En quete du grand style - la peinture d'histoire britannique au xviiie siecle

Catalogue de l'exposition L'Âge d'or du paysage hollandais, présentée au Cabinet des dessins Jean Bonna, ENSBA de Paris (10 octobre 2014 - 16 janvier 2015).

Loin de la nature et de la lumière méditerranéennes, les dessinateurs hollandais - Ruisdael, van Goyen, Cuyp etc. - développent dans ce domaine de nouvelles approches qui vont leur assurer une notoriété incontestable dans toute l'Europe. Sensibles à l'omniprésence de l'eau dans leurs contrées - fleuves, lacs, cours d'eau et canaux -, ils dressent une image vivante où pêcheurs, marins mais aussi promeneurs et patineurs s'adonnent à leurs activités quotidiennes.

Exécutés sur le vif en plein air ou retravaillés en atelier, ces dessins étaient parfois conçus pour eux-mêmes car déjà très appréciés des amateurs, parfois destinés à être gravés ou plus rarement préparatoires à des tableaux.

Achetées en grande partie par Jean Masson, ces oeuvres font aujourd'hui la richesse des Beaux-Arts de Paris. Frits Lugt, grand érudit et lui-même éminent collectionneur, dressa en 1950 un inventaire complet de cet ensemble. Marià van Berge Gerbaud fait aujourd'hui le point sur les récentes découvertes et les attributions de ces dernières années.

CARNETS D'ETUDES : l'Ã¢ge d'or du paysage hollandais

For a long time, the Dutch Golden Age has been regarded as a historiographical construction or reconstruction dating from the second half of the nineteenth century, when the rise of nationalist and even racialist histories and art histories was intended to promote the principle of a Dutch cultural identity, visible and analysable beyond the vicissitudes of time. This volume shows how the notion of the ‘Golden Age', built on the ancient notion of aetas aurea, was constructed by the Dutch and for the Dutch, at the end of the sixteenth century, first to try to justify the theoretically questionable revolt of the Northern Netherlands against Spanish rule, and then to give shape to the new state and the new society created. However, we will see that there is not one but several possible definitions of this Golden Age, and consequently that it cannot be confined to one conception, so that it would be preferable to speak of a multitude of Dutch Golden Ages.

Dutch Golden Age(s): The Shaping of a Cultural Community

Dans l'atelier de Rembrandt : le maitre et ses élèves

Issu d'une famille de pasteurs calvinistes, Vincent van Gogh a un temps caressé le rêve de vouer sa vie à la prédication avant de se tourner vers la peinture à l'âge de 27 ans et de s'y consacrer jusqu'à sa mort. Ce cheminement et la place accordée aux questions religieuses dans les lettres de l'artiste ont laissé penser que Van Gogh avait été un peintre de Dieu. Pourtant dès 1880, l'artiste se déclare athée. Au fil des circonstances et des rencontres, cette incroyance demeure une constante de sa pensée qui va guider ses choix de vie et orienter de manière décisive son oeuvre. Durant les huit premières années de sa carrière artistique, Van Gogh va faire le deuil d'une foi qu'il renie et qui le hante malgré tout. Les deux dernières années de sa vie, marquées par la multiplica-tion des crises mentales, ne feront pourtant que creuser le sillon tracé précédemment. Dans une intense fièvre créatrice, le peintre développe, à la manière de Nietzsche, l'idée que l'art doit exalter les forces du corps et du désir plutôt que les arrière-mondes de la Beauté ou de l'Esprit.
Revisitant l'ensemble de son oeuvre et s'appuyant sur une lecture renouvelée de sa correspondance, ce livre propose un regard inédit sur les relations de Van Gogh à la question de la foi.

