Né en 1977 à Oradea (Roumanie), Mircea Cantor vit et travaille " sur Terre ". Il étudie d'abord à l'Université d'art et d'esthétique de Cluj-Napoca puis se tourne vers l'école des Beaux-Arts de Nantes en 1999. D'emblée, ses réflexions s'engagent à travers différents médiums : vidéos, installations, photographies, dessins, performances, sculptures, dont la monographie qui sera publiée tentera de rendre compte de façon exhaustive. Mircea Cantor se dit artiste du monde, un monde sans frontière, et souhaite mettre en lumière les failles et les dysfonctionnements de l'être humain par le prisme de notre société contemporaine. Poétique et allégorique, son oeuvre entière est caractérisée par cette faculté de traiter de sujets complexes mais toujours dans une esthétique suspendue entre le réel et la chimère. Mircea Cantor voue une obsession au motif. L'apparence des formes, leur temporalité et leur force de persistance rétinienne font également partie des finalités attendues par l'artiste pour ses oeuvres. Il se joue de nos traditions, critique la face du monde, la politique, le phénomène de globalisation, l'histoire, mais reste concentré sur les aspirations humaines, observant minutieusement nos comportements et nos failles. Ancré dans son temps, il en révèle les cicatrices, les absurdités ainsi que la beauté de notre monde. S'interroger sur l'essence humaine est primordial. Mircea Cantor souhaite livrer une oeuvre symbolique en s'inspirant de divers champs de la connaissance afin de donner sens à l'existence humaine. Les fondements de son travail pourraient se résumer en plusieurs mots : tradition, humilité, esthétique, indépendance, rigueur et morale. Ce livre est bilingue français/anglais.

Mircea Cantor

Le titre de cet essai est emprunté à l'ouvrage de Lucien Levy- Bruhl, L'Âme primitive, publié en1927. Selon Levy-Bruhl, à l'inverse des constructions dualistes qui caractérisent la rationalité moderne, les peuples « primitifs » ont développé une conception pluraliste de l'âme correspondant à une appréhension pré-rationnelle du moi, conception selon laquelle l'âme, essentiellement non-fixée, peut prendre une multiplicité de formes et se déposer dans différents sujets. La théorie développée par Levy-Bruhl, si elle s'appuie sur un schéma évolutionniste désormais caduque, conserve une portée heuristique intacte : elle sert ici de métaphore pour décrire les procédures de la figurabilité, c'est-à-dire les dispositifs formels, symboliques ou rituels qui gouvernent les transformations des corps en figures ou, inversement, permettent aux figures de prendre corps.
Auto-destruction, possession, métempsychose, rêve, phénomènes de mort retardée : les textes rassemblés ici font le récit de ces déplacements, qui sont autant de retours en-deçà du principe d'identité et trouvent un accomplissement dans l'opération filmique : aussi ces textes, s'ils ne traitent pas tous du film, sont néanmoins traversés par la question de la filmicité.
Ce livre est fabriqué comme une mosaïque, chacun des articles fonctionne comme un corps rêvé ou réel. Les fantômes, les zombies, les âmes, les revenants mais aussi les plantes, les membres isolés ou la peur sont autant d'éléments du monde de l'enfance qui surgissent dans celui des adultes à travers des films, des comics et des performances. L'auteur tisse ici un récit admirable et avec une poésie incroyable il opère des rapprochements inédits.

âmes primitives

Première étude exclusivement consacrée aux oeuvres vidéo de Gianfranco Baruchello, des années 1960 à nos jours. Le coeur de l'ouvrage offre un catalogue complet des films de l'artiste, présentant, pour chacun, un synopsis, un historique des projections et une sélection d'images. La publication comprend également des documents de Baruchello, une anthologie de ses textes, ainsi que des essais de spécialistes et une bibliographie.

Archive of Moving Images - 1960-2016

Le catalogue raisonné du Fonds régional d'art contemporain Franche-Comté retrace l'évolution de la collection chronologiquement - avec vues d'exposition, photographies d'archives, reproductions, documents paratextes, index et essais - et propose une réflexion nourrie sur le passage de l'espace d'exposition à l'espace du catalogue (numérique).

