Chine

L'art du design

Les faïences produites en Europe du XIVe au XIXe tiède reflètent fidèlement l'histoire des styles et celle du goût. Elles connaissent depuis plus d'un siècle un succès croissant auprès d'un public de plus en plus nombreux. La multiplicité des centres de production et les similitudes entre les produits rendent cependant leur étude particulièrement délicate nos connaissances en matière de faïence restent fragmentaires, et dépendent encore bien souvent d'études superficielles remontant à la fin du siècle dernier. La publication raisonnée des collections du musée de Grenoble, riche de plus de 400 pièces bien représentative de presque tous les courants français et européens du XVIe au XXe siècle, tente de faire le point sur nos connaissances, et plus généralement, tient compte de tous les travaux récents - y compris les recherches archéologiques - qui considèrent la faïence d'une manière plus scientifique et plus approfondie. Elle est également l'occasion de découvrir la richesse et la diversité des collections des autres musées français. La seconde partie de cet ouvrage est consacrée au XXe siècle, et met en évidence un ensemble d'oeuvres particulièrement remarquables du céramiste André Metthey et de l'école d'Asnières. Principalement constitué par le legs Agutte-Sembat et des dons d'Ambroise Vollard, cet ensemble présente - en écho à la riche collection de peintures modernes du musée - des productions uniques, fruits de la collaboration de Metthey avec de nombreux artistes peintres tel que André Derain, Pierre Laprade, Henri Matisse, Georges Rouault, Louis Valtat et Maurice de Vlaminck.

Faïences - La collection du musée de Grenoble

La dinanderie française - 1900-1950

Roger Tallon (1929-2011) est le premier à appliquer en France dans le domaine du design des méthodes issues de pratiques américaines. Ce pionnier du design industriel a commencé par dessiner des machines-outils, avant de se consacrer aux objets. Il intègre en 1953 le bureau d'études Technès, puis fonde l'agence Design Programmes (1973) avant de rejoindre ADSA + Partners avec Pierre Paulin et Michel Schreiber (1984). Il s'investit aussi dans l'enseignement et ouvre le département design de l'Ecole nationale supérieure des arts décoratifs (Ensad). Roger Tallon se concentre sur les possibilités des nouveaux matériaux et les processus de fabrication. Ses projets se caractérisent toujours par une approche globale qui intègre l'objet dans son environnement visuel. Dans les années 1960 il est proche des Nouveaux Réalistes (César, Klein, Arman) et ses intérêts sont multiples : cinéma, sémiologie, design graphique, presse (il conçoit notamment la maquette du magazine Art Press). Ce livre invite à découvrir la considérable production de Roger Tallon : le mobilier comme la chaise TS et l'escalier hélicoïdal Module 400, le service de table 3T, le téléviseur portable P111, des montres pour Lip, des transistors, des machines à écrire et des projecteurs, ou encore l'identité visuelle de Fluoryl, des chaussures de ski pour Salomon, des bidons d'essence pour Elf et des flacons d'huile solaire pour Bergasol. Son importante contribution au renouvellement des transports est montrée à travers ses réalisations pour la SNCF et la RATP (le train Corail, les TGV et l'Eurostar, la signalétique du RER, le métro Météor, le funiculaire de Montmartre), mais aussi les métro de Mexico et de Caracas, les tramways et autobus ou encore ses projets de motos et voitures modulables. S'appuyant sur le très riche fonds d'archives de Roger Tallon conservé au musée des Arts décoratifs, ce livre pré- sente en détails l'ensemble de ses réalisations et s'impose comme un ouvrage de référence sur le designer.

Roger Tallon - Le design en mouvement

Luc Lanel (1893-1965) et Marjolaine Lanel (1897-1976) occupent une place singulière dans les arts décoratifs de la première moitié du XX° siècle. L'orfèvrerie de Luc Lanel est assimilée à l'Art déco, alors que leur céramique s'inscrit dans le style des années 40. Grâce aux archives de la maison Christofle et à celles de la famille Lanel, cet ouvrage présente les aspects successifs d'une double carrière, dont une des originalités est d'être divisée entre industrie et artisanat. Dessinateur publicitaire de talent, Luc Lanel entre en 1920 comme chef de la galvanoplastie chez Christofle, où il lance une ligne de dinanderie. Ses premières pièces, œuvres originales et bon marché présentées à l'Exposition internationale de 1925, contribueront à la renommée de la maison. Nommé directeur artistique, il crée pendant un quart de siècle, parallèlement à l'orfèvrerie d'usage qui équipe palaces et paquebots de la Transatlantique, des pièces d'apparat aussi bien que liturgiques. Si Marjolaine Lanel est généralement considérée comme la céramiste du couple, l'étude de leur carrière révèle qu'ils travaillent ensemble dès les années 20. Le mari tourne les pièces que sa femme émaille, et le tandem signe " Marjolaine Luc Lanel ", signifiant ainsi leur étroite collaboration. Ils affirment déjà une préférence pour la faïence stannifère, tout en conservant des décors géométriques proches de ceux des dinanderies. Malgré la consécration du Salon des artistes décorateurs, du Salon de la Société nationale des beaux-arts en 1928 et la présentation de jarres monumentales à l'Exposition coloniale de 1931, l'activité céramiste des Lanel reste secondaire jusqu'en 1946, date à laquelle Luc Lanel quitte Christofle. Dès lors, outre des collaborations avec des décorateurs comme Leleu, Moreux ou Devèche, le couple développe une céramique architecturale très personnelle, enrichie de détails baroques et naturalistes, dans laquelle il donne libre cours à sa fantaisie, jouant sur les contrastes de formes, de relief et de plat, de terre crue et d'émail. L'étonnante qualité décorative de ce travail, reconnue par la postérité, s'épanouit dans les importantes commandes qu'ils réalisent pour l'Élysée et pour les paquebots Cambodge et Antilles.

Lanel - Luc & Marjolaine

Publié à l'occasion d'une grande exposition réunissant pour la première fois les collections du musée des Arts décoratifs de Paris et de la Fondation Dubuffet, cet ouvrage de référence porte son regard sur une figure majeure et singulière de l'art au 20e siècle, Jean Dubuffet.
 Autour d'images d'archives et de reproductions d'oeuvres, il offre une découverte inédite du grand oeuvre de Jean Dubuffet.
 Organisé en quatre sections (L'Homme du commun, Célébration de la matière, L'Hourloupe, Les dernières années), il apporte un éclairage sur des oeuvres majeures ou des périodes phares des deux collections.
 Chaque section est introduite par un texte de Jean Dubuffet, suivie d'un récit de sa vie relatif à la période concernée et illustré de documents.

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