Cet ouvrage est une réédition numérique d'un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d'origine.

Du divan à l'écran - Montages cinématographiques et montages interprétatifs

Appliquée au cinéma que devient la notion d’essai qui a ses lettres de noblesse en philosophie ou dans le domaine littéraire ? On constate que le terme est doublement revendiqué par les cinéastes eux-mêmes et par la critique. Mais les uns et les autres l’envisagent-ils semblablement ? De fait, l’essai au cinéma peut revêtir plusieurs significations que les chapitres de cet ouvrage examinent tour à tour. Une première partie regroupe les textes qui ont trait à l’émergence historique du terme tandis que, dans la seconde partie, d’autres tentent de décrire quelques mécanismes psychiques de la création propres à ce genre. Frontalier avec le film narratif et le film expérimental, recoupant souvent le film documentaire ou l’autoportrait, l’essai rassemble des noms prestigieux, de Resnais à Godard, de Pollet à Marker, de Welles à Fellini, d’Antonioni à Moretti ou Monteiro. La troisième partie du livre est donc consacrée à l’analyse de films ou de séquences filmiques singulières. Chacune de ces études conduit à un parcours de la frange la plus inventive du Septième Art. En définitive, toute proposition formelle d’un véritable créateur n’est-elle pas un essai ? La quatrième partie interroge l’essai lorsqu’il tend à redéfinir le cinéma. Ce livre s’achève par un envoi en forme de diptyque à partir des ouvrages de quelques théoriciens, notamment Kracauer et Deleuze.Textes de Diane Arnaud, Christa Blümlinger, Fabienne Costa, Didier Coureau, Christophe Deshoulières , Jean Durançon, Guy Fihman, Murielle Gagnebin, Jean-Louis Leutrat, Denis Lévy, Suzanne Liandrat-Guigues, Alain Ménil, Claire Mercier, José Moure, Cyril Neyrat, Sylvie Rollet.

L'essai et le cinéma

Les images honteuses

Les Images parlantes : l'étrangeté habite ce titre ! Les détournements de l'image vers quelque langage codé, les contrebandes de l'image au gré de textes particulièrement transgresseurs (hiéroglyphes aventureux, cryptogrammes religieux, trésors de l'iconologie, subversions insolites de l'Art brut, mécanismes sulfureux du rêve, étranges translations d'un langage dans un autre), les transports sur la langue sont multiples. Une évidence s'impose donc : l'image ne parle pas, mais elle doit être parlée. Dès lors s'ouvre le domaine des fables et des fictions émanant de l'image elle-même, aptes toutefois à la spécifier comme à la sonder (livres en duo alliant l'image et le texte, fantasmagories du cinéma et parallèlement humilité signant le travail de toutcritique d'art). Exhiber une fonction inédite et captatrice de l'image en tant qu'elle est parlée, c'estse prononcer pour son capital créateur, son ingénieuse inventivité. Bref, le registre del'iconique pourrait, au terme de ce livre, se laisser argumenter en ces mots : " Voir, c'est faire parler " !

Les Images parlantes

Les Ensevelis Vivants (Gagnebin)

Pourquoi la critique psychanalytique a-t-elle été si longtemps imparfaite pour traiter du cinéma qui pourtant lui faisait la part belle? Nés quasiment avec le siècle, psychanalyse et cinéma entretiennent malgré tout d'innombrables relations : on parle, ici, comme là, de séance, d'activités fantasmatiques démultipliées, d'identifications à l'analyste ou au héros, de projections - qu'elles soient paranoïdes, défensives, primaires ou d'un 16 mm, voire d'un Super 8. Le cinéma met volontiers en scène des personnages représentant des psychanalystes ou des psychiatres, le patient parle de son « film » quand il évoque un rêve, pour certains analystes le premier « écran blanc » est le sein maternel et nombreux sont les films qui tentent de restituer un matériel onirique. Or, l'inconscient paraît jouer des tours à l'emprise herméneutique, lorsque celle-ci s'applique au cinéma. Leurres, chausses-trappes sembleraient duper le rapport du cinématographique et du psychanalytique, chacun comme pris dans un kaléidoscope vertigineux et de fausses ressemblances. Ce livre tente ainsi de capter à nouveau l'essence si particulière du cinéma à la faveur de divers éclairages psychanalytiques.

