Max Klinger (1857-1920) est l'un des artistes allemands les plus fascinants de son temps. Peintre et sculpteur, c'est surtout son oeuvre gravé qui marque un tournant définitif aussi bien dans l'histoire technique du médium que dans ses thèmes et son autonomie. Il exécuta de 1878 à 1915 quatorze cycles à l'eau-forte, qui sont ses oeuvres les plus remarquables : le plus célèbre reste Paraphrase über den Fund eines Handschuhs (" Paraphrase sur la découverte d'un gant ", 1880), dont huit dessins furent exposés dès 1878 à Berlin et lui apportèrent une reconnaissance immédiate. Une belle femme y fait choir un gant dans une patinoire : Max Klinger illustre en dix planches les rêveries et fantasmes de l'homme qui l'a ramassé.
Sa technique de la gravure ainsi qu'un goût de la satire révèlent maintes affinités avec Goya : dans un univers à la fois cocasse et mystérieux, il explore la dualité entre le monde de la mythologie classique et sa sensibilité aux drames contemporains ; suicides, meurtres, adultères sont chez lui des thèmes récurrents. Un trait incisif et sûr, un sens vigoureux de la plastique mêlé d'un réalisme archaïsant confèrent une grande puissance à ses images. Ses étonnants cycles à l'eau-forte tirent leur force d'expression de la gravure qui constitue, selon lui, un véritable moyen d'expression moderne et l'authentique organe de l'imagination. Ils influencèrent en leur temps Käthe Kollwitz, Edvard Munch ou Alfred Kubin. La dimension onirique et le fort pouvoir évocateur d'un imaginaire provoquant des rencontres improbables entre rêve et réalité intéressèrent plus tard les surréalistes (leur influence sur les collages de Max Ernst est manifeste), Klee ou De Chirico qui consacra un texte à l'artiste.
Lecteur convaincu des théories darwiniennes, Max Klinger ne cesse de donner à voir la part animale de l'homme, avec ce qu'elle comporte de brutal et de sexuel. Contemporain de Freud, on trouve dans ses images singulières de puissants échos aux idées de pulsions et d'inconscient.
Grand amateur de musique - il dédie plusieurs de ses oeuvres à Brahms et Beethoven - Klinger donna à ses séries le titre générique d'" Opus " suivi d'un numéro, en référence aux compositions musicales. Le catalogue reproduit pour la première fois en français l'intégralité des " opera ", dont une grande majorité est conservée dans les collections du cabinet d'art graphique du musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg. Il les accompagne d'un ensemble de poèmes de Richard Dehmel, proche de l'artiste, d'un texte d'un de ses héritiers artistiques, Giorgio de Chirico, ainsi que de divers essais éclairant à la fois le contexte historique et social de l'oeuvre (la société bourgeoise wilhelminienne), sa complexité stylistique et technique, sa réception allemande et française ainsi que les résurgences tardives de sa fascinante et inquiétante étrangeté.

Max Klinger ; le théâtre de l'étrange ; les suites gravées 1879-1915

Gustave Doré a toute sa vie souffert de n'être considéré que pour son oeuvre d'illustrateur, quand sa peinture peinait à exister entre le symbolisme et l'académisme. Ogre génial et précoce, il a dévoré les plus grands textes avant d'en restituer sa vision, il se sera aussi laissé dévorer par cette tâche colossale et son écrasant succès. Pour des générations de lecteurs, il a fixé les visages de Gargantua, Don Quichotte, de Barbe Bleue ou des créatures de Dante. Mais Doré fut aussi, et en particulier avec l'Histoire de la Sainte Russie, ce curieux récit en images, l'un des inventeurs de l'abstraction humoristique et de la bande dessinée. Son influence se fait encore sentir aujourd'hui chez les plus innovants de ses auteurs, mais s'étend aussi au cinéma et aux films d'animation. Après que les avant-gardes se sont emparées des genres mineurs et que l'histoire de l'art s'est étendue à la culture visuelle, Gustave Doré se révèle comme notre contemporain, bien plus proche de nous que la plupart des grands peintres modernes auxquels il ne pouvait se mesurer. Les différentes études réunies dans cet ouvrage devraient nous en convaincre, images à l'appui.

