En 1966, le monde connaît de grands bouleversements : la France tourne le dos à l'OTAN, ta révolution culturelle débute en Chine, [Argentine est confrontée à un coup d'Etat militaire... Cette même année, Gérard Oury réalise La Grande Vadrouille, sans mesurer alors que son film allait rencontrer un succès aussi phénoménal et quasi planétaire, imposant définitivement le burlesque à la française et deux acteurs de génie, André Bourvil et Louis de Funès, qui s'amusent à forcer les traits de leurs "caractères" à la manière de la commedia dell'arte. Entre farce et tragédie, un peu comme il le fera en 1973 avec Les Aventures de Rabbi Jacob, Gérard Oury raconte à sa façon une histoire de ta Seconde Guerre mondiale et de la Résistance, qui fait se rencontrer deux personnages que tout oppose : un maestro de l'Opéra de Paris, caricature d'Herbert von Karajan et de Sergiu Celibidache, autoritaire et prétentieux, et un petit peintre en bâtiment, timide et modeste. Le film se déroule en 1942 alors qu'un avion anglais est abattu par les Allemands au-dessus de Paris. Les trois pilotes sautent en parachute et atterrissent dans différents lieux de la capitale. En tes aidant à passer en zone libre, nos deux civils bien franchouillards vont devenir malgré eux des héros de la Résistance. Film haletant, plein de rebondissements et de facéties, La Grande Vadrouille, dont le titre ne va pas sans évoquer en creux le chef d'oeuvre de Jean Renoir, La Grande Illusion, parle aussi à sa façon de l'horreur de la guerre, mais sauve l'humanité par cette touche d'humour qui fait tout le sel de l'esprit du Schnorrer exprimant la force de l'humour juif qu'on avait vu à l'oeuvre dans Le Dictateur de Charlie Chaplin.

La Grande Vadrouille de Gérard Oury

S'il est un pays qui concentre dans son cinéma tous les excès et les contradictions de la société, l'Italie peut sans doute être celui-ci. La richesse de sa culture et les méandres de son histoire ont en effet toujours inspiré les intellectuels italiens parmi lesquels de nombreux cinéastes talentueux avides de montrer sur grand écran, dans les cris de joie ou de colère, le sentiment et les frustrations du peuple face aux puissants. [...] Placés au coeur des intrigues, de la comédie populaire au giallo, la politique, la violence, le sexe et la religion ont donc naturellement polarisé l'attention des pouvoirs publics depuis les tout premiers jours du cinématographe. " Christophe Triollet.Pour le huitième volume de sa collection Darkness, censure et cinéma, Christophe Triollet a fait appel à dix enseignants et chercheurs en cinéma pour évoquer différents aspects d'un cinéma italien viscéralement en marge. Un ouvrage de passionnés érudits qui revient au fil des articles sur la fantaisie baroque de Fellini, l'entreprise de destruction de Pasolini, la farce (ou force) caustique de Marco Ferreri, les films de cannibales de Ruggero Deodato et d'Umberto Lenzi, le réalisme documentaire de Gomorra. Dans sa volonté d'ouverture et de diversité, Darkness, censure et cinéma en Italie propose également un éclairage original sur deux réalisateurs connus pour leurs films gore, Lucio Fulci, anticlérical dans ses comédies, et Joe d'Amato, pornographe de l'extrême. Et d'évoquer la filmographie de Silvano Agosti, cinéaste révolté qui, face à la censure, a choisi la voie de la radicalisation et de la clandestinité. Darkness, censure et cinéma en Italie restitue toute le mordant, la folie, la créativité d'un cinéma italien qui aime jouer avec les interdits. Version luxe cartonnée à tirage limité.

