L'âge d'or de la peinture anglaise - Musée du Luxembourg

Entouré de mythes et de fictions, l'oeuvre peint de Léonard de Vinci demeure inépuisable par la richesse de son invention et l'habileté que le peintre y a déployée, de ses premières contributions, dans l'atelier de Verrocchio, à ses dernières oeuvres françaises. Mais ces trésors ne peuvent être redécouverts qu'en revenant aux oeuvres elles-mêmes, au plus près de leur surface, de leur matière. C'est à cette exploration rapprochée de l'art de Léonard de Vinci que ce livre invite le lecteur.Mettre à l'échelle et faire mieux voir : la double ambition de ce livre est de permettre au lecteur de redécouvrir les oeuvres d'un des plus grands peintres de la Renaissance italienne en les regardant mieux, en les regardant autrement, en les regardant enfin de près.Collection 100%Cette collection vise à présenter le travail des grands maîtres de l'histoire de l'Art à travers une trentaine d'oeuvres majeures, reproduites dans leur intégralité, et surtout accompagnées de détails à taille réelle. Monographie vivante, ne se limitant pas à un choix de reproductions flatteuses, la collection 100% a aussi pour ambition d'offrir, à travers des textes concis et accessibles à tous, les derniers états de la recherche (radiographie des tableaux, attribution des oeuvres, etc.).Le lecteur accède ainsi à une notion d'échelle, très et trop souvent absente des livres de peinture pour des contraintes de maquette, et découvre dans une présentation claire et chronologique les chefs-d'oeuvre des grands maîtres de l'Histoire de l'Art, tels qu'il pourrait les contempler sur les cimaises d'un musée ou d'une église.Cette collection allie donc au plaisir de la contemplation esthétique des textes concis et didactiques.

100% Léonard de Vinci

Peindre et penser la peinture au xviie siecle

Après la mort de sir Joshua Reynolds, les premiers visiteurs de son atelier y ont découvert, en plus de plusieurs tableaux inachevés et des oeuvres de son abondante collection, un nombre considérable de manuscrits – plus de 2000 pages de sa main ou de celle de ses secrétaires. Certains de ces manuscrits ont fait l'objet de publications partielles, tout comme c'est le cas des quelques textes publiés par Reynolds tout au long de sa carrière – pour l'essentiel, ses trois articles pour l'Idler et ses quinze discours académiques. Il n'existait pourtant aucune édition complète de ses écrits, tant en anglais qu'en français. Présentant pour la première fois l'intégralité des textes connus de sir Joshua Reynolds, qu'ils aient été publiés de son vivant et après sa mort ou restés à l'état de manuscrits, cet ouvrage propose ainsi une révision complète des théories et des pratiques artistiques du peintre, à l'aune de textes connus, méconnus et inconnus. Réunis pour la première fois et présentés de façon systématique et comparative, ceux-ci permettent de mieux éclairer une carrière et une pensée plus cohérentes qu'on ne l'a dit, moins conformiste qu'on ne l'a prétendu. Ils constituent surtout des documents capitaux pour une histoire artistique mais aussi culturelle, sociale, historique, littéraire, théâtrale et politique du Siècle des Lumières. A travers une présentation strictement chronologique des différents documents, qui mêlent les textes publics ou publiés, les lettres privées ainsi que les notes demeurées confidentielles, il s'agit de souligner la cohérence des idées développées par le premier président de la Royal Academy tout autant que leur évolution et leur adaptation à des publics et des attentes différents. L'ensemble de ces sources fait l'objet d'une présentation qui permet d'en restituer les enjeux, d'en rappeler le contexte d'énonciation et d'en marquer les principaux apports. Par une série de renvois intertextuels, le lecteur pourra également mettre en relation les propos de l'artiste à différents moments de sa vie, afin de mesurer ce qui les sépare ou les réunit. Par ailleurs, afin que ces textes ne soient pas réduits aux innombrables chapitres d'une théorie de l'art homogène et unifiée qui n'a jamais existé, et arrachée à la pratique d'un peintre qui a constamment cherché à la fonder sur les problèmes strictement artistiques, techniques et artistiques qui se posaient à lui, lorsqu'il concevait un portrait ou une peinture d'histoire, des éléments d'information concernant sa carrière, ses principales oeuvres et les débats les entourant ont été insérés entre les textes afin d'en favoriser la compréhension et d'en saisir les enjeux circonstanciels. Il serait vain, même en une longue préface, de résumer en quelques points des théories artistiques qui s'étalent sur près de 2000 pages et couvrent près d'un demi-siècle, du premier manuscrit connu de la main d'un Reynolds à peine entré dans l'adolescence – un arbre généalogique – à la dernière lettre que nous connaissons du peintre, écrite à peine un mois après avoir proposé – sans succès – sa démission de la Royal Academy. J'ai donc choisi la solution d'un dictionnaire, regroupant les principales notions et les personnages les plus importants que nous pouvons rencontrer au fil des pages écrites par Reynolds, tout au long de sa carrière. J'y insiste sur les problèmes de définition posés par des concepts dont les acceptions ne sont parfois qu'implicites, et sont le plus souvent flottantes, au gré des enjeux et des problèmes contextuels posés à la pratique du peintre. J'y montre aussi que, dans bien des cas, Reynolds fait constamment évoluer sa théorie, en la réélaborant en fonction de ses rencontres mais aussi des résistances ou des débats que ses idées font surgir au sein de l'institution académique, auprès de ses collègues ou dans la presse. Reynolds ne prétend jamais détenir une vérité qu'il cherche à imposer à ses auditeurs ou ses lecteurs – ou à lui-même. Bien au contraire, il trouve, à travers le travail de formulation par l'écrit et de formalisation par l'explicitation théorique les moyens de construire ou de déconstruire cette pensée. Tel est, sans doute, le principal enseignement d'une édition qui, je l'espère, contribuera à montrer que la pensée de sir Joshua Reynolds est l'une des plus audacieuses et des plus ouvertes de son temps.

