"En stratège de l'ambiguïté, Dominique Blain élabore des dispositifs qui nous invitent à foncer dans un mur alors que nous croyons nous enfoncer dans l'image."

Dominique Blain - Déplacements

La série n'est pas simplement un genre télévisé en vogue, c'est d'abord une forme. C'est du neuf esthétique, et on sait que les inventions de formes sont rares. Pour la décrire, il faut se lancer dans une anatomie comparative et la confronter à d'autres formes, au cinéma, évidemment, mais aussi à des formes plus anciennes, fondamentales dans notre civilisation?: au mythe, au roman, aussi au tableau. La question de la série se pose depuis toujours, dans la littérature, avec le feuilleton par exemple, ou dans l'art, avec les Nymphéas de Monet, la reproductibilité technique selon Walter Benjamin ou la collection, notamment. Mais la forme-série n'est pas qu'un problème esthétique, et cette forme n'est pas seulement nouvelle, elle est profondément actuelle. La forme-série pourrait être le langage du monde comme il est?: en crise. La série serait une forme de crise. Elle serait structurée comme le monde en crise, ou le monde serait lui-même structuré comme une série. D'où l'interrogation qui anime le propos?: de quoi la série est-elle la forme?? La série symptôme du monde comme il va, ou comme il ne va pas. Une forme témoin du malaise dans la civilisation. Cela conduit, pour finir, à la question de savoir pourquoi les femmes occupent le devant de la scène des séries.

Les séries, le monde, la crise, les femmes

Dès les débuts de sa pratique artistique, Paz Corona s'attaque d'emblée au motif primordial de la femme, chaque tableau étant l'échos de ses émotions brutes. Jamais sexuels, ils s'organisent selon des paramètres rigoureux d'expression dont la finalité est de susciter le désir, offrant au spectateur la possibilité d'une identification.
Née en 1968 au Chili, Paz Corona est artiste et psychanalyste, elle vit et travaille à Paris. Dès les débuts de sa pratique artistique, Paz Corona s'attaque d'emblée au motif primordial de la femme, chaque tableau étant l'échos de ses émotions brutes. Jamais sexuels, ils s'organisent selon des paramètres rigoureux d'expression dont la finalité est de susciter le désir, offrant au spectateur la possibilité d'une identification. Les portraits rappellent le premier métier de l'artiste, la psychanalyse, à travers laquelle elle tente de s'approcher de l'expression la plus réelle, la plus humaine du portraituré, d'en saisir toutes les pulsations, se référant au sentiment ressenti lors de la première rencontre. Des modèles, êtres de chair et de sang, il faut capter " l'émanation ". Comment peindre les tumultes de l'âme, ses bruits, leur donner des couleurs ? Telle est à l'évidence ce à quoi s'attache Paz Corona face à son modèle, rendre visible son humanité intrinsèque en subordonnant les moyens de la peinture à cette tâche. La vérité rien que la vérité.

Paz Corona

Il y eut ici un récit. Ne subsistent plus que des notes en bas de page dont les renvois invitent le lecteur, d'une part à imaginer ce qu'était - ou ce qu'aurait pu être - ce texte et, de l'autre, à s'interroger sur les raisons de cette inexplicable disparition. Peu à peu se reconstitue la figure du personnage principal de ce roman, sans que le lecteur puisse très bien distinguer d'ailleurs si ce n'est pas son propre reflet qu'il vient à l'instant de surprendre dans le miroir d'une de ces pages. Le récit effacé n'est pas un jeu de pure forme. Dans ce silence, c'est un drame qui se joue : celui d'un homme qui, privé de mémoire, et après en être resté littéralement interdit, longtemps sans voix, lutte contre l'oubli, "la tête renversée dans les ténèbres". Ce n'est qu'en découvrant la vérité, pour lui, de la langue de ses pères, le yiddish qui a bercé son enfance et dont pourtant il ne sait rien, qu'il pourra reprendre la parole, écrire, et reconquérir ainsi tout l'espace de la page. Retrouver dans une langue passée ce qui reste d'un homme, telle est l'aventure de ce roman. Ce livre est un événement ; à travers sa composition insolite, il met pour la première fois en scène quelque chose qui n'a jamais eu lieu.

