Chambord - Mystérieux & extravagant

L'architecture française attache une importance particulière à la disposition des espaces intérieurs. Cette préoccupation, très sensible dès la fin de la période médiévale, pose aux constructeurs un problème nouveau à partir du XVIe siècle, quand la volonté d'ordonner savamment les " dehors " vient contrarier les habitudes ancestrales de disposer portes et fenêtres en fonction de la commodité des dedans ".
Ce dilemme se manifeste avec une acuité particulière dans les résidences royales où les impératifs de la vie de cour, s'ajoutant à la multiplicité des fonctions, entraînent des programmes distributifs particulièrement complexes. Les contemporains notamment les représentants des puissances étrangères - ont heureusement laissé de nombreux témoignages qui permettent de suivre en détail la manière d'habiter " dans ces édifices dont, malgré des transformations parfois radicales, il est possible de restituer en partie les dispositions originelles.
L'ouvrage, qui traite des logis de la cour de France depuis l'avènement de Charles VIII en 1483 jusqu'à l'assassinat de Henri III en 1589, s'efforce d'aborder successivement toutes les facettes du sujet : itinéraires et lieux de séjours de cette cour nomade, logis du roi et de la famille royale, disposition des offices et des logements des courtisans, rôle du château dans les fêtes et cérémonies, séjours du roi dans les châteaux de ses sujets. Ainsi, à travers la transformation progressive de la société de Cour se dessine l'évolution de la demeure royale au siècle de la Renaissance.

La Cour De France Au Xvieme Siecle. Vie Sociale Et Architecture

Des spécialistes se sont penchés sur la question de la transmission du langage architectural classique, né à Rome au début de la Renaissance. Dans un grand nombre de cas, les architectes n'ont pas cherché à copier servilement un modèle ; ils l'ont interprété en fonction de leurs préférences visuelles, mais surtout des habitudes propres au lieu.

Le "génie du lieu" ; réception du langage classique en Europe (1540-1650) ; sélection, interprétation, invention

Funerals were among the most extravagant princely ceremonies in Europe. At the end of the Middle Ages, they were grandiose affairs, carefully recorded, bringing together the emotions of both Court and People. The Renaissance heightened their effect, adding surprising elements borrowed from an Antiquity which was largely re-invented. The seventeenth century introduced ephemeral displays, elaborately constructed castrum doloris, dressed up with lavish facades and interior designs which transformed these sanctuaries into theatrical funeral pyres. Historians, anthropologists, and political scientists have long been interested in this subject, as can be seen from Ralph Giesey's celebrated work Le Roi est mort. Art historians have been attracted to the surviving decorations of tombs and funerary chapels. Yet historians of spectacle and of its ephemera have, hitherto, somewhat neglected a topic which is — nonetheless — at the heart of their concerns : with their elaborate settings, their costumes and decors, princely funerals challenge theatre and opera. It is within this context that experts from many disciplines attempt to trace the evolution of funeral ceremonies, which were much less static than is generally believed ; to expose the gifts of the masters of these solemn occasions (and, indeed, of their predecessors, the heralds) who constantly devised subtle ways of capturing the attention of spectators and moving their emotions. These essays have tried to cover not only a wide time spectrum but also to reveal the variety and range of such ceremonies devised in diverse European Courts as well as unravelling the innovations which underlay fashions which had multiple international repercussions. Featuring contributions by : Monique Chatenet, Murielle Gaude-Ferragu, Gérard Sabatier, Agostino Paracivini_Bagliani, Alain Marchandisse, Joël Burden, Mickaël Boytsov, Maria Nadia Covini, Eva Pibiri, Marie-Madeleine Fontaine, Giovanni Ricci, Gérard Sabatier, Maria Adelaida Allo Manero, Naïma Ghermani, Birgitte B. Johannsen.

Princely Funerals in Europe, 1400-1700 - Alterities in Old Norse Literature and Culture

Qualifié de « tardif », le gothique du XVIe siècle est souvent considéré comme l’ultime survivance d’un Moyen Age attardé. Et pourtant, dans de nombreux centres de la culture européenne, ce sont des formules novatrices, riches et raffinées, élaborées par des artistes prestigieux et encouragées par des mécènes éminents qui naissent à la fin du XVe et au début du XVIe siècle. Ce gothique « nouveau », souvent désigné en son temps comme « moderne », devait connaître une fortune considérable en Europe jusqu’en 1550, plusieurs décennies après la première apparition des formes « à l’antique ». De nombreux monuments-clefs appartenant à cet art, comme les façades du transept de la cathédrale de Beauvais, la flèche septentrionale de la cathédrale d’Anvers, la chapelle du condestable à Burgos ou les voûtes spectaculaires de la salle de Wladislaw à Prague, ont été conçus après 1500. Vingt historiens de l’art venus de l’Europe du nord (Pays-Bas, Allemagne, Bohème) et du pourtour méditerranéen (Espagne, Italie, Dalmatie) se sont efforcés d’éclairer toutes les facettes de cette architecture trop longtemps dénigrée, que les historiens français du XIXe siècle avaient pourtant qualifiée de « flamboyante ».

