Les cahiers de la Fondation Gilles Caron N° 1 - Couleurs

Yves Trémorin a rapporté d'un séjour mexicain un fascinant ensemble d’images tel un ethnologue d’un genre un peu particulier. Isolant comme à l’accoutumée ses sujets, ici sur un fond souvent noir, il joue sur la position de l’explorateur occidental partant dans un pays lointain pour en ramener 
au gré de ses dérives, objets, portraits et images qui deviendront comme les reliques muséales nécessaires à la compréhension d’une civilisation aux codes différents des nôtres. Nus ou personnages à la gestuelle inhabituelle, nature-morte, portraits de catcheurs masqués reprennent un langage des signes explicitement lié à des représentations enfouies dans la mythologie collective.
Outre les références aux mythologies anciennes, au rapport particulier d’un peuple avec la mort, aux jeux de langages, Trémorin n’oublie pas que ce pays a accueilli de grands artistes. Et à travers ces images, se retrouvent aussi d’autres mythologies, plus photographiques celles-ci, que sont devenus les chefs-d'œuvre réalisés par un Edward Weston ou un Manuel Álvarez Bravo.

La dérivée mexicaine

Des temps de l'invention à nos jours, cet essai propose en douze chapitres une vision personnelle des grandes étapes qui ont conduit la photographie à s'imposer comme le modèle de l'image moderne. Privilégiant le ton d'une expérience de vie au sein des collections, de l'enseignement et de la recherche, l'auteur revendique la subjectivité d'une approche où les photographies produites dans les contextes les plus variés ne cessent d'interroger notre rapport à la réalité. En historien d'art qui a vu la photographie devenir depuis les années 1980 une part de l'art contemporain tout en maintenant son rang de média populaire au cœur des réseaux sociaux, Michel Poivert propose de repérer les grands changements de valeurs que nous attribuons à la photographie (fiction ou réalité, vérité ou mensonge, intime ou publique, etc.). 
Dans son analyse tout à la fois thématique et chronologique, Michel Poivert, après s'être intéressé à la question des origines, et aux démarches exploratoires des premiers cercles d'amateurs, interroge la photographie du visage et les codes de la célébrité. Il montre les relations entre la personnalité d'un Nadar, qui concentre l'image sur la psychologie de son modèle, et celle du médecin Duchenne de Boulogne, qui cherche à établir une grammaire des expressions du visage en utilisant des modèles anonymes. Les sciences sont présentées comme un laboratoire de formes en interaction avec l'enseignement des beaux-arts. Mais dès le XIXe siècle, la photographie est aussi défendue au nom d'une véritable morale consacrant les seules valeurs de la prise de vue, du négatif et de la fidélité : une « pureté » qui condamne les pratiques hétérodoxes de la mise en scène et des manipulations des épreuves au moment du tirage.
Pourtant, au tournant des XIXe et XXe siècles, les pictorialistes comme Robert Demachy en France déjouent cette morale et renient les valeurs du progrès de la technique en utilisant le flou et les effets plastiques. 
Rouvrant le dossier de l'avant-garde, cet ouvrage s'inscrit dès lors dans une dynamique qui privilégie les tensions autour du statut de la photographie. Avec Alfred Stieglitz et Paul Strand, le document et l'art ne cessent de se répondre pour fonder les principes d'une image capable de se mesurer aux contradictions du monde moderne. En ce sens, le surréalisme est au cœur d'une approche anti-disciplinaire de la photographie où les figures d'André Breton ou Salvador Dalí commencent à détourner les photographies des magazines et journaux : le monde des images s'ouvre comme un territoire de jeu où règne l'esprit critique. La question des médias est alors posée frontalement à partir du photojournalisme. L'auteur insiste sur le rôle de reporters tel Gilles Caron, pour montrer le passage entre l'image de l'événement et la tentation subjective de l'auteur et interroge les valeurs humanistes de la profession. 
Enfin, Michel Poivert conclut son essai en définissant la photographie contemporaine comme le moment où art et photographie semblent lier leur destin. La richesse de propositions artistiques aussi différentes que celles des partisans de la mise en scène, comme Jeff Wall, ou des tenants du genre documentaire comme Allan Sekula, l'esthétisation de l'image de presse ou bien encore le retour en grâce de l'image expérimentale contredit ceux qui, à l'aube du numérique, prédisaient l'obsolescence de la photographie.

Brève histoire de la photographie

Fondée en 1854, la Société française de photographie conserve l'une des plus importantes collections historiques privées. Autour de la notion d'utopie, le livre rend compte de l'imaginaire qui accompagne l'expérimentation technique et la naissance des pratiques scientifiques ou artistiques, des origines de la photographie, avec Bayard, jusqu'aux avant-gardes, avec Rodtchenko. La fixation du réel transitoire, l'inscription des traces au service de la connaissance, l'ubiquité comme idéal moderne, une pratique démocratique de l'image, et enfin une reconnaissance artistique du médium, constituent ici les éléments d'une archéologie de notre culture visuelle.

