Habiter la peinture : expositions, fiction avec Jean Le Gac

L'école résonne dans l'art. Des artistes inventent des fictions sur l'école et posent des questions fondamentales concernant l'apprentissage, l'exclusion et la liberté. Pourquoi et comment l'artiste met-il en jeu cet univers écolier ? Quelles relations l'art entretient-il avec l'enseignement ? Nous verrons, à travers l'analyse d'oeuvres, comment l'artiste, en partant de représentations écolières, déplace les représentations artistiques et déconstruit son système de valeurs.

L'école dans l'art

Eric Vigner a dirigé deux lectures-performances dans la salle Matisse au Musée d'Art Moderne de Paris en 2013, 2014 puis 2015. Lune issue du texte du Procès Brancusi ; l'autre, à partir d'un texte tiré des conversations inédites entre Pierre Courthion, critique d'art, et Henri Matisse, intitulé Chatting with Henri Matisse, The Lost 1941 Interview. Vigner, s'il est homme de théâtre, a d'abord une formation de plasticien. Il faut alors souligner que ses oeuvres théâtrales interrogent, à travers la scénographie, la plasticité sous toutes ses formes et plus particulièrement l'espace dans sa relation à la représentation, quand elles ne questionnent pas directement, à travers la mise en scène, l'élaboration de l'oeuvre et le regard sur l'oeuvre. De la plasticité des oeuvres exposées au musée, nous passons à une plasticité événementielle liée au modelage de la parole qui instaure l'acte de théâtre.Théâtre qui s'invente dans l'espace et le temps de la blancheur muséale. L'espace du musée se métamorphose alors en espace théâtral et par le ravissement des corps en présence, les visiteurs deviennent acteurs.

Eric Vigner, un théâtre plasticien - Lectures-performances au Musée d'Art Moderne de la ville de Paris (2013/2015)

Prendre les peintres aux mots, c'était, dans des face-à-face, tenter d'écarter le caractère circonstanciel et le cadre convenu qui enserre la production proliférante des textes qui poursuivent des buts mercantiles ou de communication. Le dit des peintres, nous en sommes convaincus, énonce un savoir, ou des formes de savoir, que ne détiennent pas les esthéticiens ou les historiens d'art. Nous nous sommes alors souvenus des conseils de Gilles Deleuze qui écrivait : "On n'écoute pas assez ce que disent les peintres." "Ce que disent les peintres ", c'est écouter les mots, non pas les mots consacrés de la peinture, mais ceux - personnels - de l'engagement en peinture. Comment les peintres jonglent-ils avec le vocabulaire de la peinture ? Comment inventent-ils leurs propres mots ? Comment explorent-ils une parole au plus proche de la création ? Elaborent-ils un récit pour suspendre hors de la peinture ce qui ne lui appartient pas, ou, au contraire, pour aimanter le regard ? Parler, pour les peintres, est-ce alors une pratique qui se superpose ou s'articule à l'élaboration picturale ?

Ce que disent les peintres

Historiens, philosophes, psychanalystes ainsi que plasticiens présentent dans la première partie de ce livre différentes expériences d'enfermement. Les auteurs analysent systèmes carcéraux, sociétés de surveillance, désarrois psychiques, oeuvres closes sur elles-mêmes et oeuvres "enfermantes" comme des alertes contre toutes formes d'enfermement. Ces situations résonnent d'ailleurs étrangement depuis l'épreuve commune d'isolement sanitaire nommée "confinement" que nous avons vécue. En effet, en mars 2020, tandis que nous rédigions l'introduction de cet ouvrage, le gouvernement, pour faire face à la pandémie de Covid-19, imposa une restriction des déplacements au strict nécessaire, ce qui contredisait les principes de liberté élémentaire et réduisait notre domicile en un lieu de claustration. C'est pourquoi, pour la seconde partie du livre, nous nous sommes adressés à des artistes afin d'examiner l'effet de l'enfermement sur la création. Publié suite à l'exposition Enferments au Musée d'art et d'histoire Paul Eluard de Saint-Denis et au colloque éponyme organisé par l'Institut ACTE, Ecole des arts de la Sorbonne, Université Paris 1, en 2019.