Cet ouvrage résulte d'un travail de recherche mené en 2009 sur le Fonds régional d'art contemporain Franche-Comté à partir d'un projet d'exposition organisé à la Saline royale d'Arc-et-Senans. L'objectif de l'exposition consistait à déployer, selon une approche temporelle, l'ensemble du fonds afin de réfléchir à des modes de présentations qui ne répondraient plus aux implications souvent subjectives de la thématique mais à des logiques plus systémiques et objectives. Intitulée « 90' », en référence au temps moyen de visite d'une exposition en France, l'exposition mettait en avant un ensemble de paramètres spatio-temporels afin de mieux souligner l'incidence d'un parcours scénographique dans la lecture de l'ouvre. Il cherchait également à offrir une lecture exhaustive du Fonds pensé comme un tout pour mieux en saisir les articulations, les logiques, les influences, l'identité et les richesses, au-delà des modes et tendances en vigueur.
Cette expérience expographique nécessitait la réalisation d'un ouvrage qui, à partir de cette première analyse, permettait d'élargir les réflexions autour du Fonds en engageant une recherche approfondie sur l'ensemble des documents qui, depuis la création du Frac, ont été produit. Il s'en suivit un long travail d'investigation pour ressortir et numériser la totalité des images, éditions et documents afin de dresser un état des lieux du Fonds via cette somme. Il importa ensuite de donner à ce volume une forme pouvant rendre compte de la singularité visuelle de ces images et de leur capacité à documenter les ouvres. La collaboration avec les designers graphiques Charles Mazé & Coline Sunier dont le travail est tout particulièrement orienté sur les questions de l'index et de l'archivage, fut donc déterminante. Il en ressort aujourd'hui un ouvrage régie par le seul numéro d'inventaire à partir duquel quatre typologies d'image s'articulent : des vues spécifiques de l'exposition « 90' », des photographies d'archives, les reproductions des ouvres détourées, des documents paratextes. L'ensemble répond à une progression chronologique qui met en avant quatre périodes dont trois correspondent aux directions de François Cheval, Anne Dary et Sylvie Zavatta.
Dans sa forme, ce catalogue est un ouvrage volontairement cumulatif qui aborde le fonds comme une entité constituée d'ouvres, elles-mêmes interprétées à travers un programme artistique, des documents et des publications les plus diverses qui en façonnent, au fil des années, son identité et son appareil critique. Il incite le lecteur à parcourir son évolution, de 1983 à 2010, sous des formes documentaires distinctes afin de donner à voir et réfléchir ces ouvres selon différentes approches visuelles et en fonction d'un tout, celui d'une collection.
Dans son contenu, il se présente comme un outil destiné à s'interroger plus avant sur l'importance des contextes dans la lecture de l'ouvre mais également sur la nature de l'image dans la médiation de ces mêmes travaux. Enfin, à l'aide d'essais d'historiens et de chercheurs qui abordent tour à tour les enjeux techniques et esthétiques inhérents à l'exposition et au catalogue, ce livre cherche à amorcer une réflexion transversale sur les liens qui unissent le mode expographique au mode éditorial ainsi qu'à des formes médiatiques connexes comme le théâtre et le cinéma.

Frac Franche-Comté - Catalogue raisonné 1984-2009 - Traité, essais et méthodes d’analyses

Mouvement d'inspiration littéraire et artistique né aux États-Unis, dans les années 1950, à l'initiative de William Burroughs, Allen Ginsberg et Jack Kerouac, la Beat Generation a profondément influencé la création contemporaine.Le beau livre revient sur dix-huit années explosives, de New York, en passant par Los Angeles et San Francisco, jusqu'au Mexique, Tanger et Paris. L'ouvrage met particulièrement en avant le séjour parisien des écrivains de la Beat Generation, une étape essentielle.Les nombreux documents reproduits (photos, manuscrits, pochettes de disques, dessins et peintures ...) témoignent de l'euphorie créative des membres du groupe, ainsi que de la pluridisciplinarité du mouvement (arts visuels, littérature, jazz, poésie sonore ...). Sous la direction de Philippe-Alain Michaud, l'ouvrage propose différents essais des plus grands spécialistes du sujet. Une dizaine d'entretiens inédits avec des protagonistes du mouvement, ainsi que des extraits de textes et poèmes (Allen Ginsberg, Gregory Corso, William Burroughs, notamment) viennent enrichir le catalogue.4ème de couvertureLa Beat Generation naît à New York dans les années 1940 de la rencontre d'un petit groupe d'écrivains encore inconnus : Jack Kerouac, William S. Burroughs et Allen Ginsberg. En deux décennies, rayonnant au-delà de ce premier cercle, le mouvement acquiert une notoriété immense. De Greenwich Village à North Beach, le quartier de la bohème littéraire de San Francisco, puis au-delà des frontières vers le Mexique, Tanger, Paris et jusqu'en Extrême-Orient, porté par l'ivresse du voyage et le goût de la liberté, l'esprit de la Beat Generation se répand partout. Défiant l'Amérique consumériste, ségrégationniste et réactionnaire, défendant sans doctrine un idéal contemplatif et nomade, le groupe multiplie les expérimentations, formant le creuset des contre-cultures modernes.Avec plus de cinq cents oeuvres et documents, l'exposition « Beat Generation » au Centre Pompidou met en perspective un courant qui va bien au-delà de l'avant-garde littéraire. Les essais, témoignages, poèmes et entretiens rassemblés dans cet ouvrage richement illustré rendent compte de l'effervescence d'un des mouvements culturels les plus influents du XXe siècle.