Censure & cinéma en Italie

Lorsque Bernardo Bertolucci tourne quelques scènes de son Novecento à Cinecittà, il rencontre peut-être Federico Fellini qui, de son côté, y termine son Casanova. Bertolucci lui présente alors Gérard Depardieu et Robert de Niro. Mais Fellini est surtout attiré par le visage et la faconde de Depardieu ; il imagine alors tourner une vie du célèbre peintre lombard, Il Caravaggio, et propose à Gérard Depardieu de faire des essais pour le rôle titre. Depardieu est bien sûr enthousiasmé et vient s'installer quelque temps à Rome pour mieux entrer dans la peau du personnage. Le voici déambulant sur les traces du peintre — qui vécut un temps près de la piazza Navona —, contemplant ses oeuvres dans des églises baroques magnifiques, s'entraînant à peindre fleurs et fruits comme le maître, qui s'en était fait à ses débuts une spécialité. Le livre est ainsi l'occasion de redécouvrir comment travaillait Federico Fellini à Cinecittà, et l'affirmation grandissante du talent du jeune Depardieu. Bien sûr, tout cela est presque imaginaire : une rêverie. Mais une rêverie passionnante mettant en scène la rencontre de ces trois génies ; et pas complètement inventée en ce qui concerne Federico Fellini, puisque certains souvenirs de Depardieu y font référence ainsi qu'à Mastroianni, et aux repas plantureux et arrosés qu'ils prirent ensemble. Quant au Caravage, voici une belle occasion de revenir sur sa vie et son oeuvre...

Depardieu à Cinecittà

C'est un secret pour personne : Pedro Almodóvar est, entre autres, passionné par les femmes et par la musique, et notamment les chansons. Il fallait se pencher sur son oeuvre par le biais de celles qui l'ont inspiré, qu'il s'agisse des femmes (et elles foisonnent actrices, inconnues, chanteuses, et jusqu'à sa propre mère), des chansons ou des musiques inoubliables pour illustrer ses films, rejoignant à ce point les maîtres comme Fellini avec Nino Rota ou Alfred Hitchcock avec Bernard Herrmann.

Almodovar, les femmes et les chansons

Fellini, un rêve, une vie

C'est un secret pour personne : Pedro Almodovar est, entre autres, passionné par les femmes et par la musique, et notamment les chansons. Il fallait se pencher sur son oeuvre par le biais de celles qui l'ont inspiré, qu'il s'agisse des femmes (et elles foisonnent, actrices, inconnues, chanteuses, et jusqu'à sa propre mère), des chansons ou des musiques inoubliables pour illustrer ses films, rejoignant à ce point les maîtres comme Fellini avec Nino Rota ou Alfred Hitchcock avec Bernard Herrmann. Sans aller jusqu'à l'extrême comme le fit Jacques Demy, Pedro Almodovar sème ainsi dans ses films des chansons, souvent empruntées au répertoire international de la variété, les remettant quelquefois à la mode, et surtout en faisant mouche à chaque fois. C'est dire encore une fois l'importance de la chansonnette dans notre société qui ne peut plus se concevoir sans la zik. Il est nécessaire aussi de se demander comment un auteur aussi volontairement kitsch et provocateur a pu acquérir cette notoriété internationale, avec des scénarios complètement alambiqués et improbables, des sacs de noeuds inspirés des plus mauvais romans photos. Peut-être parce que le monde entier avait envie d'un cinéma léger et troublant comme ces chansons d'amour dans lesquelles l'interprète, accompagné d'une musique sirupeuse, met son coeur à nu, plus que son coeur : quelquefois ses tripes. Découvrons-les au cours de cette lecture pour se rendre compte qu'il faut souvent de la musique (et des chansons) avant toute chose...

S'il y a de nombreuses biographies sur Woody Allen, rares sont les ouvrages critiques. En voici un qui accepte tous les points de vue, qu'ils soient dithyrambiques ou retenus, poétiques ou psychanalytiques, critiques, généralistes ou encore axés sur une seule oeuvre en particulier. Cet ouvrage tente de cerner diverses approches du célèbre cinéaste new-yorkais concernant la vision de la femme, de l'humour, de la culpabilité, du jazz, du couple, de la religion etc. bref, un Woody dans tous ses états se donnant et se refusant, mais toujours sincère et hyper-productif.