Van Gogh ; ni dieu ni maître

L'âge d'or de la peinture anglaise - Musée du Luxembourg

Qu'elle soit inscrite dans une réflexion sur la "création", l'"invention", la "découverte" ou l'"innovation", la nouveauté participe indéniablement des transformations des sociétés. Mais existe-t-il des processus de production du nouveau propres à ce que nous appelons aujourd'hui, en les distinguant, les "arts", les "techniques" et les "sciences" ? Un peintre, un ingénieur et un savant "inventent"-ils différemment, à des époques où les frontières sont ténues, comme l'indique l'utilisation des termes d'"arts" et d'"artiste" en un sens large jusqu'au XIXe siècle ? Les assujettissements sociaux et économiques - commandes et marchés, contraintes de temps et d'argent, enjeux de pouvoir - fonctionnent-ils de manière analogue dans ces contextes différents ? Dans tous ces domaines, faut-il penser que le nouveau est le produit de combinaisons inédites issues de matériaux déjà existants ? Que retenir du mythe du génie inventif et de l'inventeur héroïque qui voudrait que les novateurs - artistes, artisans, savants, industriels, chercheurs - n'innovent véritablement qu'en faisant table rase ? En s'intéressant à la fois aux discours et aux pratiques de la nouveauté dans les arts, les techniques et les sciences du XVe au XIXe siècle en Europe, cet ouvrage propose de questionner la pertinence de ces catégories et d'identifier les différentes manières dont les sociétés envisagées ont tenté de penser et de produire du nouveau. A travers des études de cas et des études comparées, il s'agit de penser dans sa diversité et ses ambiguïtés la production du nouveau en contexte.

Produire du nouveau ? - Arts - techniques - sciences en Europe (1400-1900)

Entouré de mythes et de fictions, l'oeuvre peint de Léonard de Vinci demeure inépuisable par la richesse de son invention et l'habileté que le peintre y a déployée, de ses premières contributions, dans l'atelier de Verrocchio, à ses dernières oeuvres françaises. Mais ces trésors ne peuvent être redécouverts qu'en revenant aux oeuvres elles-mêmes, au plus près de leur surface, de leur matière. C'est à cette exploration rapprochée de l'art de Léonard de Vinci que ce livre invite le lecteur.Mettre à l'échelle et faire mieux voir : la double ambition de ce livre est de permettre au lecteur de redécouvrir les oeuvres d'un des plus grands peintres de la Renaissance italienne en les regardant mieux, en les regardant autrement, en les regardant enfin de près.Collection 100%Cette collection vise à présenter le travail des grands maîtres de l'histoire de l'Art à travers une trentaine d'oeuvres majeures, reproduites dans leur intégralité, et surtout accompagnées de détails à taille réelle. Monographie vivante, ne se limitant pas à un choix de reproductions flatteuses, la collection 100% a aussi pour ambition d'offrir, à travers des textes concis et accessibles à tous, les derniers états de la recherche (radiographie des tableaux, attribution des oeuvres, etc.).Le lecteur accède ainsi à une notion d'échelle, très et trop souvent absente des livres de peinture pour des contraintes de maquette, et découvre dans une présentation claire et chronologique les chefs-d'oeuvre des grands maîtres de l'Histoire de l'Art, tels qu'il pourrait les contempler sur les cimaises d'un musée ou d'une église.Cette collection allie donc au plaisir de la contemplation esthétique des textes concis et didactiques.