Le gothique de la Renaissance - Edition français-anglais-italien-espagnol

De tout temps, la campagne, synonyme de repos, de salubrité et d'intimité, a exercé sa séduction sur les- citadins, et la construction de maisons "aux champs" a accompagné la croissance urbaine. Le phénomène propre à la Renaissance tient à la manière dont, dans l'Italie du Quattrocento, l'idéal de l'Antiquité revisitée s'empare de la vie à la campagne et de et de Pétrarque rend à l'otium ses lettres de noblesse. Dans quelle mesure le concept de la villa italienne s'est-il diffusé dans l'Europe de la Renaissance ? Quels en furent les intermédiaires? Alors que le phénomène livresque impressionne par son ampleur, l'architecture construite reste volontiers attachée aux usages locaux. De plus, une différence fondamentale touchant l'ordre social divise les nations. Dans les pays où l'élite aristocratique aime habiter hors des villes, le développement de la maison de campagne des citadins vient interférer avec celui du château, siège de la seigneurie, signe de noblesse. Il en résulte une série de produits mixtes où la tentation de "vivre noblement" dans des châteaux en réduction vient contrarier la séduction des majestueuses villas gravées par Palladio.

Maisons des champs dans l'Europe de la Renaissance

Elevé par le grand architecte et dessinateur
Jacques Androuet du Cerceau au rang des " plus excellents bâtiments de France ", le château de Maulnes, l'une des créations les plus originales de la Renaissance européenne, courait inévitablement à la ruine totale quand il fut acquis en 1997 par le Conseil général de l'Yonne. Connu presque exclusivement par les gravures d'Androuet du Cerceau (1576), considéré comme un caprice plus que comme une œuvre majeure, il a bien failli disparaître dans l'indifférence générale, en dépit de la curiosité passionnée qu'a toujours suscité son étrange plan pentagonal et la source jaillissant au cœur du bâtiment. La décision prise par le Conseil général de l'Yonne d'accompagner la restauration d'un important travail de recherche pluridisciplinaire a permis en quatre ans d'aboutir à un livre rassemblant les approches des historiens, des archéologues et des historiens de l'art. De l'examen attentif des diverses richesses du sujet naît une vision entièrement renouvelée de ce château insolite, dont l'originalité est bien loin de se limiter à une figure géométrique. Maulnes se révèle ainsi un exemple unique d'hybridation de conceptions architecturales italiennes et d'un art de bâtir à la française, un témoin exceptionnel du raffinement et de la culture des grands seigneurs de la cour des Valois au temps des guerres de Religion.

Maulnes - Archéologie d'un château de la Renaissance

Le grand mouvement qui conduit au XVIe siècle les Européens à s'interroger sur les fondements de leur toi, ne peut pas manquer d'avoir des conséquences sur la Norme et le fonctionnement de l'édifice sacré. Alors que les " réformés ", de Luther à Calvin, redéfinissent la ponction du temple alors que les juifs vont trouver, dans certaines villes de l'Europe moderne en gestation, la liberté de bâtir des synagogues à l'image du temple de Jérusalem, l'Eglise catholique est conduite elle aussi à revenir aux sources pour justifier sa tradition. Lors de sa dernière session, le concile de Trente n'a fixé qu'un cadre général, qui a favorisé plutôt qu'empêché la diversité des réponses en terme d'articulation de l'espace, tant des églises paroissiales que des lieux cultuels élevés par les nouveaux ordres, nés dans le mouvement de la réforme catholique qui traverse toute l'Europe de la fin du XVIe et à la fin du XVIIe siècle. Les textes, de la description du Temple de Jérusalem à celle de la basilique vitruvienne, la proto-archéologie, qui tente de restituer temples et mausolées antiques, et la tradition constructive " moderne ", que nous appelons gothique, autorisent des expériences infiniment plus variées que l'apparente domination du " modèle du Gesu " (pour faire court) ne laisse penser. Loin de rompre avec l'héritage de ce qu'on appelle la Renaissance, les architectes rebondissent sur la plupart des problématiques posées un siècle plus tôt : création d'un espace centré sur le modèle du Panthéon et des petits mausolées antiques, ou d'un espace rectangulaire dérivé de la basilique ; tension entre l'unité de l'espace cultuel et sa fragmentation ; disposition du choeur des religieux ; places respectives de l'autel, de la chaire, de l'orgue : " querelle du luxe " dans sa double dimension spirituelle et esthétique.

L'architecture religieuse européenne au temps des Réformes : héritage de la Renaissance et nouvelles problématiques

Préface de Jean Guillaume. Monographie monumentale : le château de Madrid, élevé par François 1er autour de 1520-1530, est resté jusqu'à sa destruction en 1792 un édifice prestigieux, monument signalé aux visiteurs de la capitale, à cause de son décor céramique comme une curiosité à ne pas manquer.

