Modernes flâneries du cinéma

Jean-Luc Godard écrivait à Georges de Beauregard quelques heures avant de commencer A bout de souffle : " J'espère que notre film sera d'une belle simplicité ou d'une simple beauté. " Son objectif n'a pas changé. Il a élaboré en quarante ans une œuvre considérable : des textes nombreux, une centaine de films, certains difficiles à voir, d'autres invisibles. Au sein de la production cinématographique ordinaire cette œuvre fait une étrange figure. Irritante et fascinante, elle comporte des réussites magistrales et multipliées qui justifient de placer son auteur au rang des quelques cinéastes qui comptent dans l'histoire de l'art du cinéma. Elle est fort simple ou fort compliquée selon qu'on se situe au niveau de l'étrangeté et de la beauté des films ou que l'on en reste à une explication qui ne peut se satisfaire d'une telle mise à plat ou, enfin, que l'on s'attache à un jeu de glissades et de dérobades variées dans lesquelles se laisser aller vertigineusement. Par définition, le cinéma est au carrefour et en ce lieu Godard part " à la recherche de l'art perdu ". " Je ne vois pas ce que vous voulez dire ", a-t-on envie de lui renvoyer. La réponse assurément serait : " Justement, il faut "voir ". " Et ce voir est aussi de l'ordre du montage (ou du " battement de cœur "). Mettre en relation la voix de de Gaulle (" Il faut lutter ") et la phrase de l'une des dames du bois de Boulogne : " Je lutte " pour dire que le film de Bresson serait le seul film de Résistance français, c'est donner à entendre et à voir leur " rapport ". Nous proposons un parcours zigzaguant à travers cet étrange pays, une mise en résonance des films des années 1960 et des œuvres les plus récentes, un va-et-vient des unes aux autres avec quelques détours. Une fois admis le principe de cette démarche, tout est simple comme bonjour.

Godard simple comme bonjour

Explorant le genre à partir du territoire états-unien qui l'a vu naître, se développer et s'universaliser, Suzannne Liandrat-Guigues et Jean-Louis Leutrat décrivent les traits dominants et les particularités moins visibles du western, tout ce qui lui confère sa splendeur, passée, présente et à venir. Il s'agit bien d'envisager le western au cinéma et à la télévision de ses débuts à ses réalisations plus récentes, de Riders of the Purple Sage (1925) à Broken Trail (2006).
Splendeur du western ouvre trois pistes dans un territoire moins balisé qu'il n'y paraît. La première emprunte les sentiers battus du genre (son origine, ses histoires) mais fait découvrir des alliances trop peu évoquées : alliances du western avec la littérature, la peinture et, surtout, la musique ; alliances aussi avec le merveilleux, le «crépusculaire», le comique. La deuxième piste relie deux chefs-d'oeuvre, splendides repères dans l'histoire du cinéma : La Rivière rouge, d'Howard Hawks, et La Prisonnière du désert, de John Ford. La dernière, traversée par les tumbleweeds roulant au vent, propose un parcours libre à travers des films, des motifs, des figures du western. Du mythe de l'Ouest aux représentations des Indiens, de Roy Rogers au Nouveau Monde, de Fritz Lang à Danse avec les loups, de John Wayne à Robert Duvall, sans oublier Sam Peckinpah, Clint Eastwood, Jacques Tourneur, Robert Aldrich, les séries Into the West et Deadwood, le western féminin.
Le western dans toute sa splendeur ne peut pas se passer d'images. Plus de sept cents visuels accompagnent le texte et pas moins de sept cents films sont évoqués.

Splendeur du western

Ce livre se propose d'interroger le rapport entre sculpture et modernité cinématographique. La jetée de Chris Marker, Une femme mariée de Jean-Luc Godard, Shadows de John Cassavettes, Hiroshima mon amour ou L'année dernière à Marienbad d'A. Resnais, Sandra de Visconti, Voyage en Italie de Rossellini : pendant une dizaine d'années (1954 à 1965), cette petite constellation de films fait une place remarquable à la sculpture et plus singulièrement encore à la visite de musée. La relation de la sculpture et du cinéma sert de révélateur et crée un événement relevant de l'histoire du cinéma.

CINÉMA ET SCULPTURE : Un aspect de la modernité des années soixante

Telle une machine à révéler les diverses facettes d'une époque, Paris 1900 (1947) de Nicole Vedrès fait défiler, pour notre plus grand plaisir, le Paris des fiacres, des manifestations ou des défilés militaires, la vie des petites gens ou des grands du monde mais aussi les catastrophes naturelles ou l'arrestation de la bande à Bonnot Partie à la recherche de films de fiction, de collections d'objets ou de bandes d'actualités, Nicole Vedrès, assistée d'Alain Resnais, mena une entreprise originale de montage qui, partant d'une observation inventive de menus détails pris dans des supports hétérogènes, agence des raccords insolites. Ce n'est donc pas la volonté documentaire qui prime ici, ni même le souci de faire une histoire de l'époque. Entrant dans la querelle du montage, impulsée après-guerre, qui oppose celui qui croit au monde et celui qui croit à l'image, Nicole Vedrès prend le parti de cette dernière. Il ne s'agit pas pour autant détre contre le monde mais de l'envisager hors des cadres dominants de la pensée, de même que les passés ranimés par le film sont à remonter, pour en dévoiler les possibles restés inaperçus ou non encore advenus. Qu'un tel élan créatif prenne naissance dans les années de la Libération n'est pas pour surprendre. Il a marqué nombre de réalisateurs qui rendent hommage à Nicole Vedrès ou qui simplement s'en inspirent pour conduire leur propre activité.

Paris 1900 de Nicole Vedrès (1947) - Kaléidoscope des jours

Cet ouvrage, en analysant les images du temps dans le film Sandra (1965), définit l'esthétique d'un metteur en scène, L. Visconti, qui appartient à ce qu'on appellera l'après-guerre, et qui s'efforce de penser les camps de la mort à travers les ruines de la civilisation étrusque et l'expérience des statues.

Les Images Du Temps Dans Vaghe Stelle Dell'Orsa De Luchino Visconti

Partie à la recherche de films de fiction, de collections d'objets ou de bandes d'actualités, Nicole Vedrès - assistée d'Alain Resnais - a mené une entreprise originale de montage qui, partant d'une observation inventive de menus détails pris dans des supports hétérogènes, agence des raccords insolites. Elle propose au lecteur d'envisager le monde hors des cadres dominants de la pensée, de même que les passés ranimés par le film sont à remonter, pour en dévoiler les possibles restés inaperçus ou non encore advenus.

Ce livre se propose d'interroger le rapport entre sculpture et modernité cinématographique. La Jetée de Chris Marker, Une Femme mariée ou Le Mépris de Jean-Luc Godard, Shadows de John Cassavetes, Hiroshima mon amour ou L'Année dernière à Marienbad d'Alain Resnais, Sandra (Vaghe stelle dell'orsa) de Luchino Visconti, Voyage en Italie de Roberto Rossellini, Méditerranée de Jean-Daniel Pollet : pendant une dizaine d'années, entre 1954 et 1965 notamment, cette petite constellation de films réalisés par divers cinéastes de tout premier plan fait une place remarquable à la sculpture et, plus singulièrement encore, à la visite d'un musée. Dès lors, se fait jour une séquence fondée sur " l'universalité d'un problème " où la relation de la sculpture et du cinéma sert de révélateur et crée un événement relevant de l'histoire du cinéma. C'est dans ce tournant des années soixante que l'on voit émerger une certaine modernité du cinéma.

Modernes flâneries du cinéma

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