Flowers are the centerpiece in the majority of pictorial still-lifes. By painting their colours and forms, artists from Brueghel to O'Keeffe have created symbols for both life and mortality. Van Gogh's sunflowers, Monet's water lilies and Matisse's bouquets are, of course, unforgotten. Most of the works contained in Flowers are true masterpieces, which have often marked whole epochs and styles.

Flowers 120 illustrations

Az e-könyv a Kossuth Kiadó által nyomtatásban megjelentetett nagysiker? Világhíres fest?k cím? sorozat azonos cím? kötetének szöveganyagát tartalmazza, az illusztrációk nélkül. Sandro Botticelli itáliai fest?, a korai reneszánsz idején a firenzei iskola legjelesebb képvisel?je volt. Nem könny? feladat teljes bizonyossággal megkülönböztetni a kezét?l származó alkotásokat, e termékeny életm? legszembet?n?bb vonása sajátos kett?ssége, ami a hagyományos kompozíciós elemek és kötöttségek merev betartása, illetve az érzelemkifejezés rendkívüli felszabadultsága és ereje között feszül? ellentétnek köszönhet?. A festmények architektonikus merevsége mögött ugyanakkor gyakran bonyolult szimbolikus tartalmak és a fest? saját életére, illetve kortársaira történ? konkrét utalások rejlenek.

Botticelli

L'oeuvre de Van Gogh symbolise la transition des Impressionnistes vers la peinture moderne, notamment celle des Fauves tels que Vlaminck ou Derain ou celle des Expressionnistes tels que Soutine ou Utrillo. Les différents tableaux que comptent les musées russes proviennent en presque totalité des collections Chtchoukine et Morozov (seuls marchands d'art russes qui s'intéressèrent à Van Gogh).
Le gouvernement de 1917 les confisquera et les oeuvres seront ensuite partagées entre le musée de l'Ermitage et le musée Pouchkine de Moscou.

Van Gogh

Sein Vater war ein wohlhabender Bürger, der darauf bestand, dass er "in allem unterrichtet wurde, was man Kinder lehrt". Doch der Junge hatte nicht viel für Lesen, Schreiben oder Mathematik übrig, so dass sein Vater die Hoffnung aufgab, ihn zu einem Gelehrten zu machen, und ihn stattdessen zum Goldschmied Botticelli in die Lehre gab, unter dessen Namen ihn die Welt kennt. Doch Sandro, ein eigenwillig blickender Junge mit großen, neugierigen Augen und einem blonden Haarschopf bestand darauf, Maler zu werden und kam deshalb schließlich zu dem Karmelitermönch Fra Lippo Lippi in die Lehre. Dem Frate lag Sandros Ausbildung besonders am Herzen, da er ihm auch persönlich sehr zugetan war. Wie dies inzwischen unter den Malern Mode geworden war, wandte sich der junge Maler nicht religiösen Motiven zu, sondern dem Studium der Schönheit und des menschlichen Charakters. Sandro machte schnelle Fortschritte, liebte und verehrte seinen Meister und brachte später dessen Sohn, Filippino Lippi, das Malen bei. Trotz seines realistischen Ansatzes war Sandro ein Träumer und Poet, nicht ein Maler von Fakten, sondern von Ideen. Deshalb sind auch seine Bilder weniger eine Darstellung von bestimmten Objekten, als von Mustern und Formen. Auch seine Farbgebung ist weder reich noch lebensnah, sondern untersteht immer der Form und bleibt oft nur eine Andeutung. Er interessierte sich für die abstrakten Möglichkeiten der Kunst, weniger für das Konkrete. So sind seine Kompositionen eher Muster; seine Gestalten besetzen nicht wohl definierte Plätze im Raum, sie wirken nicht durch massige Körperhaftigkeit, sondern eher flächig. Die Linien, die seine Konturen umgeben, verfolgen wohl einen dekorativen Zweck. Man sagt Botticelli nach, dass er "...obwohl einer der schlechtesten Anatomen, so doch einer der größten Zeichner der Renaissance" gewesen sei. Ein Beispiel fehlerhafter anatomischer Wiedergabe ist die unmögliche Art und Weise, in der der Kopf der Madonna am Hals befestigt ist und verschiedene merkwürdige Gelenke sowie eigentümlich geformte Glieder. Trotzdem gilt er als einer der größten Zeichner, weil er es nicht nur verstand, bloße äußere, sondern auch innere Schönheit wiederzugeben. Mathematisch ausgedrückt, löste er die Bewegung der Figur in ihre Faktoren - die einfachsten Ausdrucksformen - auf und kombinierte diese verschiedenen Formen in ein Muster, das durch rhythmische und harmonische Linien auf unsere Einbildung die poetischen Gefühle des Künstlers projiziert. Diese Fertigkeit, jeder Linie eine Bedeutung zu verleihen, unterscheidet den großen Zeichenkünstler von den vielen, die die Linie nur als ein notwendiges Mittel zur Darstellung von konkreten Gegenständen nutzen. Zu seinen wichtigsten Werken gehören: Der Frühling (1478), Madonna mit Kind (1480), Geburt der Venus (1485), Madonna della Melagrana (1487)

Dalí, Salvador (Figueras, 1904 - Torre-Galatea, 1989)

Peintre, artiste, créateur d'objets, écrivain et cinéaste, il est connu du public comme un des représentants majeur du surréalisme. Buñuel, Lorca, Picasso, Breton. : ces rencontres constituent autant d'étapes dans la carrière de Dalí. Réalisé avec Buñuel, le film Un chien andalou marque son entrée officielle dans le groupe des surréalistes parisiens où il rencontre Gala, la femme d'Éluard, qui deviendra sa compagne et son inspiratrice. Entre cet artiste éclectique et provocateur et les surréalistes parisiens, les relations se tendront progressivement à partir de 1934 jusqu'à la rupture avec Breton, cinq ans plus tard. Pourtant, l'art de Dalí relève bien de l'esthétique surréaliste dont il a conservé le goût pour le dépaysement, l'humour et l'imagination.

