Portrait(s) d'Olivier Messiaen

Michel Lambert (1610-1696), beau-père de Jean-Baptiste Lully, fut, en son temps, le plus célèbre compositeur d'airs sérieux. Plus de trois cents pièces dispersées dans les manuscrits et les éditions françaises du XVIIe siècle ainsi que deux cycles de Leçons de Ténèbres témoignent de cette activité foisonnante. Lié aux cercles de poètes précieux, ayant travaillé pour divers mécènes dont le cardinal de Richelieu et Foucquet, puis titulaire d'une charge de maître de la Musique de la Chambre auprès de Louis XIV, il exerça une influence profonde et durable sur le chant français au XVIIe siècle. De nombreux témoignages attestent d'un art qu'il inculqua à ses élèves et disciples.

L'art de bien chanter - Michel Lambert (1610-1696)

Michel-Richard Delalande ou  le Lully latin

Voici puiblié pour la première fois, le manuscrit de Don Giovanni, de la main de Mozart. Trésor inestimable dont la fragilité interdit de l'exposer au regard, la partition est ici fidèlement reproduite dans son format d'origine. Ce livre propose d'en feuilleter les pages les plus significatives, guidé par les commentaires éclairants et passionnés. Pour découvrir, dans l'admirable élégance de l'écriture, l'urgence de la création, telle indication, des ratures, des corrections, parfois, tel passage abandonné au profit d'un autre. Et pénétrer ainsi dans l'atelier du musicien, penché sur sa table de travail...

Don Giovanni, Mozart - Le manuscrit, un trésor de la BNF

L'histoire du collectionnisme appliquée à la musique constitue une thématique de recherche neuve. Elle est menée par un groupe international de chercheurs, à l'initiative de la Fondation Royaumont, depuis l'acquisition par celle-ci de la bibliothèque du pianiste François Lang (1908-1944). Ce premier ouvrage définit la notion de collection musicale sous toutes ses formes : il dresse le portrait de quelques grandes figures de collectionneurs qui dominent l'histoire européenne et analyse plusieurs collections exemplaires depuis le xvie siècle jusqu'à nos jours (João IV du Portugal, le Padre Martini, Henry Prunières...). Les deux prochains volumes aborderont les thèmes du collectionneur interprète et du collectionneur érudit.

Collectionner la musique - Volume 1, Histoires d'une passion

Consacré au livre de musique - livre contenant de la notation musicale ou traitant de théorie de la musique,  livre manuscrit et imprimé -, cet ouvrage est issu de quatre conférences prononcées en 2003 par Catherine  Massip, directeur du département de la Musique de la Bibliothèque nationale de France. L'Antiquité grecque, qui considère la musique comme une science, lègue à l'Occident latin puis médiéval la  géniale théorie de Pythagore sur la nature du son. Au Moyen-Âge des centaines de manuscrits, produits dans  les monastères et les abbayes, transmettent les écrits théoriques des Boèce, Cassiodore, Isidore de Séville et  Gui d'Arezzo ; ils gardent aussi la mémoire de la musique servant à la liturgie - grâce à des systèmes de  notation en constante évolution - ou bien celle de la musique profane des troubadours et des trouvères. Les  premiers « livres d'auteurs » voient le jour avec le Roman de Fauvel, les ouvrages de Guillaume de Machaut  ou le chef-d'oeuvre courtois réalisé pour Jean de Montchenu : le Chansonnier cordiforme. L'édition imprimée, qui se développe à partir de 1501, à Venise, avec Ottaviano Petrucci, et à Paris, à partir  de 1528, est associée au développement de la chanson polyphonique et adopte le format oblong qu'elle  gardera longtemps, tout en conservant certains aspects de présentation des manuscrits. Au XVIIe siècle, elle  joue, pour de grands compositeurs comme Frescobaldi, Gesualdo ou Monteverdi, et, au XVIIIe siècle pour les  nouvelles formes de la musique instrumentale (sonate, symphonie), un rôle de diffusion massive, même si 
en Italie l'édition décline au XVIIIe siècle au profit du manuscrit, plus adapté à la diffusion de l'opéra. En  France, l'époque baroque, qui est celle des ballets de cour, des grands motets, des partitions d'opéras sorties  des presses des Ballard, est aussi celle des collections et de l'émergence des manuscrits autographes (M.-A.  Charpentier, J.-Ph. Rameau). Depuis la fin du XVIIIe siècle, le manuscrit autographe est considéré comme le témoin privilégié du travail du  compositeur (la BNF conserve des manuscrits de Haydn, Mozart, Beethoven), connu aussi par d'autres  sources comme les éditions, épreuves corrigées, livrets, correspondances, mémoires. C'est encore grâce aux  manuscrits qu'au XXe siècle des études génétiques peuvent être consacrées à Debussy, Stravinsky,  Honegger, Milhaud, Jolivet ou Messiaen. Cette synthèse illustrée et érudite, qui brasse et ordonne l'ensemble des collections de musique de la BNF,  dessine en parallèle une véritable histoire du livre de musique à l'échelle de l'Europe, tout en évoquant d'autres termes : l'évolution de la notation musicale, les centres de production, les liens entre texte, musique  et peinture, mais aussi le devenir du livre de musique « dématérialisé » au XXe siècle par des compositeurs  comme Xenakis...
Index, glossaire et illustrations guident le lecteur, qu'il soit néophyte ou musicologue chevronné, dans cette découverte des sources d'une histoire commune au livre et à la musique.