Cinéma et inconscient

Toute image a-t-elle vraiment une ombre ? A moins que l'ombre, peinte ou sonore, ne produise une image. Bref, qui, de l'image ou de l'ombre, l'emporte ? Ajoutons à cela les multiples clins d'œil, les repentirs iconologiques, les astuces inhérentes au monde du spectaculaire, les présences d'absence habiles à hanter toute couvre, qu'elle relève de la littérature, de la peinture, de la photographie, du théâtre, ou du cinéma, voire de la psychanalyse. Bref, reprises, transpositions, falsifications, recréations ou, changeons de registre : épure, conquête de l'authentique, les manifestations de l'art ont maille à partir avec l'ombreux qui vite devient tantôt ombrageux, tantôt ombrant ! De même les arts de l'empreinte, depuis l'origine du dessin jusqu'à l'horreur d'Hiroshima et ses fulgurantes lumineuses susceptibles d'éliminer l'image comme l'ombre, sont-ils toujours en étroite relation avec la mort et l'ineffable ? Mais l'infigurable, trace de l'inhumain, ne peut-il aussi se transformer en trop de visible ? Voir s'accompagnerait alors de quelque hystérie, capable de retentir sur la part de l'ombre liée à toute figure, sauf celle du vampire, et de faire des marges, des blancs, des silences autant de fragiles demeures, inséparables cependant de la représentation. Donner à voir implique ainsi sûrement un intime partage avec quelque secrète dispense des ombres. C'est ce que l'œuvre du cinéaste Alexandre Sokurov, si familier du langage pictural, confirme, au cours d'un hommage, à sept voix, rendu à son film Elégie de la traversée (2001). Le jeu énigmatique des ombres, spécifique de sa " touche " comme d'un certain traitement de la mélancolie, valorise tantôt le documentaire dans la fiction, tantôt le rêve dans la sèche réalité. La nostalgie, évocatrice de tant d'images, libère, là aussi, des ramifications propres à stimuler un nouvel art de créer, et peut-être même de penser les ombres.

L'Ombre De L'Image. De La Falsification A L'Infigurable

" Ce que je souhaite par-dessus tout ? - Le mouvement libre. Un mouvement qui se déroule dans la pensée et dans le sensible. Un mouvement qui invente son chemin, en prenant les mots et le fin détail des images pour indices. Un mouvement composé, entre le besoin de me rapprocher de certaines figures et le désir d'aller plus loin, peut-être même d'obliquer à de nouveaux carrefours. Mouvement qui déjoue, à l'occasion, les barrières disciplinaires, non pour le plaisir de les transgresser, mais pour celui de relier ce qui attend d'être mis en relation. Mobilité aussi, entre l'écoute du passé et la réponse au monde présent. Voies de passage à établir entre l'exactitude impersonnelle des enquêtes savantes et les actes personnels où s'instaurerait une communion amicale ; concilier le plus de science avec le plus de poésie : juger, comprendre, aimer, résister, - et garder vif le goût du mouvement. "
J. S.
Ce goût du mouvement libre se retrouve dans la première partie de cet ouvrage qui rassemble des essais des meilleurs spécialistes. Sollicités sur la question de l'image dans l'œuvre de Jean Starobinski, ils en examinent la nature, les rythmes et les fonctions, multipliant ainsi les perspectives. Ces études sont groupées en cinq sections : I. Le regard critique : littérature, peinture, cinéma ; II. Musique et poésie ; III. Rêve, folie, mélancolie et langage ; IV. L'obstacle et la transparence : du réel à l'imaginaire ; V. Histoire et civilisation.
Sous le titre général " La perfection, le chemin, l'origine ", six essais récents de Jean Starobinski clôturent ce livre.

Starobinski En Mouvement Suivi De La Perfection, Le Chemin, L'Origine

L'art abstrait se laisse-t-il commenter ? Échappant aux idéologies, celle du signifié, mais aussi celle de la structure, voire du code et du signe, l'art abstrait défierait l'emprise. Le déplacement d'une grande partie de la responsabilité de l'interprétation sur le lecteur confère à celui-ci un redoutable pouvoir.

Le Commentaire et l'art abstrait

Pourquoi la critique psychanalytique a-t-elle été si longtemps imparfaite pour traiter du cinéma qui pourtant lui faisait la part belle? Nés quasiment avec le siècle, psychanalyse et cinéma entretiennent malgré tout d'innombrables relations : on parle, ici, comme là, de séance, d'activités fantasmatiques démultipliées, d'identifications à l'analyste ou au héros, de projections - qu'elles soient paranoïdes, défensives, primaires ou d'un 16 mm, voire d'un Super 8... Le cinéma met volontiers en scène des personnages représentant des psychanalystes ou des psychiatres, le patient parle de son « film » quand il évoque un rêve, pour certains analystes le premier « écran blanc » est le sein maternel et nombreux sont les films qui tentent de restituer un matériel onirique. Or, l'inconscient paraît jouer des tours à l'emprise herméneutique, lorsque celle-ci s'applique au cinéma. Leurres, chausses-trappes sembleraient duper le rapport du cinématographique et du psychanalytique, chacun comme pris dans un kaléidoscope vertigineux et de fausses ressemblances.Ce livre tente ainsi de capter à nouveau l'essence si particulière du cinéma à la faveur de divers éclairages psychanalytiques.