Enfermements

La conférence dans l'art allie geste, texte et image en se réappropriant les formes discursives que sont les lectures, les visites guidées, les allocutions inaugurales, les cours magistraux sous forme de digressions poétiques, de conférences dansées et de théorisations théâtralisées ou filmées dans lesquelles la figure de l'expert est incarnée par l'artiste lui-même.  En assimilant ainsi dans l'art des éléments propres à la transmission des savoirs, au discours du savant ou du « maître », l'artiste métamorphose le rapport entre art et discours, le temps d'un moment partagé avec le public. De l'auteur/artiste au spectateur/ élève, l'expérience irrigue la perception et la connaissance vers une autre prégnance du réel.  Les textes rassemblés ici portent sur les enseignements de la conférence performance, du discours dans l'art et sur l'art, en faisant un détour sur la théâtralisation de la plaidoirie. Que nous apprennent ces performances ? Qu'apporte l'art au discours et à l'enseignement ?  Outre une mise en question du rôle de l'enseignant, ces performances montrent l'importance de la présence de l'enseignant. La présence est à comprendre dans les deux sens du terme : le premier sens focalise sur la capacité à « avoir de la présence » pour capter l'attention du public, s'imposer, et le second sens, comme présence et rencontre entre différents acteurs, dans ce moment particulier où les visioconférences se multiplient dans la sphère de l'enseignement.  Ainsi, ces conférences bousculent-elles notre passivité pour redonner souplesse et créativité à notre présence au monde.

Les enseignements de l'artiste en conférencier

Si traditionnellement la peinture recouvre une surface en deux dimensions dans les limites du cadre, le tableau lui se produit dans la réalité de l'espace qu'il occupe. Ainsi, quand la peinture déborde du tableau et crée un espace physique continu en dehors du cadre ou s'articule avec d'autres médiums, elle se déploie dans l'espace réel et le spectateur se retrouve non plus devant la peinture mais bien dans la peinture. Les paroles des peintres réunies ici reviennent sur les processus qu'ils mettent en oeuvre pour sortir la peinture du tableau et l'habiter. Cette extension du domaine de la peinture entre ruptures et dérives pourrait également être dite entre ruptures et plénitude. Ruptures, non seulement parce que, pour ces peintres, la peinture existe à la fois à l'intérieur et à l'extérieur de la toile sans plus avoir le besoin de le démontrer, mais encore parce qu'ils ne cherchent plus comme leurs aînés à la déconstruire, à la détourner ou à la confronter à des situations exogènes. La peinture n'est pas pour eux une finalité, mais bien un point de départ. Elle est également la marque d'une plénitude, en affirmant sa nécessité et sa liberté d'élaborer un espace physique d'action.

Ce que disent les peintres - Du tableau à la peinture

Face à la puissance et à la complexité de la globalisation et des réseaux, certaines oeuvres d'artistes contemporains répondent par un mouvement sensible vers le "chez soi". L'"art domestique" reste un phénomène polymorphe qui invite à penser notre mise en demeure, entendue à la fois comme abandon du corps au confort, au décor, et comme incrédulité à échapper aux agressions du monde extérieur. Côté femme, les pressions sociale et économique incitent à les faire rentrer "à la maison" et les tâches ménagères sont loin encore d'être équitablement partagés. Des bricolages dominicaux aux technologies subtiles de la domotique chacun y exerce "sa" créativité. Est-ce au sein ou en marge de la maison qu'il faut situer la présence des écrans et des alarmes, le foyer télévisuel, l'arbre de Noël ou les nains de jardin ? Quand la voiture sort du garage, c'est la maison qui déroule ses fauteuils, sa radio, sa clim... En quoi l'art contemporain est-il imprégné d'un art de vivre commun, voire d'une conscience critique du quotidien que l'on pourrait qualifier de domestique ?

Habiter la peinture : expositions, fiction avec Jean Le Gac

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