Le livre de musique ; conférences Léopold Delisle

Les quelque cinquante contributions inédites réunies au sein de ce volume parcourent avec une exceptionnelle variété les champs d'étude de la musique baroque. Explorant avec liberté les multiples domaines de la musicologie, ces études ont été regroupées en cinq sections thématiques. La première, intitulée "Transmettre : catalogues et collections" , s'attache à éclairer des patrimoines musicaux méconnus. La deuxième, "Des sources à l'interprétation" , témoigne du nécessaire dialogue entre les musicologues et les interprètes. Le thème "Musique, verbe, images" couvert par la troisième partie ouvre à la fois vers l'iconographie musicale et vers l'apport que représentent les grands textes théoriques. Au sein de la section "Musique à la scène. Théâtre et danse (XVIIe-XIXe siècle)" se révèle toute la richesse des approches interdisciplinaires entre musicologues et spécialistes de littérature. La cinquième et dernière partie, "Musiciens en société en France et en Italie (XVIIe-XVIIIe siècle)" met en lumière l'importance de la pratique musicale loin du cercle versaillais. La richesse de cet ouvrage en hommage à Jean Duron, fondateur de l'Atelier d'études du Centre de musique baroque de Versailles, est à l'image de ce chercheur hors norme qui occupe depuis plusieurs décennies un rôle central dans la redécouverte et la mise en valeur du patrimoine musical des XVIIe et XVIIIe siècles.

Musiques en liberté - Entre la cour et les provinces au temps des Bourbons

Henry Prunières (1886-1942), l'un des grands musicologues français de la première moitié du xxe siècle, demeure présent pour tous ceux qui s'intéressent à l'histoire de la musique de cette période et qui se sont nourris des riches pages de La Revue musicale ou de l'un des importants ouvrages qu'il a signés. Pourtant, jusqu'ici, aucune monographie ne lui avait été consacrée. Fruit des travaux d'un séminaire de recherche international, cet ouvrage comble cette lacune.
 Auteur de deux thèses sur L'Opéra italien en France avant Lully et Le Ballet de cour avant Benserade et Lully, Henry Prunières est aussi ouvert à la musique de son temps et côtoie de nombreux compositeurs de premier plan. Éditeur de la première édition monumentale des oeuvres de Lully, il reste avant tout le fondateur, en 1920, de La Revue musicale, tribune ayant rassemblé des chroniqueurs et des artistes essentiels du xxe siècle dans un esprit de rare ouverture à des domaines divers, faisant appel à la musicologie historique, couvrant toutes les époques y compris la musique contemporaine, sans négliger la danse, le jazz, le disque ou l'étude des rapports aux autres arts. Ce livre atteste la richesse de la personnalité d'Henry Prunières et l'ampleur des voies qu'il a ouvertes.

