Richard Strauss (1864-1949), un compositeur pour le moins déroutant, d'autant plus que sa musique la plus novatrice (et très en avance sur son temps) correspond à ses premiers grands opéras tels Elektra et Salomé, avant de revenir à un style bien plus "classique", témoin d'une époque pourtant révolue. Et aujourd'hui encore, en France, il existe de la suspicion envers le compositeur de Till, du Chevalier à la rose, des Métamorphoses et des Quatre derniers Lieder, partitions maîtresses que l'on admire généralement sans réserve. Car si le musicien semble indiscutable, l'homme ne l'est pas toujours.
Une relecture s'imposait de cette musique de la nostalgie et du regret, mais débordante de vie et porteuse de renaissance et de renouveau : Christian Goubault nous la livre avec passion et réflexion. Cet ouvrage, riche en illustrations et en exemples musicaux, est en effet un hommage aux richesses orchestrales et vocales du père du célèbre poème symphonique Ainsi parlait Zarathoustra, dont Kubrick rappela au grand public la puissance musicale et visionnaire en le reprenant dans son film 2001 l'Odysée de l'espace.

Richard Strauss

Igor stravinsky.

Claude debussy

Le romantisme est de toutes les époques. Mais il représente plus particulièrement un courant de la sensibilité occidentale qui occupe le coeur du XIXe siècle. La musique n'est plus une combinaison de sons à l'intérieur d'une structure rigide. C'est un langage poétique élaboré autour de grands thèmes (la nature, le voyage, l'amour et la mort...). L'artiste se sent désormais libre d'adapter les formes à l'expression de ses sentiments.
Dans ce Vocabulaire, cinq domaines principaux ont été explorés, relevant de l'opéra (genres, livrets, voix), du Lied, du piano, de la musique dite "à programme", de la facture instrumentale (nouveaux instruments, perfectionnements). Dans leur grande majorité, les termes choisis sont couramment employés à l'époque; ils sont attestés par des textes français, allemands, italiens, anglais.
L'ambition de cet ouvrage est d'offrir au lecteur - étudiant, musicien ou mélomane -  une image vivante et précise de cet âge complexe et contrasté, où s'illustrent des créateurs aussi personnels que Schubert, Schumann, Berlioz, Chopin, Liszt, Verdi, Wagner ou Brahms.

Vocabulaire de la musique romantique

Les "Histoire de l'instrumentation" en langue française sont rares, en dépit de l'importance acquise au fil des siècles par l'orchestration. Cet ouvrage parcourt un long itinéraire depuis les intermèdes de la Renaissance et de la musique baroque, s'attachant à en souligner les particularités, les continuités comme les ruptures. L'orchestration devient alors un art autonome avec Haydn et Mozart, largement entrevu et préparé par des musiciens comme Vivaldi, Rameau, Haendel, Bach, par les Ecoles de Mannheim et de Vienne. Le chemin est ensuite tracé par des orfèvres en la matière, avec les grandes figures de Beethoven et de Berlioz. La première partie du XXe siècle expérimente d'autres voies, de la pensée sonorielle debussyste à la Klangfarbenmelodie des Viennois. Les percussions constituent de véritables orchestres. Des instruments nouveaux apparaissent, faisant appel à l'électronique, comme les ondes et les synthétiseurs, autorisant des partitions mixtes. Ce livre serait incomplet si la technique de l'orchestration classique n'était pas abordée : équilibre entre les pupitres, divisi des cordes, combinaisons instrumentales, effets spéciaux... Le problème des transcriptions et des réorchestrations est également posé, à travers une multitude d'arrangements. Enfin, parmi plus de mille oeuvres citées, un choix de partitions brèves, de Bach à Messiaen, fait l'objet d'une analyse et de commentaires, pour mieux comprendre l'orchestration.

Histoire de l'instrumentation et de l'orchestration - Du baroque à l'électronique

A travers cet ouvrage, se raconte l'histoire du long fleuve " non tranquille " qu'est la notation musicale et se discutent les enjeux de sa stabilisation, de sa remise en cause et de la naissance de nouveaux principes de transcription. Les auteurs ont interrogé les sources pour comprendre comment la " notation moderne " a dû se construire parallèlement à la survivance de l'écriture proportionnelle de la Renaissance, des tablatures et d'autres conventions archaïsantes ; comment, au-delà de la nécessité d'un " universalisme " rassurant qui émerge vers 1750 et perdure sur une large partie du XIX siècle, elle est restée attentive à une identité nationale culturelle ; comment, pour répondre aux exigences des nouvelles formes d'expression du XXe siècle, se sont développés d'autres procédés de notation faisant appel au graphisme et au verbe, parfois dans une optique raisonnable et constructive, parfois dans un esprit, contestataire peu propice à la pérennisation. L'individualisme des courants, leurs contradictions internes, la subtilité des conventions supposées connues et dénaturées n'ont pas notre démarche. Mais la simplicité ne sied pas à l'histoire de la notation musicale, qui n'est rien moins que le miraculeux résultat d'une codification à vocation " universelle " des formes d'expression les plus diverses de la; pensée musicale, en somme une sotte d'utopie dont la survie dépend d'une sagesse consensuelle.