Gustave Doré, ogre et génie

" L'affiche a lavé notre oeil et dégourdi notre intellect au point de devenir un actif ferment d'innovation et un adjuvant précieux pour les recherches du modernisme. " (Monde moderne, 1895). Riche de plus de 2 000 affiches de la fin du XIXe au tout début du XXe siècle, le musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg peut s'enorgueillir de posséder un fonds témoignant de ce grand élan graphique et novateur qui a recouvert les murs des villes modernes d'images colorées nées de la rencontre de l'industrie, du commerce et de l'art. Steinlen, Mucha, Toulouse-Lautrec et Chéret parmi bien d'autres témoignent admirablement de la vivacité de ce nouvel espace de création dans des images à la fois fortes et efficaces, devenues aujourd'hui de véritables icônes de la " Belle Époque ". À l'occasion de l'exposition " Le Salon de la rue - L'affiche illustrée de 1890 à 1910 " présentée au Mamcs du 25 octobre 2007 au 17 février 2008, les éditions des Musées de Strasbourg présentent une sélection de 128 affiches françaises, anglaises, américaines et allemandes. Le catalogue présente l'ensemble des oeuvres exposées selon six sections thématiques : tourisme, commerce, presse, exposition, théâtre, cabaret, fêtes et spectacles. Il se propose d'analyser la fonction de l'affiche et son rôle utopique de vecteur d'éducation du regard pour les masses, soulevant diverses contradictions entre commanditaires, artistes et critiques. Il souligne également ses qualités graphiques inédites, les différents procédés de compositions et les différences de choix esthétiques entre les pays, les relations étroites entre affiche et peinture. On connaît l'attirance du public pour une certaine iconographie Art nouveau et Belle Époque : cet ouvrage est l'occasion de satisfaire à ce goût esthétique par des reproductions en pleine page de qualité autant que de l'éclairer par une mise en contexte et une analyse rigoureuse des enjeux et distinctions graphiques, utopies formelles et sociales de ce riche ensemble.

Sous la direction de Marie-Jeanne Geyer, conservateur du Cabinet d'Art graphique au Musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg. Avec les contributions d'Henriette Touiller-Feyrabend, Thierry Laps, Nicholas-Henri Zmelty

Le salon de la rue ; l'affiche illustrée de 1890 à 1910

Si le paysage fait une entrée discrète dans l'histoire de l'art, d'abord, jusqu'à la Renaissance, en arrière-plan du tableau, il prend ensuite de plus en plus d'importance, et tend à devenir le sujet principal de l'oeuvre, puis un genre à part entière. À partir du XIXe siècle, il devient ainsi l'enjeu des grands courants artistiques novateurs (depuis le romantisme jusqu'au milieu du XXe siècle) et le lieu d'une autonomisation de la peinture. Les collections des Musées de la Ville de Strasbourg abritent de nombreux chefs-d'oeuvre de ce véritable âge d'or du paysage, peintures et oeuvres graphiques témoignant de ce " goût de la nature ". Suivant différentes thématiques, comme autant d'itinéraires (la fenêtre, l'eau, la ville, la campagne, l'arbre, les personnages dans la nature), ce livre se veut une promenade bucolique, sur les pas notamment de Corot, Courbet, Sisley, Monet, parmi quelques paysages réels ou rêvés.

Le goût de la nature - Paysages des XIXe et XXe siècles

Initialement paru en 1879, le premier Opus gravé de Max Klinger (1857-1920) illustre l'imaginaire singulier et poétique de l'artiste. Composé de huit eaux fortes réunies sous la forme d'un portfolio, cet ensemble montre toute l'étendue de la virtuosité de l'artiste et la puissance de ses images oscillant en permanence entre rêve et réalité. Peintre et sculpteur influent au sein de l'Allemagne de la fin du xixe siècle, c'est surtout par son oeuvre gravé que Max Klinger (1857-1920) a marqué l'histoire de l'art. Sa virtuosité technique et son goût pour l'expérimentation y servent une étonnante liberté figurative. Ce portfolio, qui rassemble les huit planches de son premier " opus " paru en 1879, invite ainsi à une étrange divagation, qui semble avoir émergé librement de l'inconscient de l'artiste. Autant de moments suspendus entre grâce et terreur, humanité gracile et bestialité prédatrice, que le lecteur ne se lassera pas d'interroger.

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