Henry Prunières (1886-1942) ; un musicologue engagé dans la vie musicale de l'entre-deux-guerres

Les Ecoles d'Art américaines de Fontainebleau répondent à l'engagement du gouvernement américain de promouvoir, juste après la 1ère Guerre Mondiale, les échanges culturels avec la France. Elles sont alors installées dans l'aile Louis XV du château de Fontainebleau et offrent aux jeunes musiciens le meilleur de l'éducation musicale française avec des enseignants prestigieux (Ravel, Saint-Saëns, Dutilleux, Stravinsky...
Etc). En 1923 une école des beaux-arts s'ajoute à l'école de musique avec un enseignement en peinture, architecture et sculpture favorisant les échanges entre les disciplines artistiques. A partir de 1949, l'empreinte de Nadia Boulanger marque profondément l'organisation des enseignements : elle développe des méthodes originales d'apprentissage et demeure un des piliers de l'école jusqu'à la fin des années 1970.

Les écoles d'art americaines

Elsa Barraine (1910-1999) - Une compositrice au XXe siècle

Ce livre rassemble les communications faites au colloque international qui s’est tenu à la Bibliothèque nationale de France du 13 au 15 novembre 2003, le dernier d’un cycle de cinq dont les thématiques ont été conçues comme complémentaires. Les articles qui constituent la première partie de ce livre contribuent à éclairer les différentes attitudes de Berlioz à l’égard du texte, musical et littéraire. Écrivain né et grand lecteur, Berlioz est d’abord un homme du texte qui dans sa correspondance, ses feuilletons, ses nouvelles, ses traités, ses mémoires, joue en virtuose dans les registres littéraires de l’autobiographie, de la critique, de la théorie et de la fiction. Les plaintes du critique condamné à traîner le boulet du feuilleton amènent souvent le lecteur d’aujourd’hui à constater avec quelle pertinence Berlioz pose la question de la condition de l’écrivain. Le traitement musical du texte révèle chez Berlioz un discernement qui le porte à envisager de façon complexe le rapport analogique entre les différents états d’un texte poétique et leur traduction musicale. Les articles de la deuxième partie de ce livre sont consacrés aux diverses formes de contextualisation dont dépend la création berliozienne. Ils contribuent à abattre le préjugé trop tenace d’un Berlioz cédant sans mesure aux impulsions d’une sensibilité survoltée par une vie affective paroxystique. Enfin ce livre fait ressortir aussi ce que signifie, dans le champ de la philosophie musicale du XXe siècle, la présence — ou l’absence — de Berlioz dans l’esthétique de Mahler ou la pensée Adorno, l’examen des opinions de cet autre novateur qu’est Debussy, ou encore les motifs d’admiration d’un musicien plus radical encore dans ses options créatives comme Varèse.

Berlioz, textes et contextes

L'histoire du collectionnisme appliquée à la musique constitue une thématique de recherche neuve. Elle est menée par un groupe international de chercheurs, à l'initiative de la Fondation Royaumont, depuis l'acquisition par celle-ci de la bibliothèque du pianiste François Lang (1908-1944). Faisant suite aux deux premiers volumes (Collectionner la musique : histoires d'une passion, 2010 ; Collectionner la musique : au coeur de l'interprétation, 2012), ce nouvel ouvrage aborde le thème du " collectionneur érudit ". Outils de travail ou fruits d'une vie consacrée entièrement ou en partie à l'art ou à l'étude de la musique, certaines collections ou bibliothèques musicales sont directement liées aux activités savantes de leur ancien possesseur qu'il soit théoricien de la musique (Mersenne, Brossard), historien (Burney, Fétis, Perne, Schoelcher), bibliothécaire (Gaspari), organologue (Tolbecque, Bricqueville) amateur passionné (La Boissière, Picquot, Laurens, Yorisada). Ils s'inscrivent dans les réseaux érudits de leur temps (Bouhier, Paulmy) et participent à la transmission du savoir, une démarche toujours d'actualité comme en témoignent les collections d'H. Schneider et de P. Florentin.

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