Arbres inédits d'Atget

« Le nu, qui est le fond nécessaire des arts du dessin, de la sculpture et de la peinture, serait en photographie, inavouable. »Cette façon de mettre d’accord la morale bourgeoise du XIXe siècle et l’esthétique académique fait sourire aujourd’hui, où nous savons que le nu est précisément l’un des aspects essentiels de la photographie de cette époque. Dans l’ombre des arts traditionnels et à leur service, au-delà de la production de clichés érotiques plus ou moins soignés, cet art du nu photographique a produit des chefs d’œuvre. Bannis, au XIXe siècle, du discours et des manifestations officielles, ils apparaissent à nos yeux avec tout l’éclat de la jeunesse.Cet ouvrage a été publié à l’occasion des deux expositions parallèles « Le photo-graphe et son modèle » organisées par le département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France sur le thème de la figure humaine, et présentées du 14 octobre 1997 au 18 janvier 1998.

L'Art du nu au XIXe siècle : Le Photographe et son modèle

Le Second Empire voit la naissance d'un personnage qui trouve son plein accomplissement dans les premières années du XXe siècle : le grand couturier comme figure de la vie élégante et mondaine. Worth tout d'abord ; Doucet, Lanvin et Poiret ensuite ; plus tard Chanel, Patou ou Schiaparelli : tous donnent à leur maison ce "style" que l'on vient s'arracher, et écrivent une des plus sublimes pages de la mode. A l'ombre de ces figures de proue de l'élégance et dans le sillage d'une richissime clientèle d'élégantes (têtes couronnées, belles étrangères, actrices, mannequins ou anonymes), une famille de photographes, les Séeberger, immortalise la mode à travers quelque 60 000 négatifs et tirages aujourd'hui conservés au département des Estampes et de la Photographie de la BnF.

Élégantes - Fashion week: L'Oeil curieux

Objets dans l'objectif - De Nadar à Doisneau

Au début des années 1970, à la demande de ses amis et collectionneurs John et Dominique Menil, Henri Cartier-Bresson passe en revue les milliers de tirages de ses archives à la recherche des oeuvres les plus importantes et les plus significatives de sa carrière. 385 photographies ainsi choisies sont imprimées dans son laboratoire de confiance, à Paris, entre 1972 et 1973.Pour mettre en valeur ce « Master Set »,la photographe Annie Leibovitz, le réalisateur Wim Wenders, l'écrivain Javier Cercas, la directrice du Département des estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France, Sylvie Aubenas, et le collectionneur François Pinault ont choisi chacun une cinquantaine d'images issues de cet ensemble unique, qui jusqu'à présent n'avait jamais été publié dans son intégralité. À travers cette sélection, chacun partage sa vision personnelle de l'oeuvre de l'un des plus grands photographes du XXe siècle.
Le Grand Jeu est divisé en deux parties : la première présente la sélection de chaque commissaire, accompagnée d'un texte rédigé pour l'occasion ; la seconde, l'ensemble du Master Set tel qu'il a été conçu par Cartier-Bresson.

Henri Cartier-Bresson : le grand jeu

Catacombs - Nadar in the kingdom of the dead

Eugène Atget (1857-1927), le photographe qui refusait d'être appelé artiste, a pourtant influencé directement des artistes aussi novateurs que Walker Evans, Lee Friedlander, Bill Brandt... des œuvres plus récentes, comme celles de Bernd et Hilla Becher, Dieter Appelt ou Bruno Réquillart, continuent de s'en réclamer.
Les photographies reproduites ici ont été choisies par Jean-Claude Lemagny pour leurs qualités visuelles et leur aspect le plus esthétique. Loin de la seule charge illustrative que le photographe arpenteur du Paris immuable cherchait, elles sont mises en relation avec d'autres grandes images de photographes de la modernité et sont présentées en regard d'œuvres de Dieter Appelt, Bernd et Hilla Becher, Bill Brandt, Jacques Darche, Marcel Duchamp, Walker Evans, Lee Friedlander, Vilem Kriz, Clarence John Laughlin, Albert Renger-Patzsch, Bruno Réquillart, August Sander et Jindrich Styrsky.

Atget Le Pionnier

Ancré dans l'histoire de la photographie, le noir et blanc incarne l'essence de la discipline par sa force esthétique et plastique.L'exposition du Grand Palais invite à découvrir les tirages emblématiques des collections exceptionnelles de la BnF à travers ce thème transversal.La photographie en noir et blanc, à proprement parler, apparaît dans les années 1880, produisant des contrastes de pur noir et blanc, conjugués à toute une gamme de gris - auparavant les photographes utilisaient une palette allant du sépia à des bleus soutenus.La photographie en noir et blanc prédomine jusque dans les années 1970, et ce, malgré la mise sur le marché de procédés couleurs. Alors que le recours à la couleur s'intensifie au mitan des années 1970, le noir et blanc se maintient dans certains mouvements de photographie qui l'emploient comme un moyen d'expression esthétique mettant l'accent sur le graphisme et la matière. En outre, il apparaît comme porteur d'une dimension universelle, intemporelle voire mémorielle, là où la couleur serait la traduction du monde contemporain. Au-delà d'unejustification économique et technique, la persistance de l'usage du noir et blanc s'explique par le fait qu'il a fini par incarner l'essence même de la photographie et, partant, la « belle photographie ».Le catalogue présente une sélection de 200 des plus grands chefs-d'œuvre de l'exposition organisés en thèmes (contrastes, ombres et lumières, nuancier...). Ce parcours est mis en contexte par des essais traitant de l'histoire, de la technique, et des problématiques esthétiques de ce médium.Exposition au Grand Palais 12 novembre 2020 au 4 janvier 2021.

Arbres inédits d'Atget

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