Az e-knyv a Kossuth Kiadó által nyomtatásban megjelentetett nagysiker? Világhíres fest?k cím? sorozat azonos cím? ktetének szveganyagát tartalmazza, az illusztrációk nélkül. A fld az istenek paradicsoma: ezt akarom megfesteni.  Pierre Auguste Renoir a francia impresszionista fest? ars poeticája sokmindent elárul err?l a fantasztikus tehetség? m?vészr?l, aki soha nem lett h?tlen nmagához, veleszületett életrme, der?je, kiegyensúlyozottsága sohasem hagyta el. Talán ezért kedvelik m?veit a világ minden táján. Renoir festészete szüntelen ünnep, elébünk varázsolja korának kis paradicsomait, amelyekben ma is rmünket leljük. Életrajzi knyvünk a teljes alkotói életm? legfontosabb eseményeit villantja fel.

Renoir

Alfred Sisley (Paris, 1839 - Moret-Sur-Loing, 1899)

Alfred Sisley naquit à Paris le 30 octobre 1839 dans une famille anglaise. Ayant atteint ses dix-huit ans, ses parents l'envoyèrent en Angleterre. C'est alors, probablement, qu'il pressentit, devant la facture libre des paysages, à l'apparence d'esquisses, de Turner et Constable, sa vocation pour la peinture. Le destin amena Sisley, en octobre 1862, dans le même atelier libre de Charles Gleyre, où étaient venus étudier Claude Monet, Auguste Renoir et Frédéric Bazille. C'est Sisley qui avait incité ses amis à en finir avec l'apprentissage chez Gleyre et à partir peindre dans la nature. Il était indigné, beaucoup plus que ses amis, par l'attitude hautaine de Gleyre envers le paysage. Pour Sisley, le paysage fut, dès le début, non seulement un genre pictural essentiel, mais, en fait, le seul et unique auquel il travaillât toute sa vie. Après avoir quitté Gleyre, Sisley peignit souvent en compagnie de Monet, Renoir et Bazille dans les environs de Paris.

À partir de 1870, dans la peinture de Sisley commencèrent à apparaître les premières caractéristiques de la manière qui sera plus tard celle de la peinture impressionniste. À partir de ce moment, le coloris des tableaux de Sisley devient nettement plus clair. Cette nouvelle technique crée une impression de vibration de l'eau, de moirures colorées à sa surface et de transparence de l'atmosphère. Dans la peinture de Sisley, la lumière était née. Sisley peignit une quantité de paysages des bords de la Seine. Il découvrit Argenteuil et la petite ville de Villeneuve-la-Garenne, qui resta dans son oeuvre comme l'image du silence et de la tranquillité, d'un monde que la civilisation et l'industrie n'avaient pas encore défiguré.

Contrairement à Pissarro, il ne recherchait pas l'exactitude prosaïque. Ses paysages se colorent toujours de son attitude émotionnelle à leur égard. Comme chez Monet, les ponts chez Sisley se fondent dans le paysage d'une façon toute naturelle. Un ciel bleu serein se reflète sur la surface à peine frémissante du fleuve. Après la première exposition impressionniste, Sisley passa plusieurs mois en Angleterre. À son retour d'Angleterre, Sisley déménagea de Louveciennes à Marly-le-Roi. Vers cette époque, Sisley était véritablement devenu le peintre de l'eau. Elle l'ensorcelait, l'obligeait à scruter sa surface changeante et à étudier les nuances de sa couleur, comme le faisait Monet dans les prés de Giverny. Les paysages consacrés à l'inondation de Port-Marly sont une apothéose. Le peintre joue avec l'espace et la perspective, et finalement trouve la seule solution : la maison rose est figée dans un monde où le ciel se confond avec la terre, où le reflet frissonne à peine et les nuages glissent lentement. Sisley est le seul impressionniste dont les paysages ne se limitent pas à la beauté changeante de la nature, mais se prolongent dans le domaine tantôt du rêve, tantôt de la réflexion philosophique.

