La pratique de l'aquarelle se transforme considérablement en France tout au long du XIXe siècle, jusqu'à rencontrer, à la fin du siècle, un regain d'intérêt chez les jeunes artistes. Parallèlement à un usage très codifié de la " peinture à l'eau ", qui connaît toujours ses défenseurs, la technique s'affranchit de nombre de contraintes, notamment grâce à la pratique en plein air, favorisée par l'évolution du matériel portatif. Il en va ainsi des artistes impressionnistes et post-impressionnistes, qui réalisent leurs aquarelles dans le cadre de l'étude sur nature. Surtout, ils sauront développer un genre autonome, libéré des conventions du pittoresque académique recherché des amateurs et des marchands, et que Paul Cézanne portera à son apogée autour de 1900.

Aquarelle : atelier en plein air - Dessins du musée d'Orsay

Ouvrage de référence, L'Aquarelle étudie au fil d'une remarquable iconographie, le développement de l'aquarelle occidentale en tant que technique - singularisée par la polychromie et l'exigence de transparence -, et en tant que genre à partir de la fin du XVIIIe siècle, depuis la pratique du dessin colorié dans l'enluminure médiévale jusqu'aux lavis libres et éclatants de couleurs des artistes de l'abstraction. Portée par les paysagistes, les artistes naturalistes puis les jeunes avant-gardes, elle connaît sa période d'apogée dans le derniers tiers du XIXe siècle. Vers la fin du siècle, c'est en France que s'est déplacé l'épicentre de la modernité : Johan Barthold Jongkind, Paul Cézanne et, dans une moindre mesure, Paul Signac - héritier de Delacroix - seront à l'origine des révolutions majeures pour l'histoire de l'aquarelle au XXe siècle.

L'aquarelle

La collection du musée d'Orsay conserve le plus important fonds de dessins existant de Jean-
François Millet (près de six cent oeuvres). Il comporte un grand nombre de croquis, études sur
nature, premières pensées notées d'un trait rapide sur une feuille de carnet, provenant du fonds
d'atelier dispersé dans les ventes après décès de Millet en 1875.
Après sa mort, certains biographes et critiques ont voulu réfuter l'idée que Millet dessinait d'après
nature. Si Millet peignait exclusivement en atelier, il est avéré cependant qu'il faisait des croquis en
extérieur, d'après nature, et de nombreux dessins de cette collection peuvent être identifiés
comme tels. Cette activité s'enracinait dans son profond
amour de la nature.
Dans les années 1850, alors que ses tableaux sont parfois violemment critiqués au Salon, Millet
peut compter sur un cercle d'amateurs ou de marchands qui apprécient ses dessins. Il exécute
pour eux des oeuvres d'un réalisme poétique moins dérangeant que ses tableaux, et infléchit sa
production vers des thèmes sentimentaux, familiaux, images d'une vie rurale humble, laborieuse et
paisible qui trouve un écho dans une certaine nostalgie contemporaine d'une société préindustrielle,
vivant en harmonie avec la nature.
Les dessins de Millet montrent d'étroites relations avec l'oeuvre de ses contemporains, Honoré
Daumier ou Théodore Rousseau, mais aussi la méditation sur l'art ancien, car l'artiste a cultivé,
tout au long de sa carrière, la référence aux grands maîtres. Ces dessins de Millet eurent une
grande influence sur la génération des artistes d'avant-garde qui émerge dans les années 1870-
1880 Edgar Degas, Camille Pissarro, Georges Seurat ou Vincent Van Gogh mais aussi sur les
tenants les plus officiels du naturalisme académique Jules Breton ou Léon Lhermitte. Cette
descendance féconde et en apparence paradoxale reflète la complexité de son oeuvre, où se
trouvent tout à la fois un réalisme balayant drastiquement toute convention académique, une
idéalisation certaine liée à une recherche synthétique de la forme, portant les germes d'une
puissante évolution esthétique, et une filiation profonde avec la tradition des grands maîtres.
La collection de dessins du musée d'Orsay est conservée au département des Arts graphiques
du musée du Louvre.

