L'ombre et la scène

Vsevolod Meyerhold avait sans doute vu juste lorsqu'il prédit il y a un siècle, qu'un jour viendrait où le choeur réapparaîtrait sur scène : on constate ces dernières années un très fort intérêt pour cette forme théâtrale originelle. En quête de nouveaux moyens d'expression, nombre d'artistes y recourent, de tous bords ; certains, même, le placent au fondement de leur travail. Ecriture, mise en scène, chorégraphie, jeu, aucun domaine n'y échappe, plusieurs publications récentes en témoignent. Ce volume réunit des études qui traitent la question de façon originale sinon inattendue car elles abordent des formes atypiques ou détournées du choeur (il s'agit notamment des communications de la Journée d'étude "Du choeur antique aux choralités contemporaines", Université de Lille 3, 13 mars 2008). Elles tournent autour de deux pôles, le passé et l'ailleurs (lointain ou proche : l'Antiquité et Claudel, la Gréce et le Japon), et le présent (en France et ailleurs). Ce n'est pas le choeur de la tragédie, mais celui de la comédie antique d'Aristophane, si particulier car auto-référentiel, qui est étudié dans deux contributions. Le choeur comique, avec pour fin la célébration du poète, glissant du collectif à l'individuel, signa sa disparition, et ce suicide de la comédie ancienne est à relier à la mort de la démocratie athénienne. Point de paradoxe : les corps invisibles, les êtres multiples et les écritures corporelles des temps passés, que fait émerger l'acteur de butô, convoquent de façon spectrale la forme chorale. Cette étude est suivie d'une autre qui démontre comment, chez Claudel, la choralité émane du public, grâce à divers jeux de mise en abyme qui dédoublent l'échange entre la scène et la salle, et par là celui du monde terrestre et céleste. Quant au défi qu'est le choeur pour la scène contemporaine européenne, il est abordé par trois études. Pour représenter celui, atypique, des Bacchantes d'Euripide, en 1974, Klaus Michael Grüber le mit en phase avec les mouvements artistiques essentiels du moment, ouvrant sans doute ainsi une voie nouvelle à l'interprétation du drame antique. Les deux décennies qui suivirent donnèrent naissance en France à des collectifs d'artistes qui mobilisèrent leurs énergies afin de créer un théâtre de solidarité et d'engagement collectif où, le groupe étant privilégié par rapport à l'individu, la choralité prenait la forme esthétique d'une révolte. Tandis que, pendant cette période, en Allemagne, le travail singulier d'Einar Schleef sur la démultiplication des personnages aborde de façon aussi provocatrice que novatrice la question de la choralité : ainsi dans son adaptation de Maître Puntila et son valet Matti de Bertolt Brecht. S.H.

Du choeur antique aux choralités contemporaines

Cet ouvrage se consacre à la perte de la voix harmonieuse par laquelle on exprimait, jusqu'au XVIIIe siècle, l'idée d'une unité du monde : alors commence de s'élaborer la pensée d'une autre voix, souterraine et peut-être silencieuse, circulant à l'intérieur des êtres, qu'il s'agit d'extraire afin de rejoindre les splendeurs effacées. C'est la naissance d'une pensée de l'individu, qui fait l'épreuve de l'étrangeté à l'intérieur de soi, qui guette le silence habité d'une mélodie née des mécanismes de son corps et y découvre la mort sensible. On décrit ici l'élaboration, par le mot et par l'image, de cette métaphore musicale qui supporte des procédures d'isolement de la voix singulière et funèbre, tendue par la nostalgie de l'harmonie lointaine. les contours d'un lyrisme moderne se précisent, où Baudelaire, Leopardi, Rilke, Tolstoï, Beckett se trouvent réunis.