L'utopie photographique - Regard sur la collection de la société française de photographie

Ce volume propose en dix chapitres rédigés par les meilleurs spécialistes de l'histoire de la photographie un ensemble de récits ouvrant sur toutes les époques et les multiples pratiques de l'image.
Prenant pour axe central la question de l'art et de la culture, ces récits traversent de longues périodes en synthétisant les grands enjeux de la modernité. Attentifs aux débats d'époques - la photographie entre art et science, amusement ou profession, espace social ou laboratoire technique -, les auteurs nous font découvrir le daguerréotype et le calotype du XIXe siècle, les méthodes d'observation, l'univers des amateurs comme celui des artistes en s'appuyant sur le formidable renouvellement des questions esthétiques de l'époque contemporaine. Cherchant à montrer comment, tout au long du XIXe siècle, la photographie a fait l'objet d'une construction de son univers dans une quête de légitimité, l'ouvrage nous emmène ensuite dans une traversée du XXe siècle où la photographie participe à toutes les révolutions artistiques comme à toutes les évolutions de la communication. Tour à tour mobilisée par les avant-gardes et les nouveaux médias illustrés, la photographie est tout aussi bien oeuvre d'art que document, matrice expérimentale et message politique.
Par des histoires, plutôt qu'une histoire de la photographie, cet ouvrage révèle le dynamisme de la recherche qui conduit depuis plus de dix ans à un renouvellement des approches où se mêlent désormais histoire de l'art et histoire culturelle.

L'art de la photographie - Des origines à nos jours

Au travers de six études, l'ouvrage propose une approche des stratégies employées par le surréalisme pour rendre visible les notions essentielles de son esthétique, qui concilie renouvellement de l'inspiration poétique et nécessité de l'engagement politique à l'heure de la montée du fascisme.
 Alors que l'idéalisme des années 1920, guidé par la magie de l'automatisme psychique, peine à devenir une arme idéologique, la photographie fournit à l'entourage d'andré breton les moyens de faire de l'image mentale une réalité concrète.  pour y parvenir, les documents photographiques opèrent au coeur des usages surréalistes par le jeu des détournements qui donnent au surréalisme l'apparence prestigieuse d'une révolution scientifique.
 Loin d'un univers convenu de l'onirisme, les surréalistes utilisent la trivialité des documents pour s'inscrire dans l'histoire en marche.  si l'étrangeté est toujours au rendez-vous -à travers une vulgaire reproduction, un simple grossissement ou encore un instantané-elle est désormais au service de la puissance de l'esprit à transformer le monde.  breton, dali, brassai, man ray et tant d'autres travaillent, au passage des années 1920-1930, à cette " illumination profane " que reconnaît alors en allemagne walter benjamin, et qui traduit la conversion du surréalisme au politique.
 Cette approche anthropologique et esthétique du plus fameux courant artistique du xxe siècle montre le rôle déterminant de la photographie dans une conduite pragmatique de l'avant-garde.

L'image au service de la révolution

Des histoires, plutôt qu'un récit monolithique et linéaire, nous invitent ici, avec science et pédagogie, à plonger aux racines de notre culture visuelle. Naissance et rayonnement d'une technique et d'un art, procédés chimiques et choix esthétiques, scientifiques photographes et photographes artistes, reporters et amateurs, avant-gardes et institutions : cette synthèse passionnante illustrée de 550 reproductions sert une vision globale et humaine de l'histoire de la photographie.

Exagraphie offre un regard rétrospectif sur les quinze années d'un premier cycle de recherches et de productions d'Aurélie Pétrel. Elle rassemble une sélection de pièces emblématiques de la méthode de l'artiste ainsi que des contributions d'auteur. ices qui forment ce qu'elle nomme "son écosystème" . Exagraphie a été pensée comme un processus éditorial en plusieurs états et étapes qui rejoue les enjeux conceptuels et procédures de travail d'Aurélie Pétrel. Conçu en collaboration avec le designer graphique Benoit Brient, cet ouvrage est basé sur la re-photographie d'une "matrice-images" imprimée en un exemplaire. Ce sont ces re-prises de vue qui composent les pages du livre, organisées en douze cahiers de seize pages. Chaque cahier est une entrée thématique permettant de réunir un ensemble de "prises de vues latentes" et documentant leur activation. Exagraphie est un ouvrage à valeur scientifique sur, et au service de l'oeuvre d'Aurélie Pétrel. Cette démarche s'exprime notamment dans le travail formel et de rédaction des légendes : celles-ci s'attachent à retranscrire précisément la généalogie complexe des prises de vue de l'artiste au travers d'une énumération chronologique de leurs différents états et d'un recensement rigoureux des lieux d'expositions et des personnes impliquées aux différentes séquences du travail. Ces légendes font apparaître l'évolution du statut de l'image dans la méthode d'Aurélie Pétrel et démontrent comment une même image recouvre de multiples formes - tout comme un mot recouvre parfois différentes significations. Les huit contributions réunies dans cet ouvrage sont le résultat de cartes blanches adressées aux auteur. ice. s par Aurélie Pétrel. Placées avant, au milieu et après les douze cahiers-image, ces contributions constituent ainsi l'entourage du travail d'Aurélie Pétrel, à l'image du rôle que les un. e. s et les autres jouent dans sa vie professionnelle depuis une quinzaine d'années.

Exagraphie - Partitions photographiques (2003-2018)

Nul besoin de préciser que Vichy est une ville d'eau lorsque l'on découvre les images fluides et évanescentes de Sandra Rocha. En résidence dans la ville thermale, elle s'est laissé porter par l'atmosphère champêtre des squares et jardins, elle a longé les berges du fleuve et elle a recomposé en chemin le poème visuel des jeunes filles en fleur. A travers ses images poudrées de lumière, lointaines héritières des peintures classiques et idéalistes de Puvis de Chavannes, elle a photographié l'éternel été des jeunes vichyssois qui cueillent les roses de la vie en bord de l'allier. Cette série de photos est exposée au festival Portrait(s) du 16 juin au 10 septembre 2017.

Les cahiers de la Fondation Gilles Caron N° 1 - Couleurs

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