Woody dans tous ses états

Cet ouvrage collectif veut surtout aborder le problème de la critique de cinéma en ce début de XXIème siècle. En cherchant à savoir ce qui pousse les critiques actuels à continuer à parler de cet art évanescent et quelquefois carrément mercantile, cet ouvrage tente de mieux appréhender l'utilité de la critique de cinéma par la bouche même de ceux qui l'analysent (philosophes, écrivains, professeurs, psychanalystes, critiques). Comment parler du cinéma, comment parler aussi des images qui le constituent oe

Comment parler de cinéma ?

Almodovar

Maurice Pialat, de l'ombre à la lumière

Avec dix films et un feuilleton télévisé, Maurice Pialat s'est inscrit dans le monde du cinéma. Malheureusement, sa notoriété a souvent été liée à sa provocation devant un public cannois hostile, lors de la remise de la Palme d'or pour Sous le soleil de Satan. 
Cinq critiques ont ici tenu, non à lui rendre hommage, mais à étudier son ouvre à travers les thèmes de l'amour, du désir, des femmes, de l'enfance, de la peinture et de l'art en général. Son cinéma est traversé de fulgurances et de personnages inoubliables. C'est dire que ses films s'inscrivent dans l'histoire du cinéma français en évoquant Jean Renoir ou Jean Eustache. 
Avec une préface de René Prédal, ce livre pourra intéresser étudiants et cinéphiles qui aimeraient mieux le connaître à travers ses courts-métrages ainsi que ses premiers films comme L'enfance nue.

La vie et l'oeuvre de Jean Vigo sont marquées par une fulgurance tragique. Le réalisateur qu'Henri Langlois a comparé à Rimbaud a eu une enfance placée sous le signe de la tragédie familiale (il n'a que 12 ans lorsque son père, l'anarchiste Almedeyra, meurt dans des circonstances dramatiques à la prison de Fresnes), et une jeunesse marquée par la maladie et les hospitalisations en sanatoriums. C'est l'art qui le sauva, d'abord la photo, puis le cinéma. Et c'est au cinéma qu'il vouera sa vie entière, une vie courte [puisqu'il s'éteindra à l'âge de 29 ans), mais intense.

En seulement cinq ans et quelque quatre films, dont un seul long-métrage, il marquera et influencera à jamais l'histoire du cinéma.

L'Atalante est le film de sa vie, le film de sa mort, un hommage libre et anticonformiste à la vie des mariniers et aux amours débutantes. Un chef-d'oeuvre reconnu, mais longtemps après la mort de son auteur.

L'Atalante de Jean Vigo

S'il y a de nombreuses biographies sur Woody Allen, rares sont les ouvrages critiques. En voici un qui accepte tous les points de vue, qu'ils soient dithyrambiques ou retenus, poétiques ou psychanalytiques, critiques, généralistes ou encore axés sur une seule oeuvre en particulier. Cet ouvrage tente de cerner diverses approches du célèbre cinéaste new-yorkais concernant la vision de la femme, de l'humour, de la culpabilité, du jazz, du couple, de la religion etc.  bref, un Woody dans tous ses états se donnant et se refusant, mais toujours sincère et hyper-productif.

(...) Alors, il a fallu se mettre au travail et tenter de donner une image de Georges Brassens en l'envisageant tout d'abord sous l'angle de son amour pour les animaux qui a été assez peu abordé dans la multitude des livres qui lui ont été consacrés. Et puis, ses proches, ceux qui l'ont bien connu, ceux qui l'adorent, ceux qui se sont inspirés de lui, celles et ceux qu'il a profondément aimés, tous les fameux copains de la chanson. Tout ceci sous la forme peut-être d'un inventaire à la Prévert mais concocté avec tendresse pour lui rendre hommage bien sûr, mais surtout pour continuer à perpétuer son souvenir dans le coeur des amoureux de la musique, de la poésie et des chansons d'une manière générale. (...)

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