Les écrits de Sir Joshua Reynolds - Volumes 1 et 2

Catalogue de l'exposition L'Âge d'or du paysage hollandais, présentée au Cabinet des dessins Jean Bonna, ENSBA de Paris (10 octobre 2014 - 16 janvier 2015).

Loin de la nature et de la lumière méditerranéennes, les dessinateurs hollandais - Ruisdael, van Goyen, Cuyp etc. - développent dans ce domaine de nouvelles approches qui vont leur assurer une notoriété incontestable dans toute l'Europe. Sensibles à l'omniprésence de l'eau dans leurs contrées - fleuves, lacs, cours d'eau et canaux -, ils dressent une image vivante où pêcheurs, marins mais aussi promeneurs et patineurs s'adonnent à leurs activités quotidiennes.

Exécutés sur le vif en plein air ou retravaillés en atelier, ces dessins étaient parfois conçus pour eux-mêmes car déjà très appréciés des amateurs, parfois destinés à être gravés ou plus rarement préparatoires à des tableaux.

Achetées en grande partie par Jean Masson, ces oeuvres font aujourd'hui la richesse des Beaux-Arts de Paris. Frits Lugt, grand érudit et lui-même éminent collectionneur, dressa en 1950 un inventaire complet de cet ensemble. Marià van Berge Gerbaud fait aujourd'hui le point sur les récentes découvertes et les attributions de ces dernières années.

CARNETS D'ETUDES : l'Ã¢ge d'or du paysage hollandais

En quete du grand style - la peinture d'histoire britannique au xviiie siecle

Souvent considéré comme l'un des artistes majeurs du siècle d'or hollandais, au même titre que Frans Hals ou Rembrandt, Johannes Vermeer a fait l'objet d'un nombre considérable d'études et de publications. Celles-ci le réduisent généralement à deux images : celle du "Sphinx de Delft" , de l'artiste génial replié dans son superbe isolement, élaborée au XIXe siècle par le critique Théophile Thoré-Bürger ; ou celle du peintre moderne avant l'heure qui, selon Daniel Arasse, s'interroge sur les définitions et les limites théoriques de son art. En se fondant à la fois sur les travaux les plus récents menés sur Vermeer, sur un examen de ses pratiques et des théories artistiques formulées en son temps, mais aussi sur une confrontation systématique de sa production avec celles de ses contemporains, cet ouvrage propose de sortir de cette alternative. Il met l'accent, pour la première fois, sur la manière dont l'artiste a consciemment construit sa carrière autour de l'ambition, constante et même obsessionnelle, de fabriquer sa propre gloire. A travers une analyse minutieuse des trente-sept tableaux authentifiés du maître, l'auteur se livre à l'exploration de trois enjeux capitaux qui ont dominé cette carrière : le respect des traditions artisanales de la peinture néerlandaise, auxquelles Vermeer accorde une place prépondérante dans plusieurs oeuvres, tout en cherchant à y introduire son métier personnel; la valeur de ses créations, à laquelle le peintre accorde une importance centrale, en développant des stratégies sociales, commerciales et symboliques fort habiles; la gloire personnelle même, qui le conduit à se présenter comme un artiste universel, à l'égal des plus grands de son temps. Les réflexions inédites proposées sont servies par une magnifique iconographie, qui fait appel à de nouvelles comparaisons, ainsi qu'à de nombreuses reproductions de détails offrant au lecteur le sentiment d'entrer dans la matérialité et l'intimité de ces chefs-d'oeuvre.

Vermeer - La fabrique de la gloire

L'histoire de l'art a depuis longtemps intégré l'importance du spectateur et du contexte à la fois perceptif, cognitif et pragmatique qui, dans un temps et un espace déterminés, organise son rapport spécifique à une oeuvre. Certains éléments restent cependant sous-évalués sinon ignorés : ce sont les objets, "appareils" et autres "prothèses" perceptives ou relationnelles qui, dans bien des cas, contribuent de façon décisive à l'appropriation et à l'usage effectif des représentations. Si cet ensemble d'objets a pris une place déterminante à l'époque contemporaine et a été reconnu par les historiens des médias, leur importance n'est pas moins grande dans le passé, notamment dans le champ des représentations religieuses. Loin en effet d'un face à face que l'on imaginerait immédiat et exclusif entre les dévots chrétiens et les objets de leurs dévotions (représentations iconiques, reliques, saint sacrement, etc.), nombre de pratiques spirituelles de l'époque moderne impliquent toute une série d'images de différents statuts qui sont articulées les unes aux autres (images mentales, gravures, peintures, sculptures), et un ensemble d'objets ou d'"objets-images" (où l'inscription écrite a aussi parfois sa place) associés : chapelets, croix et crucifix, médailles, enseignes de pèlerinage, broches, bagues, pendants et camées avec motifs religieux, amulettes ou pendentifs reliquaires, agnus dei, scapulaires, manuels et ouvrages de dévotion, mais aussi ex-voto, paperoles, reliques "domestiques" et autres supports et instruments mémoriels.

L'âge d'or de la peinture anglaise - Musée du Luxembourg

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