Beat generation - New York, San Francisco, Paris

Hans Richter (1888-1976) a traversé toute l'histoire de l'art du XXe siècle : issu de l'expressionnisme, à la croisée du mouvement Dada, du constructivisme et du néo-plasticisme, il est l'inventeur du film abstrait et l'un des acteurs majeurs des avant-gardes des années 1910 et 1920. De Theo van Doesburg à El Lissitzky, de Kasimir Malévitch à Ludwig Mies van der Rohe ou Marcel Duchamp, il a tissé des liens d'amitié et collaboré avec bon nombre d'artistes européens de premier plan avant d'accompagner le basculement de la scène artistique de l'Europe vers les Etats-Unis, où il émigre au début des années 194o, et où il contribuera, à travers ses expositions, ses publications et son enseignement, à écrire l'histoire du mouvement moderne. Mais la vie de Richter n'est pas limitée à la sphère de l'histoire de l'art : elle se confond avec l'Histoire tout court, souvent tragique, du siècle dernier, de la Grande Guerre à la révolution spartakiste et à la République de Weimar, de l'effondrement économique à l'avènement du nazisme et à la persécution des juifs. L'exposition "Hans Richter. La traversée du siècle" présentée au Centre Pompidou-Metz dresse ainsi le portrait d'un artiste-cinéaste qui a constitué un nouveau système des arts dans lequel le film occupe une place déterminante et d'un grand témoin de son temps, résolument engagé dans le réel.

Hans Richter - La traversée du siècle

En 1996, le designer français Martin Szekely prend la décision de placer son travail sous l'égide d'une règle :  ne plus dessiner. Il s'agissait d'un principe de création et d'un principe de procédure auxquels le designer reste fidèle encore aujourd'hui. L'ouvrage Ne plus dessiner est publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Centre Pompidou à Paris du 12 octobre 2011 au 2 janvier 2012. A travers les différents textes et projets qui y sont présentés (ceux montrés dans l'exposition), il revient sur les fondements de cette démarche singulière et permet d'en constater les effets sur les réalisations des quinze dernières années. Chaque projet, des éditions de meubles et d'objets de recherche aux produits industriels, est accompagné d'un texte écrit par le designer lui-même avec Françoise Guichon, conservatrice et chef du service Design au Musée national d'art moderne - Centre Pompidou. En fin d'ouvrage, le théoricien de l'art Philippe-Alain Michaud, conservateur chargé de la collection des films au Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, revient sur le film de Mark Lewis, Black Mirror at the National Gallery, créé spécialement pour l'exposition. Fruit de la rencontre entre le designer et l'artiste, cette oeuvre met en scène Soleil Noir, un miroir conçu par Martin Szekely en 2007, dans les salles de peintures hollandaises de la National Gallery de Londres. Modeste dans son format et par son nombre de page, Ne plus dessiner est un joli complément de l'ouvrage Martin Szekely, une monographie en grand format publiée en 2010 aux éditions JRP/Ringier.

Ne plus dessiner

Les oeuvres et installations vidéo emblématiques du duo, avec des contributions de Philippe-Alain Michaud, de John G. Hanhardt et une biographie complète.

Ses oeuvres

Ses derniers livres