Sisley

Paul Cézanne, um contemporâneo dos Impressionistas, a cuja influência se submeteu no início da sua carreira, rapidamente se encaminhou para uma procura mais pessoal o que o tornou o "pai da pintura moderna". Destaca-se a sua grande influência sobre Braque e Picasso. Pouco reconhecido em vida, ridicularizado pelos críticos, Cézanne estabeleceu contudo uma nova visão da natureza baseada no estudo das cores e do espaço o qual criava com pinceladas largas e fluidas. 

Estas telas permitem-nos apreciar a evolução estilista de Cézanne, assim como a diversidade dos seus temas: paisagens (As margens do Marne, O Monte Saint-victoire), cenas da vida (Rapariga ao piano 'Ouverture para Tannhäuser'), naturezas mortas (Frutas), retratos (o Fumador) e auto-retratos.

Cézanne

Per Claude Monet la creazione artistica è sempre stata una lotta sofferta. Attribuiva maggiore
importanza di quanto non facessero i suoi contemporanei a un aspetto essenziale dell'Impressionismo: comunicare all'osservatore le emozioni prodotte dalla luce. Per usare le parole di Monet: «Le tecniche vanno e vengono [...] L'arte rimane la stessa: una rappresentazione della natura che richiede impegno e sensibilità. Io mi misuro e combatto con il sole [...]. Bisognerebbe dipingere con oro e pietre preziose».

Claude Monet

Paul Gauguin was first a sailor, then a successful stockbroker in Paris. In 1874 he began to paint at weekends as a Sunday painter. Nine years later, after a stock-market crash, he felt confident of his ability to earn a living for his family by painting and he resigned his position and took up the painter's brush full time. Following the lead of Cézanne, Gauguin painted still-lifes from the very beginning of his artistic career. He even owned a still-life by Cézanne, which is shown in Gauguin's painting Portrait of Marie Lagadu. The year 1891 was crucial for Gauguin. In that year he left France for Tahiti, where he stayed till 1893. This stay in Tahiti determined his future life and career, for in 1895, after a sojourn in France, he returned there for good. In Tahiti, Gauguin discovered primitive art, with its flat forms and violent colours, belonging to an untamed nature. With absolute sincerity, he transferred them onto his canvas. His paintings from then on reflected this style: a radical simplification of drawing; brilliant, pure, bright colours; an ornamental type composition; and a deliberate flatness of planes. Gauguin termed this style "synthetic symbolism".

Gauguin

Mary Cassatt (Pittsburg, 1844, - Château de Beaufresne, 1926)

Mary est née à Pittsburgh. Son père était un banquier très libéral en matière d'éducation, et toute la famille semblait manifester une certaine sympathie pour la culture française.

Mary n'avait pas plus de cinq ou six ans lorsqu'elle vit Paris pour la première fois, et elle était encore adolescente quand elle décida de devenir peintre. Elle se rendit en Italie, puis

tourna ses pas vers Anvers, pour retourner à Rome et finalement, revenir à Paris, où, en 1874, elle s'installa définitivement.

En 1872, elle envoya ses premières oeuvres au Salon ; d'autres suivirent jusqu'en 1875, année où elle envoya un portrait de sa soeur, qui fut refusé. Elle devina que le jury n'avait pas aimé l'arrière-plan, c'est pourquoi elle le retravailla à maintes reprises pour le renvoyer au Salon de l'année suivante, où il fut finalement accepté. A ce moment-là, Degas lui demanda d'exposer avec lui et ses amis du groupe des impressionnistes, dont la popularité allait croissant, et elle accepta avec joie. Elle admirait Manet, Courbet, et Degas, et détestait l'art conventionnel. Son biographe insiste sur son intellectualité et ses sentiments, sur les émotions et les nuances avec lesquelles elle peignait ses modèle préférés : les bébés et leurs mères. Il parle aussi de son intérêt particulier pour le dessin et sa maîtrise du trait, un don renforcé par son étude approfondie de l'art japonais, imitant son style dans des gravures en couleur. Si son style puise à diverses sources, en revanche son dessin, ses compositions, sa lumière et ses couleurs, sont les siennes. Ses toiles possèdent une certaine délicatesse dont peut-être seule une femme est capable, mais les qualités qui ont inscrit son oeuvre dans la postérité, sont, elles, d'une nature que seul un peintre extraordinaire peut produire.