Auprès de Michel de M'Uzan, on devenait psychanalyste dans un mouvement d'identification. Appréciant l'art de la litote et talentueux dans son ingéniosité, il adoptait une attitude bienveillante. De toute sa personne émanait un mélange de courage intellectuel et d'autorité, où se devinait la densité d'une articulation profonde entre la rigueur de la pensée théorisante et l'inspiration de l'artiste procédant de la rencontre avec le patient. Cette densité interpellait le tréfonds, décidait l'interlocuteur à se mettre au travail, rassurait quant a la valeur humaine de l'élaboration analytique. Les écrits issus du colloque organisé par la Société psychanalytique de Paris, le 23 novembre 2019 en témoignent, tout en retraçant un parcours conceptuel foisonnant. Née de la rencontre avec des patients qui développaient des maladies somatiques graves et d'un certain renoncement à l'écriture littéraire, sa pensée forge des notions a partir de la réalité clinique, cherchant le changement, l'ouverture, l'éclosion de mutations psychiques. Confrontant la réalité pulsionnelle avec un ordre identitaire, c'est-a-dire un programme de vie comprenant la mort a terme, il dialogue avec J.B. Pontalis et J. La planche. Mais surtout il s'attache à montrer la fonction cardinale du "perceptif" en ce qu'il permet une "négociation" salvatrice entre les filières pulsionnelle et identitaire. Son processus créateur s'est souvent nourri de la métaphore poétique : chimère, transfert paradoxal, travail du trépas, jumeau paraphrénique, et surtout vacillement des limites identitaires qui en forme la basse continue.

Michel de M'Uzan : psychanalyste et éveilleur

"L'auteur propose ici un modèle inédit d'interprétation de l'art centré sur le conflit psychique inhérent à chaque oeuvre. Est ainsi promue une vraie poïétique de la perturbation. De la théorie aristotélicienne de la création, l'auteur retient le jeu des quatre causes qu'elle renouvelle à la lumière des propositions freudiennes et post-freudiennes. C'est-à-dire que le capital pulsionnele, le degré de bisexualité, la capacité à élaborer deuils et choix, enfin l'emprise sur le matériau sont désormais les figures analytiques auxquelles répondent secrètement les oeuvres d'art. Considérés avant tout comme des créatures vivantes, films, tableaux, images dites virtuelles ou de synthèse sont donc à la fois des individus organisés et dotés d'une structure psychique précise et des personnes possédant un destin. Conviée en ces lieux où l'oeuvre dévoile sa vulnérabilité, l'exégèse s'attelle à travailler au bord du gouffre, là où l'art à tout instant risque de se perdre, n'était ce le recours à ce que l'auteur nomme une "greffe métaphorisante" : Antonioni et sa conception du vide, Fincher et le fétichisme, Kurosawa et l'irreprésentable, Lynch et les figures de l'excès, tels sont quelques territoires de l'expérience ici menée."Montées" sur les paroles du patient, les interprétations psychanalytiques permettent en outre à l'auteur de développer une herméneutique de montage pour le moins intrigante, tandis que certaines données princeps du cinéma viennent comme enrichir ce moment si crucial de la cure."Texte de couverture

Du divan à l'écran

Tout affrontement ne procéderait-il pas d'un malentendu ? Celui-ci ne résiderait-il pas dans le sujet lui-même, dans ses drames intérieurs? La notion d'affrontement est très loin de pouvoir être ramenée à la seule mise en face à face de sujets, d'entités, de pensées, d'idéologies. Cette notion complexe englobe tout spécialement la jalousie, en réservant une place à l'incertitude : sujet/objet, dedans/dehors, aujourd'hui/autrefois. Cela se vérifie dans le champ des images aussi bien picturales, théâtrales, cinématographiques, musicales que verbales. Des images de l'affrontement à l'affrontement des images, tel est le cheminement, à la fois esthétique, philosophique et psychanalytique, de ce livre. Dès lors, les termes de déconstruction, de démembrement, de démantèlement, élevés au rang d'instruments, et s'exerçant dans le champ strict de l'image, engagent une fécondité révolutionnaire.

L'affrontement et ses images

Il y a des images propres à représenter la honte et, à côté, des images éhontées, enfin des images qui éprouvent, en leurs plis, la honte. Dira-t-on que notre culture se plaît à jouer avec l'impudeur, l'opprobre, l'abjection? Cherche-t-elle à les piéger ou à les exalter? Que signifie la tentation du snuff movie: ces films « interdits » qui veulent capter le travail du trépas sur les visages ou dans les postures ultimes, et ainsi porter atteinte à ce qui est au plus profond de l'être, à l'identitaire?Aux multiples domaines de l'art s'appliquent les diverses interrogations propres aux sciences humaines: histoire des mentalités, esthétique, psychanalyse.

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