématique de sa palette. Elle décline depuis plus de soixante ans le « bleu Asse » qui « prend tout ce qui passe », et joue d'une infinité de valeurs dans ses vues maritimes inspirées par la presqu'île familière de Rhuys et l'Ile aux Moines où elle achète une maison en 1987. 
L'auteur, qui connaît bien l'artiste née à Vannes en 1923,  nous fait pénétrer dans son univers et nous la fait suivre tout au  long d'un parcours de vie très riche.
Geneviève Asse passe son enfance dans le golfe du Morbihan avec la mer pour ligne d'horizon, ancrage de sa peinture. A Paris, en pleine Occupation, elle suit les cours à l'école nationale des arts décoratifs et s'engage fin 1944 dans la 1re DB comme conductrice ambulancière. De Belfort à Berlin elle participe à la campagne d'Alsace et d'Allemagne et prend part à l'évacuation du camp de Terezin. Après la guerre, elle dessine pour les maisons de tissus Bianchini Ferrier, Paquin. Liée d'amitié avec l'industriel et collectionneur Jean Bouret, elle rencontre par son intermédiaire Nicolas de Staël et Beckett, qui deviendra un ami fidèle, tout  comme Bram Van Velde. Elle côtoie Poliakoff, Lanskoy, Charchoune, Geer Van Velde.  
Aux peintures blanches inspirées par la lumière du midi à la suite d'un séjour en Catalogne, succèdent dans les années 1970 des compositions en hauteur structurées par des lignes verticales ou horizontales suggérant des portes ou des fenêtres, « un fil tendu en équilibre », qu'elle reprend dans ses gravures. 
A partir des années 1980, le bleu envahit la toile et absorbe le vide. Une ligne de démarcation, blanche, rouge à la fin des années 1990, divise la surface pour des symétries décalées. La série Stèles (hommage à Victor Ségalen) est donnée en 2012 par l'artiste au musée national d'art moderne venant compléter les achats de l'Etat commencés dès 1955 et enrichir les donations de l'artiste au Centre Pompidou. 
Geneviève Asse a réalisé plusieurs commandes de vitraux à la cathédrale de Saint- Dié (1988) et à la Collégiale de Lamballe (1996). Plusieurs rétrospectives lui ont été consacrées:  au musée de Reims,  au musée d'art moderne de la Ville de Paris et récemment au musée de Rouen en 2009-2010. 
De nombreuses expositions dans les galeries Claude Bernard, Jan Krugier,  Ditesheim et Maffei, Marwan Hoss, contribuent à sa reconnaissance internationale. 
A l'occasion de son 90e anniversaire, les musées de Montpellier, Vannes et le Centre Pompidou lui ont rendu hommage.

Roger Blaquiere

Résumé

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Critiques

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