Le Château de Madrid au bois de Boulogne: sa place dans les rapports franco italiens autour de 1530

Admirable demeure seigneuriale que le château de Châteaubriantâ! La forteresse des marches de Bretagne passe des Châteaubriant aux Dinan, aux Laval, aux Montmorency et aux Condé. Elle garde au fil des luttes d'indépendance féodale la marque de l'histoire de l'architecture militaire autant que de la demeure bretonne. Le domaine illustre ensuite, au gré d'un grand seigneur de la Renaissance, la diffusion aux confins de la Bretagne et de l'Anjou d'un art de vivre et de bâtir qui doit à la cour de France et au Val de Loire.

Le château de Châteaubriant

Cet ouvrage étudie la place occupée, au propre et au figuré, par les femmes et les hommes de l'aristocratie de la Renaissance et confronte à l'échelle de l'Europe les modes de vie des principaux protagonistes de la société de cour au début des Temps modernes, en comparant leurs logis.

Le prince, la princesse et leurs logis - Manières d'habiter dans l'élite aristocratique européenne (1400-1700), Actes des septièmes Rencontres d'architecture européenne, Paris, 27-30 juin 2011

Surplombant le Loir de plus de 60 mètres, le château aligne une succession d'éléments d'architecture féodale, gothique et Renaissance, d'une authenticité exceptionnelle : la " grosse tour " du XIIe siècle, l'aile Dunois du XVe et l'aile Longueville du XVIe avec leurs somptueux escaliers ; la Sainte-Chapelle, du XVe siècle, conserve quinze statues des ateliers de la Loire et montre une fresque du Jugement dernier. Le château renferme aussi une collection remarquable de tapisseries flamandes et françaises des XVIe et XVIIe siècles.

Le Château de Chateaudun

Partie constitutive de l'architecture tant savante que vernaculaire, le toit appartient aussi bien à la structure qu'à la silhouette d'un édifice. Lié à des problèmes techniques, il est aussi le lieu d'une démonstration formelle, d'un choix esthétique, ouvrant sur des questions décoratives, voire identitaires. La forme du comble en Europe à l'âge moderne a connu une grande variété : aux versants droits plus ou moins pentus et au toit en poivrière hérités du Moyen Age, se sont en effet ajoutés combles brisés, toits en dôme, en bulbe, en carène de navire ou à pentes inversées, cachés ou non derrière une balustrade ou un attique, et enfin la terrasse, plus fréquente qu'on ne le croit loin de la Méditerranée. Cette histoire des toits, dont le rapport de proportion avec les façades fournit de précieux éléments de lecture, permet de suivre les adaptations aux mutations de l'art de bâtir. Ils sont d'abord le produit d'une structure, la charpente, et de matériaux de couverture, qui interagissent avec elle tout en participant chromatiquement de la silhouette de l'édifice. Mais les toits sont aussi peuplés d'éléments décoratifs occupant la base, les pentes et le faîtage : tout ce "monde en l'air" mérite une attention propre, car il relève souvent du geste créateur. Certaines toitures ont même fini par acquérir une signification identitaire, comme le "Polish roof", le "toit à l'impériale " ou le "comble à la Mansart".

Toits d'Europe - Formes, structures, décors et usages du toit à l'époque moderne (XVe-XVIIe siècle)

En faisant apparaître que l'approche classique du cheval prônée par le plus célèbre des écuyers, François Robichon de La Guérinière, prenait ses racines à l'époque de la Renaissance italienne, cette étude apporte un regard nouveau sur une période cruciale de notre civilisation, qui vit naître l'équitation savante et le perfectionnement des techniques. Elle permet ainsi de mettre en valeur le raffinement des comportements qui lui sont liés, là où les historiens n'avaient cru voir jusqu'à présent que des pratiques désuètes et barbares. En partenariat avec le Centre d'études supérieures de la Renaissance de Tours, une trentaine de spécialistes ont mené depuis 2000 une recherche visant à mieux cerner les caractéristiques et les enjeux des arts de l'équitation à l'époque de la Renaissance. Cette enquête - aux multiples références disciplinaires - a été développée selon quatre axes de réflexion : l'économie du cheval, les techniques équestres, la dimension politique du cheval, les représentations et la signification culturelle de l'équitation. Les Arts de l'équitation dans l'Europe de la Renaissance sont le fruit du VIè colloque organisé en octobre 2002 par l'Ecole nationale d'équitation, sous la direction de Patrice Franchet d'Espèrey en collaboration avec Ernest Chenière et de Monique Chatenet. Cette conférence, qui s'est idéalement tenue au château d'Oiron, près de Saumur, demeure du grand écuyer de France de François Ier et l'un des trois haras royaux, a ainsi offert un bel hommage à toute la Renaissance équestre.

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