L'âge d'or de la peinture anglaise - Musée du Luxembourg

Dans l'atelier de Rembrandt : le maitre et ses élèves

For a long time, the Dutch Golden Age has been regarded as a historiographical construction or reconstruction dating from the second half of the nineteenth century, when the rise of nationalist and even racialist histories and art histories was intended to promote the principle of a Dutch cultural identity, visible and analysable beyond the vicissitudes of time. This volume shows how the notion of the ‘Golden Age', built on the ancient notion of aetas aurea, was constructed by the Dutch and for the Dutch, at the end of the sixteenth century, first to try to justify the theoretically questionable revolt of the Northern Netherlands against Spanish rule, and then to give shape to the new state and the new society created. However, we will see that there is not one but several possible definitions of this Golden Age, and consequently that it cannot be confined to one conception, so that it would be preferable to speak of a multitude of Dutch Golden Ages.

Dutch Golden Age(s): The Shaping of a Cultural Community

LE LIVRE Entre la fin du XIVe et le milieu du XVIe siècle, les Pays-Bas s'imposent comme l'une des principales scènes artistiques du monde occidental. Dans cet opus, Jan Blanc recontitue brillamment les conditions et les raisons pour lesquelles l'art des anciens Pays-Bas s'est progressivement imposé sur la scène internationale, en inventant de nouvelles manières, profondément modernes, de penser l'art et son rapport au monde, sans pour autant renoncer aux liens étroits qui l'unissent aux formes inventées à la fin du Moyen-Âge.
De l'avènement de Philippe II le Hardi (1384) à la scission des Pays-Bas en 5181, ce vaste parcours aborde les grands maîtres de la peinture (Jan van Eyck, Petrus Christus, Rogier van der Weyden, Hans Memling, Jan Gossaert, Joachim Patinir, Jan van Scorel, Pieter Bruegel I), mais également l'enluminure, le dessin, la gravure, l'architecture, la sculpture et la tapisserie - autant de domaines où les artistes néerlandais ont excellé durant cette période.
Une somme abondamment illustrée qui complète parfaitement, sur le plan chronologique et thématique,  Le Siècle d'or hollandais  du même auteur (Citadelles & Mazenod, 2019) ; celui-ci commençant là où s'achève  L'Art des anciens Pays-Bas.

L'art des anciens Pays-Bas : de Van Eyck à Bruegel

L'histoire de l'art a depuis longtemps intégré l'importance du spectateur et du contexte à la fois perceptif, cognitif et pragmatique qui, dans un temps et un espace déterminés, organise son rapport spécifique à une oeuvre. Certains éléments restent cependant sous-évalués sinon ignorés : ce sont les objets, "appareils" et autres "prothèses" perceptives ou relationnelles qui, dans bien des cas, contribuent de façon décisive à l'appropriation et à l'usage effectif des représentations. Si cet ensemble d'objets a pris une place déterminante à l'époque contemporaine et a été reconnu par les historiens des médias, leur importance n'est pas moins grande dans le passé, notamment dans le champ des représentations religieuses. Loin en effet d'un face à face que l'on imaginerait immédiat et exclusif entre les dévots chrétiens et les objets de leurs dévotions (représentations iconiques, reliques, saint sacrement, etc.), nombre de pratiques spirituelles de l'époque moderne impliquent toute une série d'images de différents statuts qui sont articulées les unes aux autres (images mentales, gravures, peintures, sculptures), et un ensemble d'objets ou d'"objets-images" (où l'inscription écrite a aussi parfois sa place) associés : chapelets, croix et crucifix, médailles, enseignes de pèlerinage, broches, bagues, pendants et camées avec motifs religieux, amulettes ou pendentifs reliquaires, agnus dei, scapulaires, manuels et ouvrages de dévotion, mais aussi ex-voto, paperoles, reliques "domestiques" et autres supports et instruments mémoriels.

Connecteurs divins - Objets de dévotion dans l’Europe moderne (XVIe-XVIIe siècle)