100% Léonard de Vinci

Peindre et penser la peinture au xviie siecle

Après la mort de sir Joshua Reynolds, les premiers visiteurs de son atelier y ont découvert, en plus de plusieurs tableaux inachevés et des oeuvres de son abondante collection, un nombre considérable de manuscrits – plus de 2000 pages de sa main ou de celle de ses secrétaires. Certains de ces manuscrits ont fait l'objet de publications partielles, tout comme c'est le cas des quelques textes publiés par Reynolds tout au long de sa carrière – pour l'essentiel, ses trois articles pour l'Idler et ses quinze discours académiques. Il n'existait pourtant aucune édition complète de ses écrits, tant en anglais qu'en français. Présentant pour la première fois l'intégralité des textes connus de sir Joshua Reynolds, qu'ils aient été publiés de son vivant et après sa mort ou restés à l'état de manuscrits, cet ouvrage propose ainsi une révision complète des théories et des pratiques artistiques du peintre, à l'aune de textes connus, méconnus et inconnus. Réunis pour la première fois et présentés de façon systématique et comparative, ceux-ci permettent de mieux éclairer une carrière et une pensée plus cohérentes qu'on ne l'a dit, moins conformiste qu'on ne l'a prétendu. Ils constituent surtout des documents capitaux pour une histoire artistique mais aussi culturelle, sociale, historique, littéraire, théâtrale et politique du Siècle des Lumières. A travers une présentation strictement chronologique des différents documents, qui mêlent les textes publics ou publiés, les lettres privées ainsi que les notes demeurées confidentielles, il s'agit de souligner la cohérence des idées développées par le premier président de la Royal Academy tout autant que leur évolution et leur adaptation à des publics et des attentes différents. L'ensemble de ces sources fait l'objet d'une présentation qui permet d'en restituer les enjeux, d'en rappeler le contexte d'énonciation et d'en marquer les principaux apports. Par une série de renvois intertextuels, le lecteur pourra également mettre en relation les propos de l'artiste à différents moments de sa vie, afin de mesurer ce qui les sépare ou les réunit. Par ailleurs, afin que ces textes ne soient pas réduits aux innombrables chapitres d'une théorie de l'art homogène et unifiée qui n'a jamais existé, et arrachée à la pratique d'un peintre qui a constamment cherché à la fonder sur les problèmes strictement artistiques, techniques et artistiques qui se posaient à lui, lorsqu'il concevait un portrait ou une peinture d'histoire, des éléments d'information concernant sa carrière, ses principales oeuvres et les débats les entourant ont été insérés entre les textes afin d'en favoriser la compréhension et d'en saisir les enjeux circonstanciels. Il serait vain, même en une longue préface, de résumer en quelques points des théories artistiques qui s'étalent sur près de 2000 pages et couvrent près d'un demi-siècle, du premier manuscrit connu de la main d'un Reynolds à peine entré dans l'adolescence – un arbre généalogique – à la dernière lettre que nous connaissons du peintre, écrite à peine un mois après avoir proposé – sans succès – sa démission de la Royal Academy. J'ai donc choisi la solution d'un dictionnaire, regroupant les principales notions et les personnages les plus importants que nous pouvons rencontrer au fil des pages écrites par Reynolds, tout au long de sa carrière. J'y insiste sur les problèmes de définition posés par des concepts dont les acceptions ne sont parfois qu'implicites, et sont le plus souvent flottantes, au gré des enjeux et des problèmes contextuels posés à la pratique du peintre. J'y montre aussi que, dans bien des cas, Reynolds fait constamment évoluer sa théorie, en la réélaborant en fonction de ses rencontres mais aussi des résistances ou des débats que ses idées font surgir au sein de l'institution académique, auprès de ses collègues ou dans la presse. Reynolds ne prétend jamais détenir une vérité qu'il cherche à imposer à ses auditeurs ou ses lecteurs – ou à lui-même. Bien au contraire, il trouve, à travers le travail de formulation par l'écrit et de formalisation par l'explicitation théorique les moyens de construire ou de déconstruire cette pensée. Tel est, sans doute, le principal enseignement d'une édition qui, je l'espère, contribuera à montrer que la pensée de sir Joshua Reynolds est l'une des plus audacieuses et des plus ouvertes de son temps.

Les écrits de Sir Joshua Reynolds - Volumes 1 et 2

LE LIVRE Entre la fin du XIVe et le milieu du XVIe siècle, les Pays-Bas s'imposent comme l'une des principales scènes artistiques du monde occidental. Dans cet opus, Jan Blanc recontitue brillamment les conditions et les raisons pour lesquelles l'art des anciens Pays-Bas s'est progressivement imposé sur la scène internationale, en inventant de nouvelles manières, profondément modernes, de penser l'art et son rapport au monde, sans pour autant renoncer aux liens étroits qui l'unissent aux formes inventées à la fin du Moyen-Âge.
De l'avènement de Philippe II le Hardi (1384) à la scission des Pays-Bas en 5181, ce vaste parcours aborde les grands maîtres de la peinture (Jan van Eyck, Petrus Christus, Rogier van der Weyden, Hans Memling, Jan Gossaert, Joachim Patinir, Jan van Scorel, Pieter Bruegel I), mais également l'enluminure, le dessin, la gravure, l'architecture, la sculpture et la tapisserie - autant de domaines où les artistes néerlandais ont excellé durant cette période.
Une somme abondamment illustrée qui complète parfaitement, sur le plan chronologique et thématique,  Le Siècle d'or hollandais  du même auteur (Citadelles & Mazenod, 2019) ; celui-ci commençant là où s'achève  L'Art des anciens Pays-Bas.