Idée de la voix - Etudes sur le lyrisme occidental

En proposant d'aborder les voix acousmates en littérature, l'ouvrage se consacre aux voix délaissées par la critique. Les voix acousmates désignent ce que l'on croit entendre, des "cas de fantômes sensoriels constitués par un son à source invisible" (Michel Chion). Le terme fait écho aux disciples débutants de Pythagore, nommés les Acousmatiques qui devaient rester derrière une tenture pour mieux écouter les leçons du maître. Ce livre propose des études de cas d'oeuvres majeures de la littérature française (Verne, Villiers de l'Isle-Adam, Duras...) et anglophone (Cather, Beckett, Hardy, Conrad...). Il aborde également les domaines de l'opéra, de la poésie sonore, du rire et convoque des approches poétiques, textuelles, narratologiques et psychanalytiques des acousmates en littérature. Cette forme de "vocalité secondaire" retrouvée chez Beckett et Duras intéresse des critiques récents comme Garrett Stewart ou Mladen Dolar, car cette "auraltérité" (Dolar) conditionne la poéticité des textes. Chaque partie du livre incarne à sa façon la présence-absence des voix dans l'écriture ou les arts qui transparaissent tour à tour sous une forme ténue (traces, restes, échos, graphie, voix off) ou modifiée (par des appareils enregistreurs, acousmachines ou phonographes). Qu'il s'agisse de formes discrètes ou plus sonores, il y a toujours un petit fantôme qui se glisse dans les fissures de la prose tel un grain de voix dans la machinerie du texte. Il en ressort un puissant pouvoir métamorphique et une insaisissable variété des acousmates. Les acousmates se révèlent ainsi porteurs d'une nouvelle esthétique à explorer.

Des voix acousmates en littérature

Certainement, la musique est l'art d'agencer des sons. Mais elle est aussi, et c'est l'objet de ce livre, une manière de représentation du monde et de l'être au monde. Pour établir les lois de cet imaginaire, sont examinées la théorie musicale et l'activité compositionnelle, mais aussi le discours philosophique, médical, esthétique, où la musique affleure lorsque cessent lés certitudes de l'observation. Trois grandes directions d'étude sont envisagées : l'une rapporte la représentation musicale à la personne royale, détentrice de l'harmonie, la secondé examine la position des encyclopédistes qui vont d'abord greffer le discours musical sur le propos philosophique, puis faire apparaître un principe à la fois musical et existentiel, la mélodie, dont Rousseau est l'inventeur. Se fait jour, face au principe de l'harmonie, une autre pensée qui coïncidé avec idée d'une beauté nouvelle, liée à l'émergence de la sensibilité et des voix singulières issues des profondeurs du corps, démarche qui va s'unir à la pensée d'une énergie, examinée en troisième lieu, à laquelle la musique se trouve étroitement mêlée et dont la Révolution donne la version sublime. Il n'en va donc pas là seulement des sonorités, mais dé toute une conception de l'existence publique et privée, voire du bonheur. La modernité commencé de se définir comme, l'art de faire entendre ce qui lie chacun à sa propre ligne brisée, soit s sa mort.

L'imaginaire de la musique au Siècle des Lumières

Le regard trouble

On disait, après la Révolution, que la douceur de vivre avait disparu. Non les fastes de l'Ancien Régime, ni l'extraordinaire élan intellectuel de ce siècle mais plutôt une manière d'être, dont la disparition rendait nostalgique. C'est d'un rapport privilégié au monde qu'il s'agissait, ou d'un regard particulier, difficile à imaginer aujourd'hui. C'était en quelque sorte faire remonter ce qu'il y a de divin en soi jusqu'à ce qu'il y a de divin dans l'univers. Cette remontée est proprement l'expérience de la grâce, qui suppose une beauté du monde et en prolongement une possible beauté de la personne dans son esprit et dans son corps, que les peintres ont tenté de représenter. Ce livre suit successivement des chemins qui conduisent à montrer en quoi consista concrètement cette douceur de vivre et comment s'est définie l'esthétique de la grâce, qui régna souverainement au XVIIIe siècle français. Il y eut en ce siècle des façons de penser le monde, de conduire son corps, de peindre les femmes, d'aménager les jardins et d'écrire des livres - toutes conduites derrière lesquelles se trouve la grâce - qui constituaient un état du bonheur. On le découvre dans l'art de peindre, puis dans des lieux, dans les conceptions du corps amoureux, dans l'art de toucher les clavecins et dans la lecture des romans. Puis cette grâce que le XVIIIe tenta de préserver s'éloigne lorsque le néoclassicisme devient à la fin du siècle une esthétique officielle et qu'on commence à penser la merveille dans un au-delà insaisissable.

L'ombre et la scène

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