L'interdit

Par la fenêtre nous prenons des nouvelles du monde. Mais ouvrir une fenêtre, c'est non seulement s'ouvrir au monde, y plonger par le regard, c'est aussi le faire entrer, élargir notre propre horizon. Jadis, la fenêtre, via la peinture, a dessiné les territoires du monde, métamorphosant dans son cadre le pays en paysage. On a cependant négligé que cette fenêtre qui ouvre sur l'extérieur trace aussi la limite de notre propre territoire, qu'elle dessine le cadre d'un " chez soi ". La fenêtre qui ouvre sur le monde ferme notre monde, notre intérieur. Moi et le monde - ils se croisent à la fenêtre. " Qu'est-ce que le moi? Un homme qui se met à la fenêtre pour voir les passants ", répondait Pascal. Se pencher sur la fenêtre, ce sera réfléchir sur ce bord où viennent se rencontrer le plus lointain et le plus proche, et sur le fait que la fenêtre oblige peut-être à concevoir que le Moi et le Monde ne peuvent que se penser ensemble - jusqu'à ce point: et si la subjectivité moderne était structurée comme une fenêtre? C'est ici, tout de suite, qu'il faut préciser: pas n'importe laquelle : la fenêtre née à la Renaissance. Et là encore, pas n'importe laquelle: la fenêtre de la peinture, la fenêtre du tableau, exactement, celle inventée par Alberti. Voilà l'hypothèse, elle donne le fil de l'histoire. En grand hommage à l'idiot chinois de la fable qui, quand le maître montre du doigt la lune, regarde le doigt, j'invite donc ici à regarder la fenêtre. Invitation à détourner notre regard fasciné de spectateur du spectacle vers l'objet qui ferme et ouvre notre regard - la fenêtre.

Fenêtre - Chronique du regard et de l'intime

L'intime, le collectionneur derrière la porte est le premier catalogue d'une collection intitulée privées, qui accompagnera les expositions de la maison rouge consacrées aux collections particulières.
Cette exposition interroge le rapport singulier, intime et quotidien qu'entretient le collectionneur avec ses oeuvres. Le spectateur est mis en présence de ce qu'il ne voit jamais, des oeuvres dégagées de la neutralité du musée, vues dans leur relation à un lieu, au plus près de ce qui constitue le principe fondateur d'une collection: le regard de celui qui les a réunies. Quinze boîtes, reconstitutions de pièces appartenant à quinze domiciles privés sont présentées: chambre, salon, vestibule, salle de bains...
A cette occasion, Patricia Falguières, historienne de l'art spécialisée dans l'histoire des collections privées, Jean-Pierre Criqui, historien et critique d'art ainsi que Gérard Wajcman psychanalyste, écrivain et commissaire de l'exposition, ont écrit les premiers textes du volume de cette collection. Ouvrage publié à l'occasion de l'exposition inaugurale de La maison rouge - Fondation Antoine de Galbert, Paris, du 5 juin au 26 septembre 2004.

L'intime ; le collectionneur derrière la porte

[ ] Elle avait pris le revers de ma veste entre ses doigts. Indéfinissable la couleur de votre costume. Ce n'est ni clair ni foncé, ni brun, ni vert, ni rien. Comment vous diriez pour une couleur pareille ?
[ ] Chaïm n'était pas une victime, il était un juif en armes, un non-violent au combat. Même si en 1945 il est retourné à son atelier de tailleur, il est demeuré un juif en armes jusqu'au bout.
Il y a ici le récit de Wolf Trafiquant qui passe son temps à peindre des femmes de dos. Son idée c'est que les femmes regardent ailleurs, et Trafiquant le peintre aimerait bien savoir ce que regardent les femmes.
Ce que son père a connu durant la guerre il voudrait aussi le voir, ces histoires anciennes qu'il lui raconte encore et encore. Il y a ici un autre récit, de Trafiquant le fils qui arrache quelques images à un passé qui s'efface, emportant un peu de lui, le secret de ce qui l'a fait peintre, c'est possible - un juif peintre, bizarre espèce.
Les femmes, la mémoire, deux voyages, deux récits. Ce livre est composé de ces deux récits tissés. Ensemble, ils racontent l'histoire d'un étrange personnage invisible - le roman du regard.

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