Jean-francois millet, dessins

À l'invitation du musée d'Orsay, des artistes d'aujourd'hui dialoguent avec les collections en choisissant l'œuvre de laquelle ils se sentent proches. Naît ainsi la possibilité de voir les collections sous un nouveau jour. Subtiles et poétiques, les sculptures d'Emmanuel Saulnier, artiste français né en 1952, déploient un autre rapport au socle, au sol, à la terre, dans le paradoxe des matériaux utilisés, fragiles ou solides. Il a choisi d'installer son œuvre Ben Irakim. Je suis loin en correspondance avec la figure d'Odilon Redon et en particulier un dessin représentant Une tête coupée placée sur une table carrelée... Pour Saulnier, Redon donne une autre voie à la notion de déplacement, partir et partir loin, en proclamant l'impérieuse nécessité d'intérioriser ce déplacement, le rendant ainsi plus profond et plus intense.

Emmanuel Saulnier / Odilon Redon

Dessins d'odilon redon

Les artistes n'ont pas attendu le XIXe siècle pour aller par les champs, les grèves et les rues, au plus près de la réalité, avec leur carnet ou leur portefeuille. La pratique du dessin hors de l'atelier, "sur le motif", s'est répandue en Europe à partir du XVIe siècle pour devenir courante au XVIIIe siècle. Dans la première moitié du XIXe, elle connaît un nouveau regain : les artistes qui font le voyage en Italie se livrent à ce type d'exercice désormais considéré comme indispensable à leur formation, qu'ils soient peintres, graveurs ou architectes. Ainsi le dessin sur nature se définit-il progressivement comme une oeuvre en soi, une oeuvre achevée, et désigne aussi bien le dessin d'observation que le croquis d'étude, l'exercice d'élève, le relevé d'architecte, le dessin militaire, le dessin de mémoire, les notes de voyage ou le rendu à peine esquissé d'une impression fugitive... Le travail sur le motif demeure associé à l'exigence de réalisme ou de vérité. A la fin des années 1830, la photographie naissante apparaît à certains comme le plus sûr moyen de remplacer le dessin sur nature, et bientôt, la chambre claire - le dispositif par excellence du sur nature - permettra au dessinateur, à l'architecte même, de transposer le motif avec la précision du relevé architectural. Cet ouvrage présente plus d'une centaine de dessins et eaux-fortes ainsi qu'une trentaine de carnets de croquis, instrument privilégié du dessinateur en plein air.

Dessiner en plein air - Variations du dessin sur nature dans la première moitié du XIXe siècle

A l'invitation du musée d'Orsay, des artistes d'aujourd'hui dialoguent avec les collections en choisissant l'œuvre de laquelle ils se sentent proches. Naît ainsi la possibilité de voir les collections sous un nouveau jour. Pour Ellsworth Kelly, peintre abstrait américain né en 1923 à Newburgh, l'important est la structure du tableau - et non son contenu -, et l'espace qui l'entoure. Nourri de l'architecture romane, il a toujours été attentif au travail de la structure notamment chez Cézanne. L'essai d'Ann Hindry sur le travail et le parcours de Kelly, et leur entretien, donnent les clés pour découvrir son œuvre et comprendre son dialogue avec L'Estaque de Paul Cézanne.

Ellsworth Kelly, Paul Cézanne - Edition bilingue français-anglais

Le peintre admirable du Sommeil d'Endymion, de la Mort d'Atala et du Portrait de Chateaubriand fut aussi poète. Formé aux hu- manités classiques dans sa jeunesse, il est l'auteur de libres traductions de poètes antiques grecs (Alcée, Sappho...) et latins (Catulle, Claudien, Martial). En 1808 il entreprit l'imitation et illustration des Odes d'Anacréon, dont l'édition fut posthume. Le musée du Louvre conserve le précieux manuscrit du premier état de ce travail intense et foisonnant, dans lequel s'entremêlent la recherche poétique et l'invention des images – compositions ou vignettes – en regard du texte.Seul un fac-similé pouvait restituer ce tout organique dans son intégrité. L'étude qui l'accompagne retrace l'histoire du manuscrit, les différentes étapes du projet d'édition et des versions posthumes, et analyse les sources esthétiques de l'artiste. L'écriture de Giro- det est parfois difficile à déchiffrer mais la transcription intégrale jointe à l'étude permet au lecteur d'en apprécier toutes les subtilités et de retrouver le charme de la poésie anacréontique.

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