L'inscription territoriale de l'impressionnisme, incontestable pour certains peintres ou certaines périodes de leur vie, apparaît difficilement conciliable avec la multiplicité de leurs déplacements et la diversité de leurs inspirations. Ce livre

L'impressionnisme : du plein air au territoire

La "subtile fluidité contemporaine" célébrée par Mallarmé, défenseur et critique perspicace de la mouvance impressionniste, est devenue aussi bien un objet central de réflexion pour la philosophie contemporaine qu'une caractéristique déterminante de la modernité artistique. Déjà associée aux productions de Watteau, Boucher ou Fragonard au XVIIIe siècle, la fluidité l'est aussi à celles de Turner, Hugo, et plus encore à Monet: le  "Raphaël de l'eau" (Antonin Proust) dont la "prodigieuse fluidité" (Ernest Chesnau) sera louée des origines du mouvement impressionniste jusqu'aux Nymphéas, décrites comme "un échange d'impondérables à travers des fluides" (Louis Gillet). Ce qui est à la fois un thème, une catégorie technique et stylistique, un concept esthétique déterminant pour l'impressionnisme et, plus largement, pour la culture moderne et contemporaine, est ici étudié grâce au concours d'historiens de l'art, de philosophes, de musicologues et de spécialistes de la littérature, de la photographie et du cinéma.

L'impressionnisme, les arts, la fluidité

L'histoire de l'art a depuis longtemps intégré l'importance du spectateur et du contexte à la fois perceptif, cognitif et pragmatique qui, dans un temps et un espace déterminés, organise son rapport spécifique à une oeuvre. Certains éléments restent cependant sous-évalués sinon ignorés : ce sont les objets, "appareils" et autres "prothèses" perceptives ou relationnelles qui, dans bien des cas, contribuent de façon décisive à l'appropriation et à l'usage effectif des représentations. Si cet ensemble d'objets a pris une place déterminante à l'époque contemporaine et a été reconnu par les historiens des médias, leur importance n'est pas moins grande dans le passé, notamment dans le champ des représentations religieuses. Loin en effet d'un face à face que l'on imaginerait immédiat et exclusif entre les dévots chrétiens et les objets de leurs dévotions (représentations iconiques, reliques, saint sacrement, etc.), nombre de pratiques spirituelles de l'époque moderne impliquent toute une série d'images de différents statuts qui sont articulées les unes aux autres (images mentales, gravures, peintures, sculptures), et un ensemble d'objets ou d'"objets-images" (où l'inscription écrite a aussi parfois sa place) associés : chapelets, croix et crucifix, médailles, enseignes de pèlerinage, broches, bagues, pendants et camées avec motifs religieux, amulettes ou pendentifs reliquaires, agnus dei, scapulaires, manuels et ouvrages de dévotion, mais aussi ex-voto, paperoles, reliques "domestiques" et autres supports et instruments mémoriels.

Connecteurs divins - Objets de dévotion dans l’Europe moderne (XVIe-XVIIe siècle)

Dans le contexte de la Réforme catholique des XVIe et XVIIe siècles, le réaménagement des sanctuaires des églises devient l'un des programmes artistiques et religieux majeurs de l'époque moderne. L'édification de maîtres-autels monumentaux, associant peintures et sculptures dans une structure architecturale surmontant la table de l'autel et le tabernacle, vient manifester de façon spectaculaire la validité des principales croyances de l'Église menacées par " l'hérésie " protestante: présence réelle de la divinité dans le Saint Sacrement, culte des images, intercession des saints, validité des reliques, nécessaire médiation du clergé, etc. À travers l'étude du cas de Paris, où s'édifient durant la première moitié du XVIIe siècle plus d'une soixantaine de retables monumentaux, ce livre se propose d'aborder et de croiser certaines des déterminations fondamentales d'un tel objet: le maître-autel en tant que lieu de réalisation et de communication de la présence divine, en tant qu'objet " théorique " que se disputent discours religieux des clercs et discours professionnel des architectes, en tant qu'objet de perception et de dévotion pour les fidèles, en tant que " système d'images " producteur de discours et d'interprétations, en tant qu'objet d'investissements sociaux, et enfin en tant qu'objet matériel.