L'art des anciens Pays-Bas : de Van Eyck à Bruegel

L'histoire de l'art a depuis longtemps intégré l'importance du spectateur et du contexte à la fois perceptif, cognitif et pragmatique qui, dans un temps et un espace déterminés, organise son rapport spécifique à une oeuvre. Certains éléments restent cependant sous-évalués sinon ignorés : ce sont les objets, "appareils" et autres "prothèses" perceptives ou relationnelles qui, dans bien des cas, contribuent de façon décisive à l'appropriation et à l'usage effectif des représentations. Si cet ensemble d'objets a pris une place déterminante à l'époque contemporaine et a été reconnu par les historiens des médias, leur importance n'est pas moins grande dans le passé, notamment dans le champ des représentations religieuses. Loin en effet d'un face à face que l'on imaginerait immédiat et exclusif entre les dévots chrétiens et les objets de leurs dévotions (représentations iconiques, reliques, saint sacrement, etc.), nombre de pratiques spirituelles de l'époque moderne impliquent toute une série d'images de différents statuts qui sont articulées les unes aux autres (images mentales, gravures, peintures, sculptures), et un ensemble d'objets ou d'"objets-images" (où l'inscription écrite a aussi parfois sa place) associés : chapelets, croix et crucifix, médailles, enseignes de pèlerinage, broches, bagues, pendants et camées avec motifs religieux, amulettes ou pendentifs reliquaires, agnus dei, scapulaires, manuels et ouvrages de dévotion, mais aussi ex-voto, paperoles, reliques "domestiques" et autres supports et instruments mémoriels.

Connecteurs divins - Objets de dévotion dans l’Europe moderne (XVIe-XVIIe siècle)

100% Raphaël

Souvent considéré comme l'un des artistes majeurs du siècle d'or hollandais, au même titre que Frans Hals ou Rembrandt, Johannes Vermeer a fait l'objet d'un nombre considérable d'études et de publications. Celles-ci le réduisent généralement à deux images : celle du "Sphinx de Delft" , de l'artiste génial replié dans son superbe isolement, élaborée au XIXe siècle par le critique Théophile Thoré-Bürger ; ou celle du peintre moderne avant l'heure qui, selon Daniel Arasse, s'interroge sur les définitions et les limites théoriques de son art. En se fondant à la fois sur les travaux les plus récents menés sur Vermeer, sur un examen de ses pratiques et des théories artistiques formulées en son temps, mais aussi sur une confrontation systématique de sa production avec celles de ses contemporains, cet ouvrage propose de sortir de cette alternative. Il met l'accent, pour la première fois, sur la manière dont l'artiste a consciemment construit sa carrière autour de l'ambition, constante et même obsessionnelle, de fabriquer sa propre gloire. A travers une analyse minutieuse des trente-sept tableaux authentifiés du maître, l'auteur se livre à l'exploration de trois enjeux capitaux qui ont dominé cette carrière : le respect des traditions artisanales de la peinture néerlandaise, auxquelles Vermeer accorde une place prépondérante dans plusieurs oeuvres, tout en cherchant à y introduire son métier personnel; la valeur de ses créations, à laquelle le peintre accorde une importance centrale, en développant des stratégies sociales, commerciales et symboliques fort habiles; la gloire personnelle même, qui le conduit à se présenter comme un artiste universel, à l'égal des plus grands de son temps. Les réflexions inédites proposées sont servies par une magnifique iconographie, qui fait appel à de nouvelles comparaisons, ainsi qu'à de nombreuses reproductions de détails offrant au lecteur le sentiment d'entrer dans la matérialité et l'intimité de ces chefs-d'oeuvre.

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