Cassatt

Born at the dawn of the 20th century, Fauvism burst onto the artistic scene at the 1905 Salon d'Automne with great controversy by throwing bright, vibrant colours in the face of artistic convention. Fuelled by change, artists like Matisse, Derain, and Vlaminck searched for a new chromatic language by using colour out of its habitual context. Freed from the strict technique advocated by the École des Beaux-Arts, they used blocky colours as their main resource, saturating their stunning paintings. The author invites us to experience this vivid artistic evolution that, although encompassing a short amount of time, left its mark on the path to modernity.

The Fauves

Since his death 100 years ago, Cézanne has become the most famous painter of the nineteenth century. He was born in Aix-en-Provence in 1839 and the happiest period of his life was his early youth in Provence, in company with Emile Zolá, another Italian. Following Zolá's example, Cézanne went to Paris in his twenty-first year. 

 During the Franco-Prussian war he deserted the military, dividing his time between open-air painting and the studio. He said to Vollard, an art dealer, "I'm only a painter. Parisian wit gives me a pain. Painting nudes on the banks of the Arc [a river near Aix] is all I could ask for." Encouraged by Renoir, one of the first to appreciate him, he exhibited with the impressionists in 1874 and in 1877. He was received with derision, which deeply hurt him.

 Cézanne's ambition, in his own words, was "to make out of Impressionism something as solid and durable as the paintings of the museums." His aim was to achieve the monumental in a modern language of glowing, vibrating tones. Cézanne wanted to retain the natural colour of an object and to harmonise it with the various influences of light and shade trying to destroy it; to work out a scale of tones expressing the mass and character of the form.

 Cézanne loved to paint fruit because it afforded him obedient models and he was a slow worker. He did not intend to simply copy an apple. He kept the dominant colour and the character of the fruit, but heightened the emotional appeal of the form by a scheme of rich and concordant tones. In his paintings of still-life he is a master. His fruit and vegetable compositions are truly dramatic; they have the weight, the nobility, the style of immortal forms. No other painter ever brought to a red apple a conviction so heated, sympathy so genuinely spiritual, or an observation so protracted. No other painter of equal ability ever reserved for still-life his strongest impulses. Cézanne restored to painting the pre-eminence of knowledge, the most essential quality to all creative effort.

 The death of his father in 1886 made him a rich man, but he made no change in his abstemious mode of living. Soon afterwards, Cézanne retired permanently to his estate in Provence. He was probably the loneliest of painters of his day. At times a curious melancholy attacked him, a black hopelessness. He grew more savage and exacting, destroying canvases, throwing them out of his studio into the trees, abandoning them in the fields, and giving them to his son to cut into puzzles, or to the people of Aix.

 At the beginning of the century, when Vollard arrived in Provence with intentions of buying on speculation all the Cézannes he could get hold of, the peasantry, hearing that a fool from Paris was actually handing out money for old linen, produced from barns a considerable number of still-lifes and landscapes. The old master of Aix was overcome with joy, but recognition came too late. In 1906 he died from a fever contracted while painting in a downpour of rain.

Naive art first became popular at the end of the 19th century. Until that time, this form of expression, created by untrained artists and characterised by spontaneity and simplicity, enjoyed little recognition from professional artists and art critics. Influenced by primitive arts, naive painting is distinguished by the fluidity of its lines, vivacity, and joyful colours, as well as by its rather clean-cut, simple shapes.
Naive art counts among it artists: Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, André Bauchant, and Camille Bombois. This movement has also found adherents abroad, including such prominent artists as Joan Miró, Guido Vedovato, Niko Pirosmani, and Ivan Generalic.

Renoir

Résumé

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