Le Saint des Saints - Maîtres-autels et retables parisiens du XVIIe siècle

Rassemblant les contributions d'historiens de l'art et de philosophes, l'ambition de cet ouvrage est de réinterroger le modèle qu'a constitué le discours philosophique pour l'art et la théorie de l'art au XVIIe siècle. Quels sont les emprunts (ou les oublis), les choix et les découpes opérés entre les deux champs ? Quels sont les modes et les formes d'appropriation d'un discours par l'autre ? Dans quelle mesure les principes, règles et raisons qui organisent la pratique artistique peuvent-ils valoir comme théorie de l'art ? L'effort théorique peut-il être considéré comme une alternative ou un substitut à la pensée philosophique ? L'activité artistique est-elle pensée alors comme une forme d'activité cognitive, parallèle à la philosophie ? Quelle est la place de l'illustration, des images et des théories de l'image dans la philosophie de l'époque moderne ? Quelle est la validité du modèle du Peintre-Philosophe ? Enfin, sous-tendant l'ensemble de ces contributions, de quelle écriture et de quels outils dispose l'histoire de l'art contemporaine pour penser les enjeux philosophiques et théoriques de ses objets d'études ?

L'artiste et le philosophe - L'histoire de l'art à l'épreuve de la philosophie au XVIIe siècle

La lumière parle - Lumières, reflets, miroirs : du Moyen Age à l'art vidéo

La Gloire de Dieu (kavôd, doxa, gloria) c’est en premier lieu le poids et la réputation d’un être dont les qualités supérieures suscitent, en retour, la glorification : rendre Gloire, par les louanges, les chants, les cérémonies, mais aussi par la création artistique. Entre architecture, sculpture mais parfois aussi peinture, entre image et décor, entre anthropomorphisme et symbolisme, entre matérialité, monumentalité, sur-visibilité et expansion lumineuse dématérialisée, la Gloire ne se laisse cependant guère aisément appréhender. Où est véritablement « l’½uvre » dans le continuum spatial indéterminé, composite et en extension continue qui caractérise la Gloire ? Comment percevoir de façon adéquate ce qui joue entre focalisation, dispersion de l’attention visuelle et éblouissement recherché ? De qui ou de quoi (personnes divines, saints, reliques, croix, eucharistie), ces dispositifs expriment-ils la Gloire ou sont-ils la glorification ? En quoi, dans le contexte militant de la Contre-Réforme, la Gloire peut-elle être conçue comme une solution représentative adéquate, et légitime, pour exprimer Dieu ? Cette étude est centrée avant tout sur Rome, Paris et plusieurs exemples qui subsistent en France. Conjuguant analyse détaillée des ½uvres, prise en compte des conditions concrètes de leur perception et réception, attention aux textes théologiques, spirituels et dévotionnels, cet ouvrage nous permet d’accéder à ce qui est un « objet de civilisation » majeur de l’Europe moderne.

Gloriae: Figurabilité du divin, esthétique de la lumière et dématérialisation de l'½uvre d'art à l'âge Baroque

Au cours du XVIIe siècle la multiplication des traités de méditation et de contemplation sur les mystères chrétiens affecte radicalement aussi bien l'histoire de la spiritualité que celle de l'art religieux. Prétendant rendre accessibles à tous des pratiques spirituelles jusque-là réservées à l'élite des croyants, ces ouvrages contribuent à diffuser un mode d'appréhension des images qui nous permet de comprendre de façon nouvelle la réception des images religieuses à l'époque moderne. En confrontant textes de spiritualité, images gravées et exemples picturaux, cette étude se propose de répondre aux questions suivantes : Quelle est la place accordée aux images dans la littérature et les pratiques spirituelles portant sur l'oraison, la méditation et la contemplation dans la France du XVIIe siècle ? Quelles sont les fonctions attribuées à ces représentations et quels en sont les usages et les effets attestés ? Quels sont les rapports établis entre textes, pratiques concrètes et images ? Quelle est la nature même des images évoquées dans ces textes et quelles relations les différentes catégories distinguées entretiennent-elles entre elles? En quels " lieux " - livres, oratoires, espaces intérieurs - ces différentes images prennent-elles place? Dans quelle mesure peut-on transférer les protocoles de lecture des images élaborés dans ces textes vers les représentations matérielles produites par les artistes ?

L'impressionnisme : du plein air au territoire

Résumé

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