Dalí

En associant le mot rocaille, référence aux formes alambiquées des coquillages, à l'italien baroco, les Français donnèrent naissance au terme de « rococo ». Apparu au début du XVIIIe siècle, il s'étendit rapidement à l'ensemble de l'Europe. Extravagant et aérien, le Rococo répondait parfaitement à la désinvolture de l'aristocratie d'alors. Dans bien des aspects, cet art s'apparenta à son prédécesseur baroque, ce qui lui valut parfois le qualificatif de Baroque tardif.

Et, si des artistes tels Tiepolo, Boucher ou Reynolds portèrent le Rococo à son apogée, il fut souvent condamné pour sa superficialité. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le Rococo entama son déclin. À la fin du siècle, face à l'avènement du Néoclassicisme, il fut plongé dans l'obscurité et il fallut attendre près d'un siècle pour que les historiens de l'art lui rendent, à nouveau, l'éclat de son âge d'or, que nous font redécouvrir ici Klaus H. Carl et Victoria Charles.

Le Rococo

A bridge is a link between two worlds, a point of tension between two separate and often disparate locations. Free, belonging neither to one region or another, the bridge imposes upon the landscape and defies nature. Its existence embodies the will of mankind to construct these necessary bonds between people and places. A symbol of progress and innovation, the bridge, anonymous demonstration of the mastery and the durability of new techniques, is gradually becoming more and more light and fluid, constantly defying stateoftheart technology. As veritable aesthetic creations, bridges appear today not only as examples of masterful engineering, but also as incredible works of art. With its magnificent photographs, this book invites the reader to rediscover these modernday sculptures.

Bridges

Bouddha fait partie des personnages sacrés les plus représentés au monde, peut-être plus que ne l'est le Christ, sujet largement traité par les artistes du monde occidental. Vénérée dans tous les pays d'Asie, et même au-delà, son image a été façonnée sur la route de la soie. C'est également là que sont nées grand nombre d'écoles. En effet, la religion bouddhique reconnaît de nombreux bouddhas, suivant ses différents courants : ceux du bouddhisme de la " voie des anciens " (Theravada), du " grand véhicule " (Mahayana) ou encore ceux du bouddhisme tantrique (Vajrayana). Personnage adulé par tous, Bouddha fut représenté de toutes les manières, que ce soit en sculpture, parfois de façon monumentale, tels les bouddhas de Bamiyan aujourd'hui disparus, sur des peintures, mais surtout sur des fresques dans d'innombrables grottes comme celles d'Ajanta en Inde ou de Dunhuang en Chine. S'adressant à tous les passionnés de l'art asiatique, bouddhistes ou encore néophytes, cet ouvrage fascinant permet de découvrir ou redécouvrir Bouddha, son histoire, ses codes mais aussi ses innombrables visages au travers mille représentations sélectionnées parmi les plus belles oeuvres conservées dans les plus grands musées du Monde.

1000 Bouddhas de génie

Die Wiener Secession, gegründet von Gustav Klimt, Carl Moll und Josef Hoffmann, war ein Wegbereiter für die moderne Kunst. Zwanzig Künstler rebellierten gegen den erdrückenden Einfluss des konservativen Künstlerhauses auf die Wiener Kunstszene, gegen die veraltete Kunst einer Epoche und gegen die Mentalität des Kaiserreichs Österreich-Ungarn im Allgemeinen. Als Erben des Art Nouveau waren diese Künstler nicht einfach um ihre eigene Kunstnische bemüht, sondern strebten nach der Verwirklichung eines "Gesamtkunstwerks", einem umfassenden Kunstbegriff, der Kunsthandwerk, bildende Kunst und Architektur vereinen sollte.

Der Kampf der Secession repräsentierte gleichzeitig den Kampf vieler Kunsthandwerker, Architekten und Gestalter dieser Epoche, der Bevölkerung ein neues Kunstverständnis nahezubringen. Die Künstler der Secession kehrten der etablierten Kunst den Rücken, um mit neuen dekorativen Formen und Ideen zu experimentieren und sich für eine sinnträchtige, erotische Ästhetik zu öffnen - ein Weg, der sie auf Kollisionskurs mit dem gutbürgerlichen Empfinden der gehobenen Wiener Gesellschaft brachte.

Dieser Bildband eröffnet dem Leser die Vielfalt und die Bildgewaltigkeit einer revolutionären Kunstbewegung, deren Motto "Der Zeit ihre Kunst. Der Kunst ihre Freiheit" ein Ausdruck eines neuen, innovativen Kunstverständnisses ist, das sich allumfassend in der Malerei, Bildhauerei und Architektur dieser Gruppe widerspiegelt.

Flowers 120 illustrations

Résumé

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