Issu d'une famille de pasteurs calvinistes, Vincent van Gogh a un temps caressé le rêve de vouer sa vie à la prédication avant de se tourner vers la peinture à l'âge de 27 ans et de s'y consacrer jusqu'à sa mort. Ce cheminement et la place accordée aux questions religieuses dans les lettres de l'artiste ont laissé penser que Van Gogh avait été un peintre de Dieu. Pourtant dès 1880, l'artiste se déclare athée. Au fil des circonstances et des rencontres, cette incroyance demeure une constante de sa pensée qui va guider ses choix de vie et orienter de manière décisive son oeuvre. Durant les huit premières années de sa carrière artistique, Van Gogh va faire le deuil d'une foi qu'il renie et qui le hante malgré tout. Les deux dernières années de sa vie, marquées par la multiplica-tion des crises mentales, ne feront pourtant que creuser le sillon tracé précédemment. Dans une intense fièvre créatrice, le peintre développe, à la manière de Nietzsche, l'idée que l'art doit exalter les forces du corps et du désir plutôt que les arrière-mondes de la Beauté ou de l'Esprit.
Revisitant l'ensemble de son oeuvre et s'appuyant sur une lecture renouvelée de sa correspondance, ce livre propose un regard inédit sur les relations de Van Gogh à la question de la foi.

Van Gogh ; ni dieu ni maître

Souvent considéré comme l'un des artistes majeurs du siècle d'or hollandais, au même titre que Frans Hals ou Rembrandt, Johannes Vermeer a fait l'objet d'un nombre considérable d'études et de publications. Celles-ci le réduisent généralement à deux images : celle du "Sphinx de Delft" , de l'artiste génial replié dans son superbe isolement, élaborée au XIXe siècle par le critique Théophile Thoré-Bürger ; ou celle du peintre moderne avant l'heure qui, selon Daniel Arasse, s'interroge sur les définitions et les limites théoriques de son art. En se fondant à la fois sur les travaux les plus récents menés sur Vermeer, sur un examen de ses pratiques et des théories artistiques formulées en son temps, mais aussi sur une confrontation systématique de sa production avec celles de ses contemporains, cet ouvrage propose de sortir de cette alternative. Il met l'accent, pour la première fois, sur la manière dont l'artiste a consciemment construit sa carrière autour de l'ambition, constante et même obsessionnelle, de fabriquer sa propre gloire. A travers une analyse minutieuse des trente-sept tableaux authentifiés du maître, l'auteur se livre à l'exploration de trois enjeux capitaux qui ont dominé cette carrière : le respect des traditions artisanales de la peinture néerlandaise, auxquelles Vermeer accorde une place prépondérante dans plusieurs oeuvres, tout en cherchant à y introduire son métier personnel; la valeur de ses créations, à laquelle le peintre accorde une importance centrale, en développant des stratégies sociales, commerciales et symboliques fort habiles; la gloire personnelle même, qui le conduit à se présenter comme un artiste universel, à l'égal des plus grands de son temps. Les réflexions inédites proposées sont servies par une magnifique iconographie, qui fait appel à de nouvelles comparaisons, ainsi qu'à de nombreuses reproductions de détails offrant au lecteur le sentiment d'entrer dans la matérialité et l'intimité de ces chefs-d'oeuvre.

Vermeer - La fabrique de la gloire

Les historiens de l'art ont l'habitude d'utiliser l'expression de "siècle d'or hollandais" (gouden eeuw) pour qualifier la civilisation néerlandaise du XVIIe siècle et, plus spécifiquement encore, l'art de cette période. Ce livre entend repenser cette notion en proposant d'analyser la manière dont elle a été définie, pensée et décrite au XVIIe siècle, par les Hollandais eux-mêmes, comme par leurs contemporains. Cet "âge d'or" est un moment historique marqué par de profonds bouleversements : alors que les guerres et les rivalités politiques traversent le siècle, la dissipation des tensions religieuses en fait une terre d'accueil et de tolérance ; les Provinces-Unies assoient fermement leur hégémonie économique et commerciale, fondée notamment sur les échanges coloniaux. Savants, poètes, philosophes et artistes forgent, chacun à leur manière, les représentations naturalistes ou idéalisées de ces transformations. Appréhender la société néerlandaise du XVIIe siècle à travers la grande variété de leurs créations rend compte de l'identité plurielle d'une nation en devenir. Tout en suivant le fil chronologique de l'histoire, des débuts de la guerre de Quatre-Vingts Ans jusqu'aux premières années du XVIIIe siècle, les principales théories et pratiques artistiques du siècle d'or sont ici exposées, sans tenter de reconstruire a posteriori une unité factice. Des oeuvres de Paul Bril à Adriaen Coorte en passant par Aelbert Cuyp, Gerard Dou, Gerard van Honthorst, Samuel van Hoogstraten, Gabriel Metsu..., sans oublier les incontournables Rembrandt, Vermeer et Hals, plus de 350 artistes et près de 600 oeuvres commentées accompagnent cette synthèse érudite et accessible, qui offre un éclairage renouvelé sur cette période phare de l'histoire de l'art.

L'âge d'or de la peinture anglaise - Musée du Luxembourg

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