Histoire de la notation - De l'époque baroque à nos jours

Maurice Ravel le jardin féerique

Les " Histoire de l'instrumentation " en langue française sont rares, en dépit de l'importance acquise au fil des siècles par l'orchestration. Cet ouvrage parcourt un long itinéraire depuis les intermèdes de la Renaissance et de la musique baroque, s'attachant à en souligner les particularités, les continuités comme les ruptures. L'orchestration devient alors un art autonome avec Haydn et Mozart, largement entrevu et préparé par des musiciens comme Vivaldi, Rameau, Haendel, Bach, par les Écoles de Mannheim et de Vienne. Le chemin est ensuite tracé par des orfèvres en la matière, avec les grandes figures de Beethoven et de Berlioz. La première partie du XXe siècle expérimente d'autres voies, de la pensée sonorielle debussyste à la Klangfarbenmelodie des Viennois. Les percussions constituent de véritables orchestres. Des instruments nouveaux apparaissent, faisant appel à l'électronique, comme les ondes et les synthétiseurs, autorisant des partitions mixtes. Ce livre serait incomplet si la technique de l'orchestration classique n'était pas abordée : équilibre entre les pupitres, divisi des cordes, combinaisons instrumentales, effets spéciaux... Le problème des transcriptions et des réorchestrations est également posé, à travers une multitude d'arrangements. Enfin, parmi plus de mille oeuvres citées, un choix de partitions brèves, de Bach à Messiaen, fait l'objet d'une analyse et de commentaires, pour mieux comprendre l'orchestration.

Les cinquante années qui s'écoulent entre 1880 et 1930 présentent l'image d'une époque en effervescence où tout se désagrège et se reconstruit à la fois. Sans faire table rase du passé, la musique participe à ce mouvement et emprunte des voies novatrices remettant en question le devenir de cet art. Athématisme, atonalité, mélodie de timbres, micro-intervalles, polytonalité, Sprechgesang, variation continue, Zwölftonmusik sont quelques-unes des notions étudiées ici, qui ont contribué à l'élargissement du langage musical en conquérant des territoires insoupçonnés. Debussy envisage un changement de nature de la musique et accorde la primauté à la substance sonore. Confronté à la dilution de la tonalité, Schoenberg est conduit à employer un système à douze sons et à attribuer au timbre une valeur essentielle, tandis que Stravinsky met l'accent sur le rythme, avant de s'approprier des formes et des styles anciens. Ce Vocabulaire définit également les principaux courants esthétiques (impressionnisme, symbolisme, expressionnisme, vérisme...) qui témoignent d'une évolution de la société et d'une nouvelle perception engageant la musique sur le chemin de la modernité.

Vocabulaire De La Musique A L'Aube Du Xxeme Siecle

Renouvelant le concept même de la musique - comme Mallarmé et Cézanne réinventent la poésie et la peinture -, Claude Debussy occupe une place sans égale dans son temps, à la jonction des XIXe et XXe siècles. Face à la musique trop apprise, aux formes figées et imposées, à la syntaxe sclérosée, il prône le jeu, la musique instinctive, le naturel et la liberté, la primauté de la sensibilité et de l'oreille sur la vaine spéculation d'une musique " pour le papier ". Ce livre s'efforce de présenter le musicien français comme un être entièrement habité par la musique. Pour ce faire, il interpénètre éléments biographiques, esthétiques et techniques, a recours à de nombreuses analyses et à près d'une centaine d'exemples et de schémas permettant de sonder les formes et structures debussystes, la polychromie des timbres, la densité de la texture, les résonances, les reliefs et les volumes du langage pianistique, vocal et orchestral. A travers Debussy et son œuvre se pose le problème crucial de la création artistique chez un compositeur confronté au poids des conventions, au désir obsessionnel de se renouveler, voire de se désengager de sa propre musique. L'impressionnante nouveauté et les nuances subtiles du style debussyste ne seront véritablement dégagées qu'au cours de la seconde moitié du XXe siècle. Le changement du " devenir " musical imposera alors sa marque à plusieurs générations de compositeurs, d'Olivier Messiaen à Pierre Boulez, de Maurice Ohana à Toru Takemitsu.

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